Voodoo Chile

Mojito (un playlist vacacional)

2012-02-09T02:11:00.007-03:00

Episodios veraniegos en 10 canciones.

Mojito by Andrés Panes on Grooveshark

Los discos chilenos más esperados de 2012

2012-01-08T23:34:00.001-03:00

Enero apenas comienza y tres regresos discográficos ya asoman entre lo más llamativo y esperado del año. Jiminelson, Camila Moreno y Gepe preparan su nueva artillería.

Las últimas dos temporadas han dejado generosas cosechas, pero se caracterizaron por tener actitudes opuestas. Si 2010 fue el momento de abrirse al mundo, de la mano de Gepe, Javiera Mena y Dënver; 2011 resultó ser mucho más hermético, aunque igual de provechoso gracias a Fernando Milagros, Astro y Fakuta. Está comprobado que en Chile existe talento de sobra; la clave para este año es darle, por fin, continuidad y balance.

Acerca de trabajo constante, Gustavo León, el líder de Jiminelson, podría conversar largamente. Su grupo fue uno de los primeros confirmados en la segunda versión chilena de Lollapalooza y llegará al festival listo para presentar "Supreme", su cuarto disco, producido por el cantautor Pedropiedra. "Lo vamos a lanzar en marzo, ya está listo y es lo mejor que hemos hecho. Rescatamos la época dorada del sonido negro de los 50 y también el soul, el estilo del sello Motown", asegura el músico. Planes no le faltan: "En Lollapalooza daremos nuestro show más grande. Quiero cantar un tema con Arctic Monkeys, lo estamos intentando y creo que va a suceder".

Otra que llegará con material nuevo al mismo evento es Camila Moreno. De creciente popularidad, la cantante se perfila como protagonista de 2012 con su próxima entrega, que prepara junto a Cristián Heyne. "Es un disco donde se presenta un paisaje vasto, complejo y fantasioso. Hemos grabado fuera del estudio, en jardines o bosques, buscando un sonido alejado de lo clínico que abunda en muchas producciones chilenas", asegura la solista sobre la secuela de "Almismotiempo", su bullado debut. Definida por su autora como "un documental en clave sonora sobre el ruido de las cosas", la placa estará disponible probablemente para otoño. En este momento, Moreno realiza una pequeña gira por Europa, que comprende paradas en Berlín, París y Barcelona.

Hacia finales de año, las miradas se fijarán en Gepe, una de las piedras fundacionales, además de embajador en el extranjero, del pop local contemporáneo. La cuarta entrega del músico ya tiene título, "Gepegepegepe", además de un adelanto estrenado la medianoche del 1 de enero (la canción "Campos magnéticos"). Sin embargo, el productor del álbum, Cristián Heyne, calma las aguas sobre el lanzamiento: "Todavía es todo muy prematuro, no hay muchos temas listos. Hasta ahora suena un poco menos indie, tiene una especie de narración más universal. Pero, tal vez, las próximas canciones que salgan sean una locura. Quién sabe".

Mi 2011 en canciones

2012-01-08T23:30:00.000-03:00

Una lista personal que no resiste mayor análisis.

Chao 2011 by Andrés Panes on Grooveshark

Nuevacosta: Sentido contrario

2012-01-08T23:29:00.000-03:00

Cuando está más de moda que nunca condenar a MTV, llega una banda que se bautiza en honor a Jersey Shore y que apela al pop chileno de los noventas como una de sus influencias: esto es Nuevacosta.

Polvo a polvo, ceniza a ceniza. Nuevacosta no salió de la nada. Pese a tener cerca de un año de vida, el grupo le debe su existencia, en buena medida, a proyectos que datan desde mediados de la década pasada. Tres de los cuatro miembros de Nuevacosta probaron suerte juntos por primera vez en TV Gamma, empalme encabezado por Pol Infante luego de lanzar un disco solista, bajo el seudónimo de Efectos Espaciales, y ser parte de los recordados Compiuters. Disuelto TV Gamma, y con Infante fuera del mapa, los restantes músicos continuaron el trabajo conjunto y sumaron a la tecladista Karin Gildemeister a sus filas. La nómina es completada por Angelo Santa Cruz en voz, bajo y guitarras, Gian Paolo Gritti en batería y Daniel Bande en sintetizador.

Entre los cuatro, intentan armar un panorama de lo que pasó desde que se juntaron hasta que, a fines de agosto, subieron como descarga gratuita su primera entrega, el EP Costabrava. “En algún momento vivimos todos en el mismo edificio. Nos juntábamos a tocar muy libremente, sin pensar en hacer un disco”, cuentan, aunque no todo lo que hacían era improvisar ensayos. “Antes de tener la banda, nos juntábamos a escuchar música en nuestras piezas. Podía sonar La Ley, Lucybell, Shakira, Nicole, Jon Secada o Miguel Bosé. Una vez llegaron los pacos porque teníamos a los Backstreet Boys a todo volumen, sonando demasiado fuerte. Lo pasábamos muy bien”.

La propuesta aletargada de Nuevacosta difícilmente es asociable a cualquiera de los recién nombrados, pero el grupo insiste en que un porcentaje de sus influencias está en el cancionero radial. En su primer comunicado de prensa, además de los referentes obvios (como la new wave y algunos toques de rock progresivo), el cuarteto destacaba al pop chileno de los noventas como una de sus inspiraciones. “Es un gusto musical compartido y espontáneo, nosotros vamos más a Lucybell que a Congelador. Igual queremos probar sonidos y mezclar lo kitsch con lo oscuro, pero no tenemos la pretensión de sonar experimentales o vanguardistas”.

“La afinidad es lo más importante. En TV Gamma, había una corriente más orgánica y de banda, y otra más electrónica, de computador y bases sintetizadas. Ahí chocábamos. Aparte, siempre estuvo presente la disputa entre el pop y la improvisación, o las cosas más progresivas. Nuestras ganas de expandir la música, sin miedo a que nos fuera mal, era la piedra de tope. No nos daba temor ser un poco más experimentales, queríamos liberarnos, que es lo que estamos haciendo ahora en Nuevacosta”, afirma Angelo Santa Cruz. La preponderancia del teclado, junto a las progresiones y atmósferas de Costabrava, hablan claramente de las inquietudes del ensamble, que en su primer video (para la canción ‘Uno’) opta por el misterio de aparecer en penumbras y no develar los rostros de sus miembros.

Para la banda no fue fácil darle forma a sus ideas. “Hubo un largo tiempo de mala suerte en que todo nos costaba, no podíamos ensayar, se nos echaban a perder los cables, nos robaron algunas cosas. Fueron cuatro o cinco meses así”, recuerdan. Pero, además de problemas logísticos, en el camino también se complicó la búsqueda de una estampa final satisfactoria. Luego de un intento de trabajar junto a Patricio Loaiza (uno de los productores del imprescindible Ser Hümano!! de Tiro de Gracia) que le sirvió al cuarteto para darse cuenta que no les gustaba quedar tan pulidos, los temas de Nuevacosta terminaron en las manos de Ignacio Rodríguez. Más conocido como Nes, y también por ser uno de los fundadores del sello BYM, el sonidista le dio el palo al gato. “Él tuvo al tiro afinidad con lo que escuchó, hizo una muy buena pega y una muy buena dirección de lo que queríamos. Dejó el EP opaco, tirado a los bajos, sucio y pasado por cintas. Quedó orgánico, no demasiado comprimido. Se distinguen los instrumentos. Se acerca a la realidad de cómo sonamos en vivo, porque nosotros teníamos ganas de registrar las cosas tal cual, más que de producir un disco”.

Pese a los buenos comentarios que despierta a su paso, y de recibir una invitación para telonear a Toro y Moi en su venida del pasado 3 de noviembre, el grupo asegura que no se siente parte de ningún nicho específico. Más bien, se consideran ajenos a todo lo que ocurre a su alrededor. “Nada nos representa, cuesta demasiado meternos en una escena o encasillarnos en un puñado de bandas. A veces tocamos en fiestas y compartimos escenario con gente que no tiene nada que ver con lo que hacemos. Ninguna banda chilena de ahora nos gusta, el paraíso del pop es muy lejano a lo que somos. Nos alegramos cuando al resto le va bien, porque de una u otra forma igual sentimos los coletazos, pero no somos parte de eso”, declaran.

“Cuando tocamos, ven a la Karin y preguntan por qué ella no hace los coros, si es mujer. Es una cosa muy retrógrada, tienen la noción de que, cuando hay una mina, está sólo ahí para cantar o para darle glamour al show. O gente que piensa que somos un grupo de electropop sólo por tener teclados. O que, porque nos llamamos Nuevacosta somos una banda tropical. Una vez hasta nos hicieron un flyer, sin habernos escuchado, y era con palmeras”. Las confesiones del cuarteto van develando la confusión de un medio malacostumbrado a manejar pocas variables y que se marea con propuestas menos comunes. “Nos han dicho que Costabrava es fome porque no es movido, es como súper para adentro, introspectivo. Pero nosotros tenemos sentido del humor. El grupo se llama así porque yo (Angelo) estaba viendo Jersey Shore en MTV, lo habían hecho en la Costa Este primero y después lo pasaron a la Costa Oeste, entonces lo promocionaban como ‘Nueva Costa’y me pareció la raja. Después tuvo más sentido aún por la new wave, la nueva ola, y porque con el terremoto cambió la costa en Chile. Y las melodías son entretenidas. El que quiere diversión, que no la vea: que la escuche”.
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Los Tetas: Otra vez en la ciudad

2012-01-08T08:30:00.000-03:00

Primero fue un anhelo. Después, un rumor de pasillo. Y el 18 de septiembre, la resurrección de Los Tetas se transformó en una realidad confirmada oficialmente. Con su escuadra original, que no comparte un escenario hace trece años, el cuarteto firmará su regreso en el Teatro Caupolicán este 14 de diciembre. Rockaxis fue el primer medio que conversó en extenso con Cee-Funk y Tea Time, las caras más visibles del grupo, y esta es la historia de su retorno contada por ellos mismos.

Texto por Andrés Panes

Entrevista por Juan Ignacio Cornejo y Andrés Panes

“Cee-Funk me llamó con la propuesta de juntarnos, una instancia que nunca había se había dado, obviamente que me pareció espectacular hacer un show grande. Ya habíamos tenido cercanía compartiendo escenario o cartel las últimas veces que él vino a Chile, y había buena onda”, dice Tea Time, explicando cómo se gestionó una de las noticias musicales del año: el esperadísimo regreso de Los Tetas. “Los dos siempre nos hemos admirado mutuamente… creo”. La risa desatada por la broma deja ver, apenas comenzada la entrevista, que la animosidad entre ambos es cosa del pasado. No hay rastro evidente de los roces públicos que marcaron la disolución del grupo en 2004, como las declaraciones cruzadas en la prensa y el conflicto judicial por el uso del nombre de la banda, tras la salida de Cee-Funk.

En los primeros minutos de este encuentro, Cee-Funk y Tea Time ya habían chocado los cinco en un par de ocasiones, en señal de celebración cada vez que uno decía algo que al otro le parecía atinado. Como dos escolares amigos. “Compartimos toda la vida juntos, fue mi primer compañero de grupo, junto a Rulo y a Pepino, y yo nunca he hecho nada tan grande como lo que hicimos juntos, ni antes ni después. Dije de inmediato que sí a la invitación y le echamos para adelante”. Cee-Funk contextualiza: “Pasó en agosto. Fuimos los dos primeros en hablar. Se dio entretenido porque cada uno tiene experiencia por separado, ocurrió naturalmente. Viendo lo que pasaba con el grupo, me daba siempre la sensación de que sería bueno reunirse”.

“Todo este tiempo en que estuvimos separados noté las miradas de lástima. Los comentarios que me llegaban tenían un sabor amargo, como de frenarse y no poder decirme “oye, estai puro hueviando, deberían volver Los Tetas””, reconoce Tea Time. A su lado, Cee-Funk asiente: “Nos pasaba a los demás también, aunque lo que hacíamos por separado tenía buena aceptación. Este reencuentro es lo que la gente quería ver, y respetamos eso. La parte humana de este regreso tiene que ver con el público, yo estuve viviendo tres años en Estados Unidos y hasta allá los latinos se acuerdan de nosotros. Necesitábamos volver a ese principio”.

Reaparecen Los Prisioneros con su formación original, editan dos álbumes innecesarios que manchan su –hasta entonces- impecable discografía y terminan disueltos nuevamente. Reaparecen Los Tres sin su formación original, editan dos álbumes innecesarios que manchan su –hasta entonces- impecable discografía y siguen juntos hasta hoy. Difícil saber qué es peor. Por bombásticas que parezcan en un comienzo, las resurrecciones más bulladas de bandas chilenas, en cuanto a legado artístico, han estado lejos de ser un negocio redondo. De cara a estos antecedentes, ¿qué tienen que decir Los Tetas? Tea Time responde en pocas palabras: “Esto es un gran comeback, una gran vuelta, pero más que nada es una continuación. Garantizamos clásicos y nuevo sonido”.

SUMA Y SIGUE

Al contrario de otros desaparecidos en acción que han vuelto, el grupo que inmortalizó los discos “Mama Funk” y “La Medicina” tiene a su favor la juventud de sus miembros (ninguno supera los 35 años de edad) y una combinación de experiencias por separado que incluye estadías en el extranjero (Tea Time por un lado y, por el otro, Cee-Funk con Pepino en Estados Unidos, a la cabeza de la activa banda Joya) y un recomendable emprendimiento soul con un larga duración en la calle (Esencia, liderado por Rulo). Asimismo hay discos solistas: Cee-Funk con “Joya”, sumado a “1” de Tea Time, quien a su vez posee un generoso listado de colaboraciones en temas de otros (desde los electrónicos Usted No!, pasando por los festivos Tunacola, hasta Denisse Rosenthal), así como un álbum con el genio alemán Atom Heart y otro en camino junto a su proyecto Criminal Jazz. Y, por supuesto, está Funkattack (Tea Time con Rulo y dos ex miembros de la formación posterior de Los Tetas, Toly Ramírez y “Tata” Bigorra).

“Juntarnos no es sólo revivir el pasado, porque sería un poco decadente ver a los mismos tipos de antes tocando exactamente lo mismo, queremos vernos mejor que antes y tocar mejor que antes. Cada uno se ha desarrollado gracias a su carrera individual. Si nos volvemos a reunir es para hacer los temas antiguos, pero con un nuevo sonido y una perfección nunca antes vista”, explica Tea Time, “ahora no voy a olvidarme de las letras, que es un clásico (aunque así aprendí a hacer freestyle), la idea es tocar todo a la perfección como nunca. Vamos a plantear la propuesta más profesional que hemos entregado. Es lo que yo estoy esperando porque, a través de los años, todo lo aprendido ha aumentado nuestro nivel como intérpretes. Ni se compara con el pasado. Eso sólo lo ha dado el tiempo y tal vez, incluso, el alejamiento”.

“Ninguno va a dejar sus proyectos solistas”, asegura Cee-Funk, “pero yo estuve tocando canciones de Los Tetas con otros músicos y quedaban locos con los bajos que grabó Rulo, incluso algunos bajistas me decían que escucharlos era como estar en una clase, como estudiar. Es que siempre tuvimos una conexión instrumental y de voces. Y el espíritu es volver a sentir esa música. A veces pensaba ‘qué ganas de volver a crear así’. Y como dice Camilo, una de las motivaciones y puntos importante de esta reunión es que nos escucharán como nunca antes lo han hecho, porque entre todos hemos recopilado calidad. Vamos a tirar la casa por la ventana, tienen la garantía de nuestro compromiso”.

Para Tea Time, el todo es más que la suma de las partes: “Nuestra potencia espera multiplicarse, porque cada uno aprendió a pararse solo para sostener un show”. Como es inútil cultivarse cuando no se aplica lo estudiado, cabe preguntarle entonces si avista el estreno de material en el horizonte del reformado cuarteto: “Tenemos planes de cosas nuevas. En esta entrevista vamos a obligarnos a lo que dijo Cristian, sobre volver a crear, que es hacer una nueva canción y tocarla en el show. No sé si es una obligación, en realidad, pero sí sería lindo presentar algo nuevo que le muestre a la gente que después de este concierto vienen más cosas, quizás más conciertos, singles, un disco”, aventura.

LA INCONCIENCIA DE SER LIBRES

Aunque los fundadores de la banda no estaban juntos hace trece años, Los Tetas se desactivaron recién en 2004. Los posteriores comentarios por separado de Tea Time y Cee-Funk, cuando eran consultados acera de la ruptura, fueron caldo de cultivo para el morbo respecto a la disolución del grupo. No ha pasado tanto tiempo desde entonces, pero ambos insisten en que ha sido el suficiente. “Qué suerte de nosotros por no tener que mentir ni fingir algo. Desde que nos reunimos, hemos vuelto a ser amigos. Y cuando me acuerdo de Cee-Funk, siento que lo quiero. No estamos haciendo una careta y que eso sea únicamente un negocio, eso me parece fantástico, porque no ocurre mucho”, afirma Tea Time. En tanto, Cee-Funk lo explica en jerga marital: “Uno siempre está pendiente del otro. Es como un matrimonio, si te separas de tu mina igual te preocupa si le pasa algo, la amistad es algo bien parecido. No es como que te sea indiferente. Si amas a alguien o lo odias, igual sientes algo porque te preocupa, hay sentimientos involucrados. Eso nos llevó a juntarnos para compartir, lamernos las heridas, decir ‘ya estamos bien’ y volver”.

“Nunca se sabe lo que va a pasar. Tampoco puedo decir que vamos a seguir para siempre. Es cosa de relaciones personales, de entender y darse cuenta del otro que está al frente tuyo. El valor que tiene Tea Time como músico no puedo negarlo porque esté enojado. Antes no nos dábamos tanta cuenta de eso”, profundiza Cee-Funk, “éramos chicos y tuvimos una carrera musical vertiginosa. Fue mucha locura siendo tan niños, pero ahora estamos grandes. A veces pienso en lo tonto que fue haber discutido, habernos achacado, o incluso peleado, por cosas tontas que no tienen importancia. Ya no me imagino que lleguemos a tener ese tipo de complicaciones entre nosotros, podemos hablar las cosas”.

Tea Time también ahonda en el pasado: “Esa fue una época de cambios, además, ahora sabemos cómo seguir adelante porque nos adaptamos. Antes, cuando partimos, estábamos respaldados por EMI con contratos para grabar en los mejores estudios, grandes sumas, todo armado para llegar y hacerlo. Lo bueno es que se durmió esta montaña gigante, estos senos como montañas enormes que son Los Tetas, que recién despertaron y que tienen la posibilidad de hacer las cosas bien, desde cero, limpias y perfectas, sin las piedras que estaban en el camino”, asegura. Su colega lo apoya:

“El tiempo ha generado altas expectativas sobre nosotros en lo que queda de industria. Hay antiguos fans que ahora son directores de compañías, pero eso no significa que vamos a ir a una compañía. El orden ha cambiado y no necesitamos un sello para inundar de buena música al mundo”.

“No soy de ningún lugar, yo soy del planeta funk”, decían Los Tetas en ‘Planeta, el tema que abría el disco “La Medicina” de 1998. Y aunque la perspectiva del tiempo ha hecho cambiar a los miembros del grupo, su denominación de origen se mantiene intacta. “Nunca nos dimos cuenta de dónde estábamos, porque éramos parte de la gente”, asegura Cee-Funk, “Los Tetas no somos sólo los miembros de la banda, es un público igual. Nadie canta sólo para uno, sino que también para los demás. La nuestra es una música que va más allá, que representa a la gente y la hace sentir identificada. Nos damos cuenta de eso y es una alegría, no sé cómo llegamos a hacerlo, pero lo hicimos. Nos esforzamos harto y conseguimos ser lo que somos. No como Justin Bieber, que nadie sabe quién es de verdad. Nosotros somos una realidad, tocamos, nos reímos, tocamos, nos peleamos, tuvimos problemas, los arreglamos y nos queremos”.

Apenas se confirmó el regreso del cuarteto, la noticia fue tema obligado en redes sociales y en el mundo real. Según Tea Time, la efervescencia que provocan es el dulce fruto de una siembra que partió en terreno casi infértil: “Nuestro espíritu era espontáneo y quebrador del frío de los ‘90, que venía congelado por la dictadura y el temor de la gente. Nosotros aparecimos con el pelo teñido, hablando de tetas y marihuana, haciendo mucho escándalo de cosas que nadie se atrevía a decir. Recuerdo que una vez íbamos a tocar en el Festival de Viña, pero no se pudo porque no se podía pronunciar nuestro nombre. Nosotros ayudamos a romper lo pacato, aunque las temáticas en que se concentraba la prensa eran las más superficiales, la extroversión. A pesar de eso, despertamos una inquietud en los jóvenes sobre atreverse y tomar actitud, cosas que prácticamente no nos estaban permitidas por ser chilenos. Generamos algo importante para la libertad de expresión, y por eso Los Tetas todavía pesan y siguen siendo tan queridos. Logramos algo profundo desde la inconciencia de ser libres”.

“Es como hacerte presente a través de la música en muchos lugares que no conoces, emerges como un fantasma, apareces y eres parte de la vida de otros”, continúa Tea Time, “el público que nos seguía y que nos sigue nunca discriminó, pertenecimos a la clase alta, media y baja, éramos transversales, liberados de eso. Fuimos un espejo para cualquier persona, mediante el éxito o fracaso, el odio o cariño. Nunca nos escondimos detrás de ninguna parada, siempre boca afuera. Tenemos que seguir siendo nosotros mismos, espero que cada vez más profundos y más locos en el sentido creativo”. Cee-Funk zanja la conversación con la mirada puesta en el futuro: “Siempre hubo un romanticismo por lo que hicimos. Y ahora que retomamos ese trabajo, podemos llegar a cualquier parte. Está todo abierto, igual que cuando partimos”.

Mixtape: En tu nombre (canciones tituladas en honor a músicos)

2012-01-07T20:29:00.001-03:00

The Replacements – Alex Chilton

Además de colaborar en el single ‘Can’t hardly wait’, Alex Chilton, el vocalista y principal compositor de los maravillosos Big Star, tuvo doble influjo en “Pleased to meet me” (1987), el sexto disco de The Replacements: también fue el inspirador de esta canción, que es el otro sencillo emblemático del álbum. Cuando Chilton murió, en marzo del año pasado, este tema se convirtió automáticamente en uno de los mejores tributos a su figura.

They Might Be Giants – XTC Vs. Adam Ant

“XTC versus Adam Ant, contenido versus forma, luchando por su lugar en el rock and roll, no existe el bien o el mal”. En su álbum “Factory Showroom” (1996), los neoyorquinos They Might Be Giants, conocidos por tocar el tema principal de la serie “Malcolm in the middle”, musicalizaron un feudo imaginario entre estos dos nombres ochenteros y lo llenaron de referencias pop (al movimiento New Romantic, la escuela Beatles y Bow Wow Wow).

Jan Mayen – Nick Cave

Por su carácter de personaje icónico, Nick Cave es un favorito de otros compositores: le han dedicado líneas desde Henry Rollins hasta The Go-Betweens, pasando por Lydia Lunch y The Jayhawks. Pero uno de los homenajes acertados es el de los desconocidos islandeses Jan Mayen, que en su disco debut, “Home of the free indeed” (2004), dijeron lo que para nadie es en un secreto: “Nick Cave’s a real motherfucker”

The Strange Boys – Should have shot Paul

La banda tejana The Strange Boys descarta por completo el famoso mito urbano sobre la muerte de Paul McCartney y su posterior reemplazo por un doble de idéntica fisonomía. En vez de eso, el grupo incluyó en su debut, “The Strange Boys and girls club” (2009), un tema que reflejaba mejor su idea sobre el ex Beatles. “Deberían haberle disparado a Paul”, repite incesantemente esta canción.

Stereo Total – Ringo, I love you

Antes de que Summer Finn (el personaje de Zooey Deschanel en la película “500 días con ella”) pusiera de moda entre las chicas hipsters el culto a Ringo Starr, una desconocida cantante debutaba en 1964 con el single ‘Ringo, I love you’. Era Bonnie Jo Mason, quien luego se haría inmortal bajo el seudónimo de Cher. 35 años después, el dúo alemán Stereo Total versionó la canción en su disco “My Melody”.

Ian Dury – Sweet Gene Vincent

El grandioso Ian Dury comprimió en tres minutos y medio su fanatismo –y conocimiento enciclopédico- por Gene Vincent en este clásico, incluido en el disco “New Boots and Panties!!” (1977). Toda una clase de historia, repleta de menciones a letras del pionero rockabilly, quien inspiró prácticamente toda la carrera de Dury.

Wilco – Wilco (the song)

“Wilco te amará, nena”. Sólo una banda de alto vuelo como Wilco, con un letrista de la talla de Jeff Tweedy, podría dedicarse un tema a sí misma y salirse con la suya. ‘Wilco (the song) abre “Wilco (the album)” (2009) y también desempolva la inusual costumbre de que un grupo de rock tenga un tema con su propio nombre, tal como lo hicieran en su momento Black Sabbath, Bad Company o The Monkees.

Calexico – Not even Stevie Nicks…

Con un sonido inspirado en el imprescindible “Rumours” (1977) de Fleetwood Mac, según lo que reconocen los mismos Calexico, esta canción de “Feast of wire” (2003) sitúa a Stevie Nicks en la radio del auto de un suicida. “Ni siquiera ella pudo salvarlo”, dice el grupo, que no menciona el nombre de la vocalista en el tema, sino que se refiere a ella como una “sacerdotisa” con “poderes secretos”.

Television Personalities – I know where Syd Barrett lives

La mitología en torno a Syd Barrett tiene uno de sus clímax en corte del álbum “And Don't the Kids Just Love It” (1981), el debut de Television Personalities (cuyo vocalista, Dan Treacy fue tributado recientemente en ‘Song for Dan Treacy’ de MGMT). Cuando el grupo fue escogido para telonear a David Gilmour, demostró que ‘I know where Syd Barrett lives’ (en español, “sé dónde vive Syd Barrett”) no era una fantasía: su cantante leyó en voz alta la verdadera dirección del ex Pink Floyd durante un concierto. Por supuesto, la banda fue despedida inmediatamente.

Sublime – KRS-One

“40oz. to Freedom” (1992), el debut de los californianos Sublime, es el deleite de cualquier ratón de discoteca amante de la trivia. Aparte de covers de Bad Religion y Grateful Dead, entre otros, contiene referencias a varios músicos. La más brillante de todas es esta oda al seminal rapero KRS-One y su aporte al pensamiento crítico mediante sus rimas.

Bonus Track: Miles Davis – Billy Preston

Esta maravilla funkera de 12 minutos, incluida en el recopilatorio doble “Get up with it” (1974), fue bautizada en honor a Billy Preston, uno de los acreedores con más méritos del honorífico título de “quinto Beatle”. Como si hicieran falta excusas para escuchar a Miles Davis de vez en cuando.

Corderolobo: A medio vivir

2012-01-07T20:19:00.000-03:00

Solista casi a la fuerza, el ex cantante de Yupisatam presenta su proyecto individual y le da nuevo sentido al trillado concepto de canción de autor a través de un elepé que refleja una personalidad musical única, pero que no desconoce sus influencias.

El debut homónimo del cantautor Corderolobo empieza con unas percusiones golpeadas y charangos que recuerdan al disco “Gepinto” de Gepe, y acaba en un compás de tres cuartos acompañado de un piano que parece tocado por Claudio Parra. “Si yo, que soy chileno, no valoro a Los Jaivas y no saco algo de ahí, ¿entonces quién? Si el día de mañana alguien toma mi música y usa un elemento de ella para hacer otra cosa, todo bien”, asegura. Además, en el cuerpo del álbum, el solista samplea ‘Qué Onda Güero’ de Beck, así como en otro momento advierte que puede aguzar la guitarra hasta lucir como un bastardo del rock industrial.

Referencias igual de dispersas suelen abundar en trabajos primerizos, en los que se explora la personalidad y los propios límites, pero en el caso de Corderolobo toda esa etapa está superada. Carlos Vargas, nombre de pila de este multiinstrumentista, fue parte del grupo Yupisatam, fundado en 1997 y disuelto una década después. “Se acabó por desgaste, no por mala onda. Nos aburrimos de hacer tocatas de ocho bandas sólo para las pololas y sentir que nada compensaba nuestro esfuerzo”, confiesa. El trío Inflamable sería su próximo emprendimiento, hasta que entró en hibernación tras la partida a China de su guitarrista, Juan Manuel Fluxá.

En 2008, Vargas se hizo cargo de musicalizar la película “Tanto Tiempo” de Claudio Polgati, donde aparecían un par de bosquejos de lo que ahora es su primer álbum sin banda. “Muchos van desertando de la música en la medida que pasa el tiempo”, cuenta. Nada que el ingenio no pueda solucionar. Junto a Nicolás Moreno, alias Rojo Cinco 3 Veces y ex bajista de Jirafa Ardiendo (otro deceso del rock chileno de los ’90), Corderolobo fundó Solistas Unidos, asociación de proyectos personales que actúa a modo de cooperativa. “Cuando ellos tocan sus canciones, nosotros somos su banda de apoyo y viceversa. Funciona como un colectivo y no tiene formación fija, hemos hecho funciones de hasta ocho artistas donde cada uno toca dos temas suyos, entonces, tenemos que aprender 14 temas aparte de los propios”, explica.

Nieto de Rosa Lobos y María Isabel Cordero, de ahí su nombre artístico -y tal vez el comienzo de las dicotomías que colorean su carrera-, Carlos Vargas (el cordero que también es lobo, el solista que quiere sonar como grupo, el rockero que samplea bases electrónicas y toca charango) carga una última y atractiva dualidad a sus hombros: la del CD que no es CD. Su debut es tanto libro de arte como disco. Una revalorización del formato ingeniosa y atractiva. “Era una idea preconcebida. Si sacaba un álbum físico, debía tener una razón de ser. Hacerlo por hacerlo me da lata, es sólo romanticismo y yo quería un sentido. Tampoco tengo rollo con que se lo bajen. No lo he subido sólo porque no sé cómo se hace”.

Nuevos vinilos chilenos: Para los arqueólogos del futuro

2012-01-07T20:16:00.001-03:00

La música nacional hace eco de la tendencia planetaria y añade títulos a su cartelera de lanzamientos en vinilo. ¿Nostalgia? Sólo un poco. Lo que en realidad propone este formato es una actualizada resistencia a la frialdad del MP3.

La última celebración del día de las disquerías independientes (Record Store Day), acontecida el pasado 16 de abril, dejó como conclusión que el vinilo nuevamente puede ser un formato rentable y -en cierta medida- un parche para la hemorragia que sufre la industria. Alrededor de 250 títulos, muchos de ellos especiales para la ocasión, fueron los protagonistas de una fiesta que dejó alegres números azules y legó flamantes títulos de tiraje limitado a los catálogos de bandas como Mastodon, Foo Fighters, Deftones y Radiohead. Si bien Chile está lejos de esas cifras, no atreverse a soñar con una instancia similar sería cortarle las alas al impulso que vive la edición de grupos nacionales en acetato, fenómeno en pleno desarrollo.

Varios long play de grupos chilenos –especialmente de metal y hardcore, aunque también del rock de los ‘60- distribuidos por sellos extranjeros, eventos como la Gran Feria del Vinilo que se realizó en octubre de 2010 o las ventas en Bar Loreto a cargo de Hugo Chávez (ex dueño de la recordada disquería Background), compradores que buscan en el Persa Bío Bío, en la calle San Diego, en Providencia o en línea con tal de conseguir lo que desean. Antecedentes de una fuerza colectiva que, por trasvase, cimentó que los últimos cuatro años acusen un palpable aumento en la producción de vinilos, que hoy tiene a nombres como The Ganjas, Contra Todos Mis Miedos, Pedropiedra y Watch Out! ampliando la oferta con sus más recientes entregas.

Es el reencuentro con una tradición que fue mancillada por la dictadura. Antes de Pinochet, etiquetas como RCA, EMI, Philips, Dicap y Banglad propiciaron la fabricación y distribución de elepés en volúmenes cuantiosos, que hicieron de Chile una potencia regional en el ámbito, pero el auge quedó en nada con la destrucción de máquinas para prensar discos e invaluables cintas master de músicos considerados un peligro para el régimen, debido a los mensajes de sus canciones. Posteriores lanzamientos criollos serían facturados en Argentina o Brasil (donde actualmente está Polysom, coloso único del rubro en Sudamérica), hasta la llegada del cassette y luego del CD, contrincante de la piratería noqueado posteriormente por la compresión MP3 y el tráfico en línea.

Pero el archivo digital no tiene cómo hacerle frente al vinilo, su antítesis, antagonista natural de todo lo que el MP3 –incorpóreo y portátil- representa. Esta nueva exploración del acetato y sus virtudes “más que a cierta moda, responde a una decantación lógica de la industria, en la que la música básicamente se remite al romántico a la antigua”, según Iván Daguer, uno de los fundadores del sello Pasta Base. En 2008, la etiqueta lanzó el primer disco del colectivo experimental La Banda’s en long play y en 2010, el debut homónimo de The Psychedelic Schafferson Jetplane, cuya secuela está en carpeta para este año.

Otro proyecto que Pasta Base tiene en mente es la reedición del recopilatorio “Bazar Biarritz” de 2008, originalmente aparecido en CD-R, donde figuran oscuros –al ojo popular- personajes encabezados por The Cindy Sisters (auténtico mito de la nueva psicodelia chilena, de efímera vida y palpitante trascendencia). Aunque si de rescate se trata, nada como el colosal emprendimiento del periodista Andrés Padilla, adalid de Corvus Discos y escritor del libro “Retrospectiva al Metal Chileno (1983 – 1993)”.

En su edición limitada, la exhaustiva investigación incluía un vinilo con canciones de seminales del thrash metal patrio como Dorso, Massacre, Necrosis, Cancerbero y Torturer. “Parece ridículo, pero en la historia del movimiento metalero, nunca se había editado un compilado de estas características, ni siquiera en CD o cassette”, cuenta el autor, acusando los vacíos de registro que enfrenta cualquier interesado en abordar la música chilena. De la mano de Padilla, Corvus también ha desempolvado material de la leyenda death metal Totten Korps y la ópera prima de los stoners Yajaira. Para el próximo año, la plataforma anuncia la salida de “Underground Never Dies”, segunda parte de “Retrospectiva al Metal Chileno”.

Desde la trinchera hardcore, una de las fuerzas más reconocibles es la de Amendment Records, etiqueta fundada por Pablo Duran. Su catálogo cuenta, entre otros, con Remission, Approach, Contra Todos Mis Miedos (ex Against All My Fears) y Remains To Be Seen. Pero, además, suma entre sus últimos destacados los 7 pulgadas de Invierno –emprendimiento conjunto entre miembros de Remission y el ex cantante de Approach- y “El Espíritu Intacto, La Esperanza de Pie” de los retornados Entrefuego. Pensadas en coleccionistas, las ediciones de Amendment suelen estar disponible en más de un tipo de vinilo (hay negros, transparentes y de colores), asegurando la adquisición de un objeto único, casi sagrado.

MATERIALISMO DIALÉCTICO

“Editar en vinilo es el sueño romántico de todo músico en la actualidad”, dice Lucifer, guitarrista de Voodoo Zombie, grupo cuyo debut homónimo fue lanzado como long play en Alemania por Crazy Love Records. “La ventaja que veo es lo atractivo del producto con fotos grandes y espacio en donde puedes explotar mejor la imagen de tu banda”, complementa. Para Pedropiedra, quien acaba de lanzar en vinilo su nuevo álbum, “Cripta y Vida”, el fenómeno ocurre por “motivos tácticos, románticos y empresariales. Hoy en día, un CD es casi como un artículo promocional o una tarjeta de presentación, no así el vinilo, que se cuida y se guarda como una especie de tesoro”.

Quemasucabeza, el sello que alberga a Pedropiedra, apostó por traducir su catálogo al acetato y así “Audiovisión” (2010), la aplaudida tercera entrega de Gepe, también vio la luz en esa forma. “Es mucho más fiel a algo que no estoy seguro cómo describir, pero tiene que ver con el amor al objeto, a lo físico que un disco tenía por lo menos hace algunos años y que se perdió con el tiempo. De ninguna forma es nostalgia, es sólo que el disfrute que otorga el vinilo es muy valioso, por lo tanto debe ser reivindicado”, opina el solista.

Próximamente, la discográfica lanzará la placa homónima de Caravana, proyecto de Rodrigo Santis, miembro de Congelador y fundador de la etiqueta, quien afirma que “el vinilo es el más noble de los formatos físicos. Tiene el atractivo de lo mecánico y lo eléctrico, además de una portada de gran tamaño, lo que le da solemnidad y carácter de pieza de colección. Entre tanta cosa virtual, lo análogo nos parece mágico”. En paralelo, Quemasucabeza prepara la salida de “Libre Para Regurgitar La Intemperie”, el regreso del dúo Mostro tras cinco años desde su último trabajo, “Consumido Por Pájaros”. Sus contemporáneos de Familea Miranda, afincados en España, hicieron lo propio con el álbum “Dramones” (2010) gracias a la plataforma catalana BCore (material disponible en Santiago en la tienda Bendito Deseo).

Un personaje importante en esta seguidilla de lanzamientos es Oliver Knust Restucci de Discos Río Bueno, que desde México ha asesorado la fabricación en acetato de los larga duración de Pituquitos, Gepe, Pedropiedra y Los Dolores, mientras ayuda con las venideras placas de Mostro y Caravana. Entre sus emprendimientos, destaca el recopilatorio “Trile”, esfuerzo coordinado con la etiqueta valdiviana Tue Tue, BYM Records (ver recuadro), Quemasucabeza y Algorecords. Con los últimos alistan “Tostado” (2010) de Perrosky, ahora en 12 pulgadas y a modo de co-producción, luego de que el dúo se estrenara en abril con vinilo del single ‘En La Línea’, extraído de ese mismo álbum. The Ganjas, parte del mismo clan, está presentando el recién prensado “Resistance”.

Con candidez, Knust reconoce que una de las ventajas del formato es que “se vende, no se regala, a diferencia de los CDs con los, que entre promo y amigos, terminas agotando buena parte de las copias”. Iván Molina, baterista del trío sureño Pituquitos, define haber sacado el disco “Sé Que Me Voy A Quemar” (2010) en vinilo como “darse un gusto, probar mercado y proveedores, experimentar, marcar tendencia desde la provincia y optar a la internacionalización”. Asimismo, asume la importancia del Fondart en el experimento cuando dice que llevarlo a cabo se debió, en cierta medida, a “tener las lucas”.

En la vereda opuesta, pero corroborando que los gastos son considerables, Iván Daguer cuenta que en Pasta Base “todo se ha financiado con nuestro dinero. Mandar a hacer discos sin financiamiento es bastante complicado puesto que, para nuestros estándares de vida, implica un costo elevadísimo.

Por otro lado, somos un sello independiente y no me gustaría tener un logo del gobierno o de alguna marca de jeans o cerveza impresa en nuestros elepés”. De ahí nace su política de trabajar con un stock pequeño de álbumes, mantenida en vista de que el principal ingreso de esta microempresa viene del fetichismo melómano de compradores extranjeros y no del público masivo.

“Quizás el punto negativo que tuvo la tecnología, con todos sus avances en materia de fidelidad, es que el humano se convirtió en un esclavo de ella. Y obviamente ahora para escuchar profesional o meramente bien los vinilos, hay que invertir una buena suma de dinero en parlantes, tornamesa, aguja, receiver, etcétera, etcétera”, señala Andrés Padilla de Corvus Discos. “Es todo un proceso que es mucho más complicado que hacer copy and paste y llenar de musica digital tu iPod”, complementa Daguer, para quien la importancia cultural de este aprendizaje y su posterior aplicación es “que no haya que esperar 20 años a que un gringo de paseo descubra música en Chile para que salga editada. Los vinilos serán los testimonios tangibles de nuestro patrimonio sonoro y lamentablemente, el mundo digital falló en eso”.

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RECUADRO

BYM: SE CUENTA EL MILAGRO

El sello Blow Your Mind (en adelante, BYM) opera desde 2009, pero este año comenzó a fabricar vinilos artesanalmente, luego de comprar una máquina cuyo origen y características sus miembros prefieren omitir. La adquisición les permitió dar el salto hacia una inusitada forma de independencia en Chile, la anhelada autonomía absoluta. Dado que ellos prensan su propio material, la cadena productiva (o todo lo que pasa desde la primera idea de canción hasta tener el disco en las manos) comienza y termina a puertas cerradas.

“Ya no dependemos de nadie, apenas sale un tema nuevo, podemos sacar el single con un arte rico, fabricarlo y hacer una fiesta de lanzamiento de verdad, no como ahora que se presentan los temas en mp3. Que sea igual que antes, cuando el single en vinilo era un concepto, en un lado venía la versión original y en el otro, la remezcla para las fiestas. Parecido a lo que ocurría en los comienzos del reggae en Jamaica”, dice Ignacio Rodríguez, dueño de la plataforma.

Abocado al garage y la psicodelia, BYM acumula proyectos que implican la edición de grupos de la casa (entre los que destacan “Flashbacker” de Watch Out!, “Just What Is Real” de La Hell Gang y “Jinete Galáctico” de Vuélvete Loca) y también algunos trabajos para externos (“pero todos conocidos nuestros”, aclaran). “Algunos consideran más lo-fi o charcha lo que hacemos porque es orgánico y sin tanta mano metida, pero mucha de la música que nos encanta era así y estaba en vinilo, por ahí va nuestra convicción”, aseguran.

“A mí manera de ver, es el medio donde se escucha mejor la música y es perfecto como soporte final porque establece una conexión mucho más emocional con la música en la que existe el rito de escuchar el disco entero y no saltarse los temas. Además, no se puede piratear, eso hace que se valore la obra completa. Lo que más cuesta es distribuirlo porque en las tiendas nos miran a huevo por ser chilenos y underground. Piensan siempre con codicia y cuando el norte es la plata, las cosas no funcionan”, reflexiona Rodríguez. “Muchas personas se complican con el tema de comprarse una tornamesa, porque creen que son muy caras, pero la mayoría después se gasta no sé cuánta plata en copete cuando sale a carretear”.

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FRASES

“No se clona, tiene sus fans a muerte y el formato es más digno, se escucha con compulsión, todo de pe a pa. Si hay que comercializar la música como obra de arte, es la mejor alternativa, porque no hay nada similar y tan respetuoso, el objeto vale la pena, es bello. Y lo más importante es que exige compromiso, no es sólo divertimento banal. Creo que el vinilo, como objeto, soporte, entorno y ritual, se acerca mil veces más a la verdadera experiencia del rock y la contracultura”.

Iván Molina

“Lo que mucha gente no sabe es que nunca se han dejado de fabricar vinilos. Que muchas personas hayan preferido escuchar su música en un MP3 portátil, o en su iPhone de última generación, es otra cosa”.

Andrés Padilla

Nano Stern: Es difícil hacer cosas fáciles

2012-01-07T20:14:00.000-03:00

“Las Torres de Sal” es el nuevo disco de Nano Stern, un álbum concebido con premeditación y alevosía por el cantautor, cada vez más enfrascado en honrar la tradición de los músicos que lo influenciaron.

“Con la tecnología, es fácil crear ilusiones que no tienen nada que ver con la realidad. Existe una diferencia que nadie cuestiona entre cine y teatro, que es exactamente la misma que existe entre un disco y un concierto. Un disco se asimila a una película en que, mientras más presupuesto tienes, más te pareces a Hollywood. Con una pantalla verde en el fondo, puedes hacer que pasen cosas que en realidad nunca ocurrieron. Asimismo, en la música, se crean pantallas verdes sonoras que hacen que el cantante suene afinadísimo y la banda parezca increíble. El problema es que después los ves tocando en vivo y no pasa nada”, explica Nano Stern. El nuevo disco del cantautor, “Las Torres de Sal”, fue registrado con todos los músicos tocando en tiempo real durante cinco días en la Sala Master, una medida que tomó durante la post-producción de “Los Espejos”, su anterior trabajo.

“Está grabado así por una cosa de principios, no estética. De cómo se tocó y no de cómo suena. No te voy a mentir porque obviamente hicimos un poco de edición, pero al nivel de un fotógrafo que alterna químicos en su sala oscura y no del que le borra hasta el ombligo a una modelo en Photoshop. Muchos discos tienen instrumentos a los que se les ha borrado el ombligo”, sentencia el solista. “En este disco en particular, la música nació más desde el silencio que del ruido, en ningún momento hice demos, no grabé nada antes. Grabamos tres canciones al día y listo. Quedaron varias afuera, ya veremos qué pasa con ellas. Es bonito porque, al no haber tanto trabajo de estudio artificial, de armar y probar, se produce una comunicación mucho más directa, con mucho menos pasos de conversión intermedia, entre lo que pasa adentro mío y la gente que recibe el disco. Hay un solo paso que es la grabación de todos tocando juntos”.

“Generalmente, en mis trabajos anteriores y en realidad en la mayoría de lo que se hace, se graban los demos, después se corta y pega, buscando una ilusión que se acerque lo más posible a la idea preconcebida que tiene el autor. Por eso también las texturas musicales de “Las Torres de Sal” son más simples, porque hay más espacio. Es como el título de uno de los discos de Guiso: Es difícil hacer cosas fáciles”, explica Stern. “Me pone mal que sea difícil plasmar la música en una grabación, porque la música es mucho más que sonido, de lo que cabe en un disco, sin duda. Quizás, quiero creer que al grabarlo en vivo me acerco un poco más a lo que realmente es”.

Además de adoptar una nueva metodología en el estudio, Nano Stern dejó atrás el aura críptica de “Los Espejos” para volver a mostrar el cariz de sus dos primeros álbumes, el homónimo de 2006 y “Voy y vuelvo” de 2007. Un cambio anímico fácil de notar en el regreso del cantautor a la exaltación de lo mundano y simple de la vida. “Estuve bastante enredado con mis propios caminos, mi cabeza y mi alma. No sé si fue bueno o malo, no creo que se deba someter a un juicio valórico. Al momento de grabar este disco, me encontré en un momento hacia adentro, no introspectivo, sino por la calma. De tener tranquilidad y meditar, incluso dentro de la vida ajetreada que yo llevo. Aprendí a acercarme al ojo del huracán, a estar al medio de la gran vorágine que pasa alrededor mío y desde mí, pero quedarme como un roble, tranquilo y también con alegría. Se me empezó a aclarar la película en muchos sentidos, empecé a tener más paz interior y espacios para poder vivir esa paz. Eso te lleva, de alguna manera, a ser más sensible y enfocar tu intención y energía creativa a las causas más simples. No necesitas ir a las grandes causas o recovecos del intelecto para encontrar, sino que sencillamente el nivel sensorial se vuelve trascendente”.

JUSTICIA PARA TODOS

“El nombre y el concepto de “Las Torres de Sal” tiene que ver con la narración bíblica de la mujer de Lot, que al mirar hacia atrás se convierte en estatua de sal. Hay un diálogo entre las temporalidades (el pasado, el presente y el futuro) dentro de esa historia, porque ellos iban escapando de su pasado, yendo hacia un futuro y en un momento del presente ella decide mirar hacia atrás y ese presente fue inmortalizado, cristalizado para siempre. A mí me pasa que, en el viajar constante, cuando miro en los recuerdos, se cristalizan cosas que van saliendo, también como estatuas de sal. Son pequeñas instantáneas, fotos de paisajes. Todo tiene una cosa un poco surrealista. Es bonito cristalizar momentos que realmente sucedieron”, explica Stern.

Evidentemente autobiográfico, el nuevo disco del cantautor es un mapa de las historias que ha acumulado en su vida, marcada por largas estadías en el extranjero y su paso por festivales europeos de folk, que le han enseñado a desmarcarse de las enseñanzas de la academia. “Yo fui casi cuatro años a la universidad, todo lo que me enseñaron ahora lo quiero olvidar”, versa la letra de ‘Cuatro Vientos’, el tema inaugural del álbum, mientras un cello ejecuta un fragmento de la Sonata para Cello de Bach. “No ataco a la música docta, sino que voy en contra de la enseñanza tan rígida, que vale callampa y no tiene nada que ver con la música en sí y hasta acaba matando su belleza. Muchos jóvenes que entran con energía a la escuela terminan mal por el resto de su vida. También escucho poca música mainstream. No es que no me guste, pero me aburre un poco lo que está amarrado a los códigos del pop. El concepto de world music es tan arrogante por parte de la industria musical anglo, que sólo piensa en rock, pop y después en ‘todo lo demás’”.

Y si de hacer justicia se trata, la participación de Antonio Restucci, Francisco Sazo de Congreso y Joe Vasconcellos en “Las Torres de Sal” es el reconocimiento de Nano Stern a la influencia de estos músicos en su carrera. “Admiro la honestidad de sus carreras. Me atrevería a decir que Antonio Restucci es el mejor guitarrista de este país y Pancho Sazo es la voz de único grupo en Chile que ha logrado permanecer de esa forma. La situación de Los Jaivas es paupérrima, Inti Illimani está dividido en dos, Quilapayún también y con Illapu no pasa mucho. Pero Congreso siguen lanzando discazos, como el último que lanzaron, tienen cerca de 60 años y todavía sacan álbumes con pelotas. Y la conciencia popular es injusta con el Joe, creen que sólo es ‘Las seis’ y él tiene una trayectoria musical impresionante.

“Escucho mucha música. Últimamente he viajado un poco menos, hace un año que tengo casa, entonces desde hace un tiempo que tengo mi equipo y puedo darme el lujo de volver a revisar discos, lo hago por lo menos un par de veces a la semana. Es como ir al colegio. Tenía muchos guardados del tiempo de la universidad, como estudié Música y Composición, estaba rodeado de un input súper diferente y he ido acumulando cedés en festivales alrededor del mundo”, cuenta Stern. Sus palabras son a propósito de “Las Torres de Sal”, cuya presentación en formato físico muestra un especial esmero en el objeto. “Tiene trece carátulas distintas, una por tema, que las hizo Camilo Huinca. El eje de eso fue la poesía, porque no tenía demos ni nada para empezar a trabajar, así que le pasé las letras. Esperamos poder exponer esos cuadros eventualmente, como un complemento a las canciones, pero también como obras individuales”.

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RECUADRO

PREMEDITACIÓN Y ALEVOSÍA

“Este disco recoge dos momentos y tiene dos partes, claramente. Una que viene desde la pasión y otra que viene desde el desapego. Hay canciones muy descriptivas. Si te fijas, la letra del último tema tiene doce versos que hablan sobre las doce canciones anteriores, bajo la óptica de la impermanencia. Dice, por ejemplo, ‘tras cuatro estaciones, el comienzo nace del final’. Además de esas dos mitades, también tiene cuatro partes que hacen referencia a los cuatro elementos. Comienza con el aire (‘Cuatro Vientos’), la Violeta que vuela como un pajarito (‘Violeta’). Después pasa a la tierra, primero a través de la flor (‘La Flor del Cactus’), que es un nexo entre el aire, la tierra, el cactus y llega al desierto (‘Las Torres de Sal’). Se mantiene la tierra en la canción de la felicidad (‘La Felicidad’) que dice ‘basta con estas cosas’, después llega el flujo del agua (‘El Río de los Tiempos’, ‘La esperanza), toda esta cosa que no sabes dónde se dirige y vas volando (‘Voy volando’) hasta que empieza a arder. Y llega el fuego, el elemento de rabia (‘La Llama de la Impotencia’, ‘La Raíz’), canciones que queman con urgencia, rabia y pasión. Finalmente todo empieza a transformarse de nuevo, a través del agua (‘Naufragar’), hacia el aire (‘Lágrimas de Oro y Plata’), con el último tema (‘El Comienzo’) que reúne a los demás hablando de ellos y todo lo dice desde otro lugar, lo relativiza. Dice ‘mueren las violetas, sus semillas cruzarán el mar’. Esa cosa hermosa muere, pero continúa. ‘Los desiertos se cubren con flores que después se van’, es una pasión terrible, pero pasa, como todo. Continúa con varias imágenes más, como que ‘los espíritus caminan entre las torres de sal’ o ‘duermen lado a lado la tristeza y la felicidad’. Es una razón muy budista, aceptar que la impermanencia es lo único permanente y estar en buena con eso”.

Caravana: Sentimientos básicos

2012-01-07T20:13:00.002-03:00

Rodrigo Santis presenta Caravana, su nuevo proyecto, y nos habla sobre la ruta que va desde el ruido hasta la nobleza de lo acústico. Por ese camino transita el líder de los históricos Congelador.

Hay muchas maneras de referirse a Caravana y su disco homónimo, y todas tienen un poco de verdad. Está bien decir que es el tercer álbum de Rodrigo Santis, el vocalista del grupo Congelador, fuera de la banda. Aunque también tiene sabor a debut, porque el músico lo firmó con un nuevo alias, luego de usar su nombre de pila en “Campos de hielo” (1999) y el seudónimo Paranormal para una placa de mismo nombre en 2001. De hecho, el único miembro estable de Caravana es Santis, pero no es un experimento cien por ciento solista. El músico explica que, pese a ser el principal artífice del proyecto y sus canciones, no se imagina sobre un escenario tocando estos temas completamente solo.

También es acertado afirmar que “Caravana”, el disco, es una suerte de selección all-stars de la escena independiente santiaguina. Partiendo por su protagonista, el líder de Congelador, una de las bandas esenciales de Chile a fines de los ’90, cultores del post-rock y uno de los primeros en olfatear que la excepción se convertiría en norma; antes de que los sellos grandes abandonaran a los músicos locales y autogestionarse dejara de ser una opción marginal para transformarse en la única forma de existir. Gran parte de los instrumentos fueron grabados por él, pero además están presentes Gepe (coros y batería), Fernando Milagros (coros) y Pedropiedra (bajo).

Junto a ellos, la cellista Felicia Morales y la pianista Gretchen Schadebrodt completan el elenco que da vida a las diez acústicas canciones que forman el álbum de Caravana. “Tenía la idea de armar un grupo, pero se fue derivando en que lo controlaba yo. Es solista, aunque con expectativas de que funcione como banda, porque no lo quiero centrado en mi persona”, asegura Rodrigo Santis. “Algunos temas tienen un buen rato, sentí que era momento de armar algo más. Siempre he tenido, por lo menos un proyecto paralelo vigente con temas en guitarra de palo, Ahora sentí que era el minuto para mostrarlo”.

“Ahora con Caravana me preocupé de que las cosas que digo tengan un sentido más concreto, no como en Congelador, donde lo que importaba era la musicalidad de las palabras, aunque fueran abstractas. El disco apela a cosas genuinas y sencillas, así que también intenté hacer letras que fueran simples; no tontas, aunque sí que estuvieran al límite. También está relacionado con mi etapa personal, con ser padre y empezar a expresarte, sin planearlo, de una manera más universal. Yo no me considero tampoco una persona tan profunda o compleja, me gustan los sentimientos básicos”, cuenta el músico.

Durante el mes de abril, “Caravana” estuvo como descarga gratuita en el sitio del sello Quemasucabeza, con muy buenos resultados, a la espera de su edición en vinilo. “Fue como sacar la cancha vip y que los más interesados llegaran antes para ver desde más cerca”, asegura Santis. Por ahora, el cantautor muestra su faceta más reposada en este nuevo emprendimiento, aunque con una advertencia: “he hablado con los Congelador y queremos volver a rockear. Vamos a juntarnos el segundo semestre para grabar un disco que lanzaremos en marzo del próximo año. A veces pienso que uno se pone más viejo y, por ende, más tranquilo. Es cierto que el ruido es cansador, pero a mí me encanta”.

Pasto: Contradicción vital

2012-01-07T20:11:00.000-03:00

El grupo es Pasto, su debut se llama “Almendral” y el primer single lleva por título ‘El Cuatrero’. Por supuesto que no son de Santiago, sino de Los Andes, lugar que miran con ojo crítico, aunque lo prefieren a ojos cerrados por sobre la capital.

A mediados de la década pasada, Pasto grabó su primer demo. Fue en la comuna de Catemu. Específicamente, en un lugar que pocos imaginan ligado al rock: el estudio de Alex Cítrico, acordeonista del conjunto tropical La Noche. “La única mano era ésa, ahí en la cuna de la cumbia”, explican. Entre ese registro y “Almendral”, su reciente debut en larga duración, producido por Felipe Cadenasso (Matorral), los cambios han ido y venido en la cronología de esta banda nacida en Los Andes.

Pero, si hay algo que se ha mantenido (y alimentado con el paso de los años), es la contradicción vital que afecta al grupo porque, al igual que un adolescente, Pasto quiere ser único, distinto a todo lo demás. Y sin embargo, también desea encajar, pertenecer.

Cuando empezamos, en Santiago estaba la onda Algo Records, bien cool. En San Felipe, en cambio, todavía el metal y el grunge existían de una forma súper potente, igual que ahora –dicen-. Nosotros, para afiatar la banda, sacábamos covers de Los Iracundos y Salvatore Adamo. Nada que ver con el resto.

Una vez en la capital, en 2005 y siempre como visita, Pasto completaron “Amateur EP” asesorados por Algo Records y se lanzaron a compartir escenario con Ramires!, Guiso y otros ilustres de la época. También hicieron buenas migas con Los Coléricos y Bellyco, pero sobre todo con Matorral. Todo el avance quedó en nada cuando los dejó su baterista y no encontraron un reemplazante. “No hay mucha gente que toque en Los Andes o San Felipe y no queríamos codearnos con los que hacen metal y grunge”, afirman, “en su mayoría, son personas que no escuchan música, que están pegadas”.

Hubo una laguna de tiempo grande ahí, nos dejamos de juntar y estábamos chatos porque todo nos salía mal -recuerdan-. Pero, al final, si haces canciones y no las tocas, tampoco tiene sentido. Estuvimos dos años parados y volvimos el 2010 con un show en la SCD junto a Protistas. Es que el grupo siempre va a tener una razón de ser mientras las ganas pesen más que el desgaste.

Retomado el contacto con Cadenasso, ahora en el rol de productor, Pasto dio forma a su álbum debut en otro lugar con historia: la casa que Matorral tenía como centro de operaciones y que se quemó el verano pasado. El infortunio demoró la salida de “Almendral”, que finalmente vio la luz hace poco más de un mes, por descarga libre vía pastonline.cl.

De problemas sabe esta banda, que trabaja de forma inusual. “A Santiago sólo venimos para tocar, no tenemos el roce que da el circuito, así que por ese lado no tenemos mucho apoyo”, continúan, “pero no nos gusta el estilo de vida capitalino como para venirnos”.

Admiramos a los grupos como The Ganjas, que suenan súper internacionales, pero nunca seremos así –sentencian-. Somos de regiones, tenemos cultura AM de canciones cebolla y también de hits de los ’80. Tenemos un filtro que pretende darle tintes populares a lo que escuchamos, que va desde rancheras hasta Joy Division, desde Los Diablos Azules hasta The Smiths. Para nosotros, John Lennon y Bob Marley están a la misma altura de Rafael y Eduardo Franco.

Nano Stern - Las torres de sal

2012-01-07T20:10:00.001-03:00

El preludio de las suites para cello de Johann Sebastian Bach, una de las piezas doctas más famosas de la historia, hace una aparición fantasmal en ‘Cuatro Vientos’ (el tema que abre “Las Torres de Sal”), justo cuando Nano Stern cuenta que “yo fui casi cuatro a la universidad, todo lo que me enseñaron ahora trato de olvidar”. Dicen que la única forma de acabar con la cátedra es conociendo a fondo su estructura y el cantautor, que prefirió viajar por el mundo en vez de quedarse en las aulas, ha hecho de la praxis su principal formación teórica.

Este disco es el cuarto en estudio del solista, pero viene precedido por dos registros en vivo (el DVD “En Casa” y el álbum “Live In Concert”) y tiene más que ver con esos trabajos que con el renegrido “Los Espejos” (2009). De hecho, fue grabado a la antigua en Sala Master: todos los músicos de una sola vez, sin mucha post producción, dejando que los instrumentos entren a cada micrófono para sonar lo más amplio y orgánico posible. Cualidad apreciable en la –literalmente- inmensa batería de ‘La Raíz’ o en la nobleza acústica de ‘La Felicidad’.

Trabajar así no es el único gusto que se da Nano Stern en su nuevo álbum. Hacia el final de la placa hay apariciones consecutivas de las dos voces de los imprescindibles Congreso: Pancho Sazo en ‘Naufragar’ y Joe Vasconcellos en ‘Lágrimas de Oro y Plata’ (que toma prestado el inicio de ‘Hijo del Sol Luminoso’). En todo caso, el lujo más grande del que puede jactarse el cantautor es exprimir el momento y con igual vigor expresar alegría (‘Décimas a la Viola’), tristeza (‘Flor de Cactus’) y tranquilidad (‘El Comienzo’). Está bien vivir para contarlo, pero vivir para cantarlo es mucho mejor.

Indheo - Rendirse jamás

2012-01-07T20:08:00.000-03:00

Indheo presenta su segundo disco, “Necesidad”, el nuevo capítulo de una historia que debería ser contada más seguido.

Dicen que la prueba de fuego para un grupo es sobrevivir al segundo disco. Otros dicen que es mentira, porque las secuelas vienen con la energía del primer impulso y en realidad el tercer álbum es el consagratorio de una carrera. Pero estamos en Chile, un país cuya escena rockera tiene una altísima tasa de trayectorias inconclusas, con bandas que se disuelven tras debutar y sólo alcanzan a dejar un elepé para la posteridad, antes de pasar al olvido en el común de los casos. Se disuelven por sí o por no: cuando les va mal, apelan a malos resultados; cuando les va bien, son incapaces de soportar la carga que implica profesionalizarse. Triste, pero cierto.

Por eso, hablar sobre Indheo es necesario y ejemplificador. El quinteto está presentando su segundo disco, “Necesidad”, lanzado en 2010 y difundido mediante el single ‘Coma’, cuya letra (como todo el resto del álbum) está dedicada a la memoria del guitarrista Ariel Espinoza. “Sé que estás aquí y no encuentras la manera de regresar, toma aliento y despierta”, le cantan sus amigos a uno de los fundadores del conjunto, fallecido poco después de finalizar la grabación de la placa debut, “Incomprensible”.

“Murió en la entrada de su casa a los 24 años, por culpa de un infarto. Tenía listo el amplificador y la guitarra en la puerta porque estábamos a punto de juntarnos a ensayar. Era una imagen dantesca”, recuerda el batero Felipe Chirinos. De ahí en más, sus compañeros decidieron tributar la imagen del malogrado músico tocando sin parar, donde fuera que los invitaran, y editando aquella ópera prima en 2007. Cuatro años después, con la misma entereza, la banda está de vuelta en forma y ya piensa en el futuro.

“El nombre Indheo es una sigla que tiene un significado secreto. Los títulos de los discos van siguiendo cada letra, desde la I hasta la O, en la medida en que van saliendo. Ya sabemos las temáticas de los próximos. Incluso hay un álbum de covers de mujeres, ésa es la idea. Fue al revés de lo normal. Con otros músicos con los que conversamos esto, terminamos discutiendo porque nos dicen que estamos encasillándonos antes de hacer algo sin saber qué pasará, pero nosotros ni siquiera nos cuestionamos eso. Somos medio cuadrados, tal vez, pero funciona bien. Nos planteamos desde el principio lo que queríamos, así que da lo mismo si nos pescan o no, o cómo nos vaya. Incluso quiénes estemos en la banda. Es un compromiso que adquirimos a raíz de lo que nos pasó con Ariel, porque esto no puede parar”, sentencian.

“Queremos aplicar nuestro modelo de trabajo a bandas más chicas, armar una productora o un sello, con nosotros como primeros conejillos de Indias. Lo que sabemos nos ha costado un mundo aprenderlo y queremos compartirlo con otros grupos. Somos totalmente autogestionados y autoproducidos, sólo recurrimos a gente especializada para ciertos asuntos, como el diseño o los videos”, revelan. Indheo aprendió, de la manera más dura, unas de las lecciones básicas que un músico chileno debe conocer: no se puede tener el pecho frío y ser rockero al mismo tiempo. “La consigna es seguir, aunque estemos muriéndonos, con cien hijos o sin los brazos. Llegamos a un punto sin retorno. Cuando se acaben las letras del nombre, lo cambiaremos o lo alargaremos”.

Indheo - Necesidad

2012-01-07T20:07:00.000-03:00

Perder a un amigo debe ser una de las circunstancias más dolorosas de la vida. Ahora, si es por culpa de una muerte inoportuna, el efecto se agrava hasta niveles insospechados, desencadenando todo tipo de pensamientos sobre la fragilidad de la existencia y lo que ocurre después del paso terrenal. Indheo es una banda chilena que cree en el espíritu como un ente autónomo, desprendido del cuerpo, imperecedero. La biografía del grupo y sus canciones claman a gritos que este quinteto santiaguino existe por su propia cuenta, independiente de quienes lo compongan de momento, de los que se van y de los que llegan.

El guitarrista Ariel Espinoza tuvo que partir, contra su voluntad, de este proyecto.

Falleció en la puerta de su casa, listo y dispuesto para salir a ensayar con sus compañeros, en el ocaso del año 2006. "Incomprensible", el primer álbum de Indheo, fue editado en la temporada siguiente y titulado en honor a la palabra que mejor definía la partida del músico, según los integrantes del conjunto. Luego de enfrentar varios problemas -que hasta ahora han impedido la debida promoción del disco-, apareció este segundo trabajo, llamado "Necesidad".

Hablar sobre este elepé es un ejercicio que, de preferencia, debe tener en cuenta lo recién narrado para desarrollar un contexto adecuado de las canciones que lo componen. Cada una de ellas está basada en Espinoza o dirigida a él, tanto a su recuerdo como a la presencia que sus colegas y amigos sienten hasta el día de hoy, una energía de compleja descripción con otra palabra que no sea espíritu y que ellos atribuyen a su persona. Nos encontramos, entonces, con una obra de origen doloroso, ejecutada con inusitada pasión (aquélla que sólo se transmite cuando es auténtica) y a rostro descubierto, sin caretas. Más real que lo real.

La mera sobrevivencia de Indheo, como empalme, a la muerte de uno de sus fundadores y la posterior continuidad dada a su trabajo hacen de la banda un asunto de respeto. Como en la escena de la película “V de Venganza”, cuando V (el enmascarado protagonista) afirma que las ideas son a prueba de balas, el grupo se sobrepuso a la pérdida pese a estar malherido en su núcleo. Un proyecto musical mermado jamás podría componer algo tan redondo como, por ejemplo, el descollante single ‘Coma’, tema encargado de abrir los fuegos del álbum.

“Sé que estás aquí y no encuentras la manera de regresar / toma aliento y despierta”, canta el vocalista Marcelo Planas, en una interpretación de alto octanaje emotivo que repite después “y los días morirán / al final, regresarás”. Queda instaurado en ese primer momento, entonces, el idioma hablado por el quinteto; sincretismo de variadas cepas del rock alternativo (proclive al post grunge, si se busca rotular con cierto nivel de prudencia) y el tono voluble de letras a escala humana, que exploran afectos quebrados.

Más que un disco sobre la muerte, “Necesidad” nace a propósito de ella, desde el recuerdo de Ariel Espinoza y hacia la reflexión de asuntos anexos a su pérdida, sin caer en esoterismos innecesarios, gracias a una entrañable tosquedad. Tal coherencia posibilita que convivan entre sí la irascible canción que da nombre al elepé (equivalente a un corte recién hecho que emana sangre), ‘Siento Tu Voz’ (la herida seca, pero aún en carne viva) y ‘Huellas’ (la nueva cicatriz en la piel). Momentos que se favorecen de una producción certera, concentrada en la alta fidelidad del registro y carente de aspavientos, a cargo de Jorge Chirinos, bajista de la banda.

Indheo otorga a las guitarras el rol protagónico para acentuar la magnitud de la situación: el siempre importante segundo disco, que además es el primero del grupo sin su fallecido fundador en cuerpo presente. Carencia terrenal que propicia un permanente diálogo entre dimensiones de la existencia conocidas y otras por conocer, causado por la convicción de la banda en que el espíritu de su ex miembro los acompaña y en que el proyecto que integran posee, a su vez, alma propia. Dos certezas que alcanzan para salir a flote en un mar de incertidumbre.

Simon Reynolds - Después del rock (Sicodelia, postpunk, electrónica y otras revoluciones inconclusas)

2012-01-07T20:02:00.000-03:00

Es limitado el espacio que la memoria colectiva reserva para los periodistas musicales. Más bien nulo, en términos de fama real. Unos pocos, como John Peel o Lester Bangs, gozan de reconocimiento en ciertos sectores, usualmente más iniciados de lo común. Por eso es comprensible que el nombre de Simon Reynolds no provoque, en la mayoría de los casos, inmediata empatía. Sin embargo, esta pluma inglesa es una de las más insignes de los últimos 20 años, cuando se trata de conceptualizar en palabras lo que ha pasado con la música popular, y sus ideas han ayudado a varias camadas de redactores a pensar dos veces antes de escribir sobre una banda, un disco o una canción.

“Después del rock” es una antología de textos de Simon Reynolds, que busca funcionar como una introducción a la línea de pensamiento del crítico, cuya firma ha sido estampada en medios como la extinta revista londinense Melody Maker, además de The Guardian, Rolling Stone, Mojo y Uncut, entre varios otros. El libro es, además, la primera edición en español del periodista. Un trabajo realizado en Argentina por Pablo Schanton, discípulo de Reynolds, quien seleccionó el material que se publicó en esta recopilación y además escribió el prólogo y la entrevista al propio autor que está incluida como un anexo a las excelentes traducciones que presenta este compendio de inmensa utilidad. No sólo para profesionales del ámbito, sino para cualquier persona relativamente interesada en escapar de las nociones convencionales que nos presentan sobre música.

Bajo la lógica de Reynolds, provista de un arsenal impresionante de referencias, Madonna deja de ser ese personaje vanguardista y atrevido que toda la prensa nos vende (sin jamás cuestionarlo) y se transforma en una astuta emuladora de la moda gay, que replica su estética y la populariza. El punk, según el crítico, no propone revolución alguna en la historia del rock, sino que el verdadero aporte radica en lo que vino después: el post-punk de Joy Division o The Fall, que fue más que una mera reforma. En esa línea de razonamiento, el periodista inglés acuñó el término post-rock, para referirse a lo que sucede cuando las herramientas del rock no están al servicio del rock, sino al de otras búsquedas sonoras. Siempre intentando que los cimientos de la oficialidad tiemblen, Reynolds hace que Tim Buckley sea más importante que Bob Dylan en su análisis, en una postura que hoy repite prefiriendo Vampire Weekend antes que Arcade Fire.

Como la lectura aleccionadora que es, “Después del rock” demanda tiempo y esmero en su digestión, que puede verse un poco dificultada por la –a veces abrumadora- cantidad de información que el autor maneja. Cuando Simon Reynolds habla de música, no sólo reflexiona sobre ella, sino que pasea con extrema lucidez por otras corrientes del saber (como filosofía, política y economía), aunque siempre para demostrar un punto nacido del análisis musical. En una meticulosa disección, por ejemplo, el periodista concluye que el hip-hop es un “reflejo hiperbólico del sistema capitalismo/patriarcado”, en el ensayo llamado “Hip Hop”, donde toma a Public Enemy como objeto de estudio y descarta los mitos sobre la banda, incluso acercando sus ideales al de una célula fascista.

Simon Reynolds omite varios de los elementos que configuran al clásico escritor de rock, para redactar textos desapegados de las convenciones generales. Su pluma no está contaminada por los conteos que aplauden siempre a los mismos álbumes y grupos, ni por la mansedumbre ante los tótems erigidos por los historiadores de la música popular. Incluso se olvida del protocolo y sospecha de sus propias capacidades, por culpa de su edad, cuando duda sobre la aparición de una banda verdaderamente esencial en los últimos años. A todas luces, un disidente de excepción, capaz de abrir el pasadizo secreto hacia otra forma de pensar y ser un vínculo a otros autores y discos iluminadores. Para melómanos expertos y no tanto, “Después del rock” es la clase de semilla desde la que brotan las preguntas y respuestas más sensatas del diálogo infinito entre una persona y la música que escucha.

Diego Álvarez: Sacar la voz

2012-01-07T20:01:00.001-03:00

“Humo Blanco”, el primer disco en solitario de Diego Álvarez, guitarrista de Mecánica Popular y Manuel García, estuvo en la incubadora por más de dos años. Pero ahora es cuando.

Diego Álvarez ha estado siempre a la sombra de Manuel García, primero en su época juntos en Mecánica Popular, y después como miembro de la banda de apoyo del cantante. Ahora, el guitarrista se apropia del micrófono en “Humo Blanco”, el primer experimento solista que edita, bajo el alero del Sello Azul en el marco de los múltiples lanzamientos simultáneos que la etiqueta de la SCD está presentando.

-Sacar la voz fue un parto –confiesa-. De hecho, todavía es algo que está ahí definiéndose. Para mí, grabar un disco es como sacar una foto a la antigua, o sea que cuando ya la tomaste, quedó ahí y no puedes cambiar nada más. Independiente de cómo saliera, sentía que tenía que hacerlo sí o sí. Ahora lo escucho y sé que tengo que desarrollar y perfeccionar cosas, sobre todo un personaje. No ha sido tan fácil como llegar y cantar.

Álvarez registró “Humo Blanco” en 2009, convencido de que su momento había llegado, pero no fue sino hasta la convocatoria de este año del Sello Azul que logró lanzar el álbum. Él mismo reconoce que, pese al bagaje acumulado tocando desde que era un quinceañero, había muchos aspectos en los que era como cualquier novato. “En el sello tuvimos talleres de puesta en escena, hubo un apoyo fuerte, nos enseñaron a presentarnos y a manejar una audiencia”, continúa, “recibimos orientación hasta en temas como el vestuario o la disposición de los músicos en un escenario”.

-En mi disco me dio lo mismo sonar parecido o no a Mecánica Popular –asegura el músico-. De hecho, ‘Bordados’ (el primer single, junto a Manuel García) y ‘Hombre en el desierto’ fueron concebidas pensando en un cuarto álbum del grupo, tal como pasó con ‘Reloj’ (canción de la última placa de García, “S/T”). Las versiones que hago yo son súper parecidas a las que teníamos con la banda, no hubo reparos ni cautela, todo lo contrario. Quiero proyectar lo que Mecánica Popular me proporcionó como formación musical.

“Me vine muy chico a Chile, pero nací en Argentina y la sangre tira”, explica Álvarez, consultado sobre la clara influencia del rock trasandino en su propuesta. “Los discos tienen parentescos y el abuelo de “Humo Blanco” es Spinetta, así como Aznar también es de la familia. Y por supuesto que hay de los Beatles, en especial, de Harrison, porque me formé con ellos musicalmente”, detalla, “pero además puse atención en las sonoridades y en la creación de atmósferas, tipo Radiohead, y también hay un poco de Porcupine Tree”.

Si te fijas en la portada de “Humo Blanco”, al lado mío hay un maniquí tumbado y con audífonos puestos, conectados a mi guitarra –describe-. De su cabeza, que está abierta, sale luz. Me interesaba tener un personaje inerte siendo iluminado por la música. Es una metáfora sobre la inercia en la que uno tiene el riesgo de caer. Yo tengo un trabajo de medio tiempo, en una empresa de contabilidad, y ahí veo ese sonambulismo, que te atrapa sin que te des cuenta, a través de la rutina, de la tele. Creo que las canciones son una herramienta increíble para hacer catarsis. Por eso quería registrar a toda costa lo que estaba haciendo. Uno nunca sabe lo que puede despertar en otra persona.

Signuz: Experiencia límite

2012-01-07T20:00:00.003-03:00

Después de un improvisado primer disco y de foguearse tocando en vivo, Signuz ya sabe cuál será la columna vertebral de su nuevo álbum: todas las canciones estarán basadas en hechos reales.

Rock sensual. Ése fue el término acuñado por Signuz, al momento de abordar la tediosa empresa de autodefinirse de alguna manera, cuando editaron su debut, un disco sugerentemente bautizado “Deseo, Seducción y Miel”. Hoy, mientras la banda prepara un nuevo álbum (de título tentativo “Dame Más”), también busca enriquecer el significado de su propio subgénero musical. Es que la sensualidad de la que habla este trío, nacido y radicado por convicción en Valparaíso, se refiere más a las amplias posibilidades de lo sensorial que a la inmediata lectura lasciva de la palabra. Cinco sentidos en vez de sólo uno.

‘Sin control sobre mi cuerpo’, el primer adelanto del venidero material (disponible gratis en signuz.com), explora en latitudes antes imprevistas para el grupo. “Relata una experiencia real, donde el protagonista (Alamiro Arias, vocalista) enfrenta una situación al borde de la muerte, pues sufre una meningoencefalitis viral que lo deja en un estado donde pierde, como dice el título, el control de su cuerpo. Entonces la letra trata todo lo relativo a eso, a perder el dominio cuando menos se espera, a la desesperación que ello significa”, continúan, “es ahí donde la relación entre lo visceral y nuestra música se vuelve más estrecha, pues se trata de eso precisamente, de una experiencia corporal contada a través de la música”.

Todas las canciones del nuevo disco están basadas en hechos reales -cuentan-. Con respecto a lo musical, finalmente logramos encontrar la identidad de la banda, siendo sinceros al momento de componer los temas, introduciendo además nuevos sonidos y no limitándonos en nada. El álbum anterior fue una recopilación de canciones tomadas desde nuestros inicios y que poca relación guardaban entre si, porque no teníamos la intención de concretarlas.

En palabras de Signuz, la idea es llevar a la gente a una experiencia límite. “Nos referimos a la reacción que esperamos ver en las personas que nos escuchan. Si bien las letras y temáticas de nuestras canciones pueden ser parecidas a las de otras bandas en ciertos aspectos, lo que hacemos siempre está jugando con el límite de las sensaciones, de los sentidos, llevando a una experiencia de clímax, estimulante y orgásmica en algunos puntos. En definitiva, intentamos intensificar aquello que de por sí logra la música, llevándolo un poco más allá”, afirman.

-En “Deseo, Seducción y Miel” hay un cover de ‘Los Momentos’ de Eduardo Gatti y ahora preparan una versión de ‘Amores Incompletos’ de Los Tres. ¿Cuál es su conexión con el imaginario de la música popular chilena?

-La vemos como a una gran familia. Por eso hacemos estos covers, que sin querer se están transformado una tradición, son canciones que están en el ADN de los chilenos. Se ve claramente cuando las tocamos en vivo porque todos se saben las letras. Así rendimos culto a nuestros artistas, los revaloramos y potenciamos lo nacional.

-¿Cuándo aparecerá “Dame Más”?

-Esperamos que esté disponible a comienzos del 2012, para que así la gente tenga un año para disfrutarlo antes del fin del mundo.

Tomates Rocky: Rock jugoso y sicodelia de supermercado

2012-01-07T19:59:00.000-03:00

El grupo nacional Tomates Rocky debuta para recordarnos que no todo debe ser tan serio y que, en cualquier momento, los transgénicos podrían llegar a invadir el planeta.

Nada es muy convencional en la historia de Tomates Rocky, banda santiaguina integrada por cinco amigos y que acaba de lanzar su primer disco. Titulado “De Malloco a su mesa”, el álbum está disponible para descarga libre en el sitio de Armatoste Brazo Discográfico, netlabel chileno estrenado recientemente. En el sello, este quinteto de apetitoso nombre convive con otros nueve grupos jóvenes, como The Suicide Bitches (los teloneros de Stone Temple Pilots en Chile) o Las Madres. Pero, a decir verdad, el debutante conjunto ofrece la propuesta más distintiva de la compañía, cuyo catálogo muestra otra clase de coherencia –y seriedad- estética y musical.

“Nacimos en un contexto de no tomarse mucho la cosa en serio, pero con una cuota de disciplina por el gusto de pasarlo bien, querer tocar y tocar, y echar la talla”, cuenta Nicolás Bowen, teclista y cantante de Tomates Rocky. Una aclaración que debe ser hecha de entrada, porque la banda usa el sentido del humor como su bandera de lucha, siguiendo –aunque no de forma literal- una postura semi cómica similar a la de rockeros criollos como Florcita Motuda, Sexual Democracia, Mauricio Redolés o Chancho en Piedra. Eso sí, para el grupo, su impronta tiene un nombre: sicodelia de supermercado.

Desde la familia de tomates invasores del espacio (y como si fuera poco, transgénicos y antropófagos) de su portada, “De Malloco a su mesa” sirve para exprimir el jugoso imaginario del quinteto, cuya vida está ligada a la herencia de dos teclistas. “Usamos un Casio común y corriente, pero llevando a su máxima expresión el sonido sintético que trata de emular un Hammond, como el de Ray Manzarek”, explica Bowen, quien reconoce que su fanatismo por The Doors dio pie a la formación del conjunto. He ahí la sicodelia. ¿Y el supermercado? “Nuestro gran referente es el maestro Rolando Urbina, un tecladista que se instalaba a tocar con un Hammond en las afueras del supermercado, una experiencia común de nuestras infancias. Luego de un tiempo de estar inventando canciones, nos dimos cuenta de que nuestro Casio tenía algo muy similar a lo que interpretaba aquel señor”.

Otras influencia que el grupo reconoce abiertamente es la de las antiguas canciones de los programas Sábado Gigante y Martes 13, canalizada en el gusto compartido por íconos más convencionales como Led Zeppelin, Pink Floyd o King Crimson. “No queremos hacer nada de forma elaborada, al contrario. Nuestro enfoque está en pasarlo bien y hacer que las canciones fluyan de forma natural”, afirma Nicolás Bowen. Algo que se nota en sus temas; por ejemplo, la letra de ‘Vo vela’ (que es la descripción de las cajetillas de cigarros) o ‘Martes’, donde invitan al rapero Tobito a rimar. Lo que podría sonar descabellado, a Tomates Rocky le parece lógico. “La música tiene muchas vertientes y hay que saber utilizarlas para lograr diferentes resultados”.

Libra - Entre ángeles y demonios

2012-01-07T19:56:00.000-03:00

La clásica frase con la que Libra titula su tercer álbum, el sucesor de “Vol II: El Efecto” (2007), resume la evolución que el grupo ha experimentado desde sus inicios como parte de la escena aggro de Santiago. Hoy convertida en trío, tras haber sido quinteto y luego cuarteto, la banda se entrega a la búsqueda exhaustiva de una impronta que le permita mantener el filo rockero, pero también dedicarse a fraguar canciones que comuniquen el interés del conjunto en un sonido más elaborado y cada vez menos áspero. Eso es “Entre Ángeles y Demonios”.

Aunque el nombre de este disco también podría referirse a la mezcla de colaboradores que convive en sus créditos. El contrabajista jazzero Rodrigo Galarce aporta en algunos pasajes, mientras la solista pop Daniela Aleuy contribuye con su voz y el bajista Ra Díaz (un ángel y demonio en sí mismo, que ha conjugado proyectos pop y rock durante su carrera) agrega lo suyo, entre otros músicos que figuran como invitados a la placa.

Libra camina con paso firme sobre la cuerda floja a la que –voluntariosamente- se subió al resolver que ninguna etiqueta podría encapsular su apuesta. Al menos, no fácilmente. Es tanto el ímpetu de la banda por mostrarse multifacética, que “Entre Ángeles y Demonios” hace caso de la norma impuesta por la cultura de la inmediatez y se desarrolla durante cerca de 70 minutos, a través de 16 pistas. Según la interpretación, un error o un acto de valentía, en tiempos en que la celeridad es ley.

Destaca especialmente la repetición de la primera persona plural (nosotros) y de las referencias a un entorno hostil en los coros mejor logrados del álbum: “somos dos / avanzando en este mundo / tan interno, tan profundo / permanente”, dicen en ‘Somos Dos’ y “buscaremos otro mundo / donde no haya nada que perder”, en ‘Todo El Poder’. Si la intención de Libra es empatizar con el oyente, el grupo lo consigue sin titubear y debería seguir probando suerte en esas lides, alerta a la posibilidad de que sus canciones se conviertan en testimonio de esta época convulsionada.

Durante “Entre Ángeles y Demonios”, el trío de Jaime Fernández (voz), César Ascencio (guitarra y sintetizadores) y Cristóbal Orozco (batería) despliega todos los argumentos que lo han convertido en uno de los nombres más atractivos del panorama rockero en Chile: música, imagen, aura y apetito de masividad suficientes para que la banda siga pavimentando su bien ganado prestigio como objeto exportable.

Tejado Pimiento - Sensación de verdad

2012-01-07T19:50:00.000-03:00

La hoja de vida de Tejado Pimiento está marcada por Garage Music,
concurso televisivo emitido por Canal 13 y ganado por esta banda en
2008, antes de que los programas de talento sólo buscaran dobles. Para
cualquiera que note los vicios de la industria del entretenimiento, un
grupo con tales antecedentes merece, por lo menos, una cuota básica de
desconfianza, considerando que la mayoría de los que gozan el mismo
estatus carecen de mérito artístico. Usualmente se trata más del
potencial para conseguir fama, y exprimir el momento para obtener
alguna ganancia, que de capacidades.

“Sensación de verdad” es el primer material que este cuarteto lanza
desde aquel premio, que consistió en salir de gira con músicos
profesionales como Lucybell y Los Jaivas. Un EP que muestra un salto
olímpico desde su álbum debut, “Triciclo” (2007), así como un
saludable acercamiento del grupo al pop, esbozado en que todas sus
nuevas canciones responden a estructuras apetecidas por la oreja
popular. Es decir, temas fáciles de escuchar y cantar, listos para ser
memorizados y con ganas de provocar emociones. Sin repetir ni
equivocarse, Tejado Pimiento entrega seis cortes que confirman lo que
sus acciones también comunican: este proyecto tiene altísimas
expectativas.

Después de todo, hablamos de la misma banda que toca en vivo un cover
de ‘Tren al sur’ de Los Prisioneros, que ha sido telonera de Los
Bunkers y que realizó el video del single ‘Sensación de verdad’ con
Alterado! Producciones (responsables de clips de Los Ex! y Francisco
González). No se puede dudar del profesionalismo y la seriedad que
inspira el prontuario de la agrupación, así como tampoco de sus
aparentes aspiraciones de llegar hasta lo más alto del rock en Chile,
sustentadas en una propuesta lúcida y acorde a las intenciones que
acusan sus actos.

Dentro del imaginario odiosamente apodado rock-pop (¿o pop-rock?),
Tejado Pimiento consigue deslizarse con gracia y establecer que su
manejo de los códigos de este género híbrido es amplio, lo suficiente
como para terminar con un encendido solo de guitarra en ‘Nuevo’ y de
inmediato seguir con el inicio lento del bonus track ‘Campanas de
agua’ (originalmente de “Triciclo”) sin arriesgar coherencia en la
transición. Otros detalles considerados en este diagnóstico son que el
cuarteto es capaz de insertar un quiebre reggae donde no era
previsible (‘Muchas horas’), guiñarle un ojo al rock de estadio y
escuela U2 (‘Bajo piel’) y mezclar dos canciones en una (‘Un minuto’).

La segunda entrega de Tejado Pimiento debería dejar satisfechos a
quienes buscan el recambio generacional del rock chileno, esa anhelada
continuidad que tantos necesitan para estar cómodos y seguros. En
“Sensación de verdad” está todo ordenado y listo para servir:
interpretaciones al uso, letras con una que otra frase para enmarcar,
melodías bonitas (como la del sencillo que da nombre a este EP) y un
largo etcétera de características que dan forma a lo que
convencionalmente se considera una promesa musical criolla. Desde ahí
en adelante, el caprichoso camino que eleva a músicos y entierra a
otros es campo abierto a caminar. Que comience, una vez más, la lucha
entre fortuna y virtud.

A la sombra de la Parra: De Violeta y las nuevas flores

2012-01-07T19:47:00.000-03:00

Chile sigue saldando su infinita deuda con Violeta Parra, quien nunca recibió en vida todos los honores que merecía. Hoy, una película biográfica, el surgimiento de cantautoras que la reconocen como un referente y la efervescencia social que vive el país nos hacen peregrinar, nuevamente, hacia una de las figuras más importantes de nuestra historia.

Violeta Parra. Violeta. La Viola. Artista, personaje y persona. Tributos varios ha recibido la cantautora, desde su muerte en 1967, aunque la última década ha concentrado algunos de los más interesantes: a saber, una completísima exposición de su trabajos visuales en Estados Unidos, la reedición de 13 de sus discos por el sello Oveja Negra, la aparición del álbum doble “Isabel canta a Violeta” de Isabel Parra y el libro (más CD) “Violeta se fue a los cielos”, firmado en 2006 por otro hijo de la folclorista, Ángel Parra.

De aquella publicación, el cineasta Andrés Wood (“La Fiebre del Loco”, “Machuca”, “Historias de Fútbol”) se aferró para construir el guión de su próxima película, una biografía de Violeta Parra en celuloide que también lleva por nombre “Violeta se fue a los cielos”. La cinta, además de ser una de las primeras biopics musicales de Chile, es uno de los homenajes a la solista que faltaban, el de la pantalla grande.

“Violeta se fue a los cielos” incluye recreaciones de época y buena parte del rodaje fue realizado en París, Francia, ciudad donde una rama de los Parra encontró un refugio antes, durante y después de la dictadura militar. Pero, sobre todo, la película muestra cómo la actriz protagonista, Francisca Gavilán, se sumerge en el personaje que encarna y lo hace propio, tras un año de preparación en que se adueñó de todos sus ademanes y gestos, hasta de su voz.

Tanto aparataje –infrecuente en el cine chileno- no es de extrañar en tiempos en que se mira al pasado como un ejercicio frecuente, casi compulsivo o derechamente “retromaníaco” (como diría el periodista inglés Simon Reynolds, que acuñó el término en su último libro, “Retromania”, cuyo subtítulo es “La adicción de la cultura pop a su propio pasado”). Sin embargo, en el caso de Violeta Parra, aquel diagnóstico resulta, al menos, inexacto. ¿Realmente hablamos sobre una figura pretérita?

Ejemplos de vigencia sobran en el repertorio de la cantautora, hay demasiados como para considerar que su obra es parte del recuerdo y ni siquiera requieren mayor poder interpretativo para ser comprendidos, porque están planteados en tono directo y claro. “¡Que vivan los estudiantes, jardín de las alegrías! Son aves que no se asustan de animal ni policía, y no le asustan las balas ni el ladrar de la jauría”, escribió Parra en ‘Me gustan los estudiantes’, superando largamente cualquier tributo musical contemporáneo al movimiento estudiantil. Lo mismo que ocurrió el año pasado con ‘Arriba quemando el sol’ (“el minero ya no sabe lo que vale su dolor”) y el derrumbe de la mina San José; que es también el dolor retratado en ‘Arauco tiene una pena’ y que sigue palpitando en el sur (“entonces corre la sangre, no sabe el indio qué hacer, le van a quitar su tierra, la tiene que defender”). Y todavía es difícil encontrar discurso más sólido y provocativo que el de ‘Qué dirá el Santo Padre’ (“el que oficia la muerte como un verdugo tranquilo está tomando su desayuno”) entre autores chilenos nuevos.

YA ESTÁ HECHO

Así como hay quienes dicen que Black Sabbath y Ramones ya tocaron todos los grandes riffs de guitarra, Violeta Parra parece haber dejado escrita al menos una canción para cada problema de la sociedad chilena (extrapolable a cualquier nación tercermundista, de ahí su universalidad), y a veces sus composiciones calzan en la coyuntura social con nitidez casi escalofriante, sembrando la duda sobre qué tanto ha avanzado en realidad nuestro país. “Cuesta imaginarse la música chilena sin ella”, afirma Evelyn Cornejo, quien acaba de relanzar su debut homónimo (2009) mediante el Sello Azul, un álbum llamado originalmente “Música de raíz folclórica” y que en varios pasajes rescata el canto más aguerrido y menos metafórico.

“Violeta no sólo se destaca por sus lúcidas canciones, sino también por ser una artista integral”, afirma la cantautora penquista Rocío Peña, antropóloga, fundadora de Twitsessions y responsable del disco “Atardecer” (2009). “Hay que considerar también lo actuales que son sus letras. Lo que por un lado provoca tristeza, porque son reflejo, además de sus sentimientos, de luchas que se llevaron a cabo en este mismo país y por poner un ejemplo, Arauco aún tiene una pena”.

Natalia Molina, quien debutó este año con el álbum de libre descarga “Cuna de Piedras” (que tiene tintes de canción social conjugada con dosis de finura pop tipo Mazzy Star), concuerda en rescatar la consistencia del trabajo de Violeta Parra: “Siento una admiración tremenda hacia su obra y también hacia su persona, por lo general, la admiración que siento por los grandes se basa en esta relación de consecuencia entre vida y obra. La vida forja la obra y la obra define tu vida. Es un ejemplo de trabajo y perseverancia no solo para mí, sino para muchos músicos que conozco. No hay que hacer folclore para recoger su influencia. Va mas allá del estilo, tiene que ver con escribir con valentía y que tu discurso sea consecuente con lo que eres y con lo que piensas. El que escucha se da cuenta cuando algo no es de verdad o esta hecho solo para complacer, o encajar en alguna moda”.

Para Natalia Contesse, quien junto a Evelyn Cornejo es otra integrante de la camada 2011 del Sello Azul (con el disco “Puñado de Tierra”), Violeta Parra es un referente a todas luces. “Una agarra la guitarra para componer algo y muchas veces te la encuentras en unos acordes, en una melodía, en un vocablo. Creo que ella sigue, en alguna dimensión, viva en muchos de nosotras las cantoras, cantautoras o cantantes de esta tierra. Todas podemos sentirla encajándose en algún instante en nuestro aliento”, declara.

MEJOR EN TORBELLINOS QUE EN CUADRADOS

En momentos de efervescencia social, como la que se puede palpar actualmente en Chile, es cuando la obra de Violeta Parra asoma con más fuerza y provoca consenso acerca de su enorme valor. “Tiene más actitud que muchos de los que pasaron a la historia del rock and roll. Me gusta como logra hablar de temas de política y sociedad sin caer en propaganda, con certeza, con ejemplos. Escribo harto sobre este tema. Tengo algunas letras que hablan de ciertos temas sociales, pero quiero ser cuidadosa con la forma en que lo planteo. No quiero caer en panfletos que el día de mañana pueda usar un político, porque creo que este sistema ya está viciado”, afirma Rocío Peña.

Y es que las inquietudes -no sólo coyunturales, sino también artísticas- de la multidisciplinaria figura son las mismas que hoy tienen otras cantautoras. “Para mí, en algunos momentos es importante cantar canciones sociales, tanto así como cantar canciones personales… aunque esos son rótulos que vienen después. Nunca me he sentado a componer pensando qué tipo de canción voy a hacer, prefiero sentarme con mis emociones y sacarlas, mejor en torbellinos que en cuadrados, mejor en remolinos que en matemáticas, dice Camila Moreno, planteando una mezcolanza de intereses similar a la apreciable en el repertorio de Parra, quien también usó la introspección como una herramienta. “¿Por qué separar lo personal de lo social, como si no afectara mi intimidad lo que pasa afuera? Cuando lo social también es interior, creo que existe mayor integridad, menor individualismo”.

Natalia Molina es más clara al respecto: “Yo creo que la opinión que no se expresa está muerta. Un líder político al que admiro mucho (se refiere a Salvador Allende) dijo que ser joven y no ser revolucionario era una contradicción. Yo creo que ser humano y no tener una opinión sobre el mundo en el que estas parado es una contradicción. Los músicos siempre han jugado ese rol de relatores de lo que pasa a su alrededor y creo que es necesario que existan voces mas explícitas y directas que acompañen estos movimientos. La música comunica mucho mas que los discursos, llega al corazón de la gente”, asegura.

“Las voces salen de la agitación de forma natural, lo social nos afecta a todos y nosotros somos parte de este descontento. Mi papel es el que todas las personas deberían tener, que es aportar con lo que sabemos hacer para construir entre todos una sociedad justa y pacifica”, aporta Evelyn Cornejo, desde un prisma aún más comprometido. Su compañera de sello, Natalia Contesse, aporta a la reflexión: “Creo que el oficio del cantor debe estar al servicio de su pueblo, no tiene sentido que el canto sea solamente una cosa estética. Si pensamos, ¿qué habrá motivado al primer hombre o la primera mujer a cantar por primera vez? Yo creo que fue una necesidad del espíritu de explicarse la existencia, de lograr comunicarse con ella. Esto es lo que esta pasando ahora. Estamos teniendo la necesidad de contar cantando. Es como el dicho que don Facundo Cabral citaba: “a un hombre que trabaja, dios lo respeta; más cuando el hombre canta, dios lo ama. Por eso veces a los cantores los asesinan. No todo queremos escuchar algunas verdades. Pero ya no hay miedo. Vuelve el canto y esta vez no se calla”.

Amendment Records: Vehículo de acción

2012-01-07T19:46:00.000-03:00

Cinco años acumula en el cuerpo esta compañía de discos que opera con afán historiador y cercanía hacia las bandas que desarrolla.

Amendment Records no sólo es una discográfica independiente con base en Santiago y completa devoción por el hardcore en vinilo. Como su nombre lo indica (“amendment” en español significa “enmienda”), también es parte de la solución a un problema estructural de nuestro país detectado por Pablo Durán, fundador de la etiqueta y uno de los dos miembros estables del equipo que integra este emprendimiento. “Quería hacer algo como esto debido a la casi nula existencia de sellos durante las dos primeras generaciones de hardcore en Chile”, comenta el iniciador de esta pequeña empresa, fundada en 2006.

El otro hemisferio de Amendment Records (y su representante local, debido a que Durán vive actualmente en Estados Unidos) se llama Philippe Arama, miembro de las bandas Approach, Remains To Be Seen, Remission e Invierno. Los cuatro grupos han sido publicados por la compañía que él co-dirige y todos forman parte de un inventario que también incluye a Contra Todos Mis Miedos (ex Against All My Fears), Columnas y Entrefuego.

Ambos manejan la tienda virtual del sello, que vende poleras, descargas digitales y elepés ajenos a la etiqueta, pero seleccionados con evidente esmero y conocimiento histórico (figuran un puñado de agrupaciones de altísimo vuelo como Cap’n Jazz y Refused, entre otras). Por supuesto, los lanzamientos originales y en vinilo son el producto estrella, y por eso varios de aquellos títulos están disponibles en discos de diferentes colores o en opcionales packs de lujo, como el split de Remission y Police & Thieves en versión triple y con poleras de ambos conjuntos.

“Me enamoré de los vinilos después de comprar el siete pulgadas de “What Was Done”, de Point of No Return, por ahí por el 2004”, cuenta Durán, quien desde entonces se declara también prendado de “lo imponente del arte de tapa y lo envolvente del sonido” que ofrece el tradicional formato. Y así como su colección ha ido creciendo, al unísono lo ha hecho su pequeña empresa y los grupos que la conforman. Remission, por ejemplo, será este mes el segundo empalme de hardcore nacional en irse de gira a Estados Unidos, después de los capitales Redención 9.11.

“Buscamos documentar un momento de la escena hardcore/punk en el mayor grado posible porque nos parece fascinante y que eso ocurra de forma espontánea nos parece aún mejor”, comenta el director de Amendment. “Lo que mas rescato de nuestra forma de trabajar es la relación que tenemos con las bandas. Si bien existen algunos parámetros que es necesario cumplir para mantener al sello vivo, las decisiones que deben tomarse siempre se resuelven en conjunto y dando prioridad a lo que la cada grupo requiere. Eso me parece que nos diferencia, el hecho de que nos debemos a ellos y de que finalmente nosotros dependemos de los músicos para seguir trabajando y no al revés”.

Johou: Galería enardecida

2012-01-07T19:45:00.001-03:00

El cuarteto habla sobre cómo el fútbol, Bad Religion y las bandas chilenas a las que conocen influenciaron su nueva música, cuyas presentaciones en vivo requieren ir con polera de repuesto.

Panamá 387, en plena comuna de Ñuñoa, fue la dirección en que los cuatro miembros de Johou vivieron juntos y grabaron “La Sorda”, el segundo álbum de la banda, editado en 2008 por el extinto sello virtual Neurotyka. “Ese año estuvo lleno de experiencias y excesos”, según el cantante y bajista Tomás Riquelme, quien afirma que “al final eso construyó las bases de un disco que en sí mismo se responde: todo se devuelve”. Efectivamente, “Todo se devuelve” es el nombre de la tercera y más reciente placa del grupo, ahora bajo el alero del joven netlabel Armatoste.

“Le hemos puesto harto trabajo encima y peleas también”, comenta el frontman de la banda, que en su última entrega se muestra más a gusto que nunca con el formato canción, tras un comienzo cercano al ruidismo sónico y dado a los temas extensos. “Escuchamos sin parar “New Maps from Hell” de Bad Religion, que nos gustó mucho, en nuestra casa. Nos parecía increíble que estos vejetes se mandaran un discazo así teniendo cuánto, ¿50 años? Ese álbum volvió a mostrarnos ese coro futbolero de galucha enardecida que los hace cantar a todos, porque la idea es que todos lo pasen bien mientras tocamos. Esto es quizá lo que hace que en general el disco se deje escuchar y sea más digerible”.

“En (los estudios) Triana con (el ingeniero en sonido) Carlos Barros logramos sacar un crossover sonoro que nos dejó muy tranquilos; el rock de Johou y la paila más popera de Carlos”, ahonda Riquelme, en alusión a que el encargado de la grabación de “Todo se devuelve” figura en los créditos de títulos publicados por nombres como Adrianigual, De Saloon y Odisea. “Nos gusta el tema del riff ganchero y el coro lanzado, como que libera algo en ti. El formato canción tiene harto de esa construcción de temas, algo que nos agrada mucho”.

Sobre sus letras, que en ocasiones pasadas han hablado abiertamente sobre otros grupos (Ropa Americana y sus actuales compañeros de sello, La Puta Marlon, son mencionados en “La Sorda”), el músico afirma que este afán responde a que “la intención es referenciarnos con lo nuestro, con lo que conozco, lo que escucho todos los días y las bandas con las que tocamos”. En su tercer larga duración, Johou sigue la misma praxis en las pistas ‘Ay qué rico!’ (“ay qué rico cantar como Gepe, Nano Stern o Fernando Milagros”) y ‘Bili’ (“y tú me vienes a buscar para bailar el punk, ése que canta Tío Lucho y muchas bandas más”).

“Si estuviéramos en los 60's habría nombrado a Buddy Richard, Peter Rock y Patricio Manns, hubiesen sido del sello o no”, explica Riquelme sobre la cita a Fernando Milagros, quien formó parte de Neurotyka junto a Johou. “Hablar de él al final es circunstancial, podría haber sido Chinoy o Pedropiedra, pero o no los conocía aún o no me rimaban con la melodía vocal. Igualmente con la canción donde nombramos a Tío Lucho, que trata del punk-dance y en vez de nombrar los Clash preferí poner una banda que conocía, me gusta y es chilena. No estamos sordos y menos ciegos. Somos una banda que escucha música, un hábito vital para la creación”.

Evelyn Cornejo: Su versión de la subversión

2012-01-07T19:42:00.000-03:00

Carente de eufemismos y armada de su guitarra, Evelyn Cornejo empuña la voz para cantar lo que se calla.

Nacida en el seno de una familia evangélica de Maule, al sur de nuestro país, Evelyn Cornejo creció rodeada de música. No sólo religiosa, sino también de raíz folclórica, porque los guitarreos improvisados eran frecuentes en la casa donde se crió. Hace dos años, convertida en cantautora autodidacta después de foguearse en micros y ferias, lo que parecía una historia más o menos típica tomó una ruta que no estaba en el itinerario. “En Talca conocí a (el rapero) Subverso, le mostré mi demo y me invitó a grabar en su estudio”, cuenta, “pero él se pegó y después de que me fui, siguió trabajando en las canciones que yo dejé listas”.

Ese registro de voz, guitarras y cuatro –salvo unas percusiones agregadas posteriormente- fue post producido por el conocido rimador, después de los tres días que Cornejo demoró en plasmar sus primeros temas junto a él. “Fue una sorpresa. Lo grabé en noviembre y en enero quedó listo. A mí me encantó, encontré que interpretó muy bien las canciones al instrumentalizarlas, está hecho con harto cariño. Es que muchas de las bases de Subverso son folclóricas y su papá también toca”, explica la solista. El resultado de esa colaboración es un disco homónimo, que hoy es parte del plantel 2011 del Sello Azul, pero que durante los dos años previos orbitó y cobró vida en la red.

“Evelyn Cornejo”, el álbum, retrata con natural despojo a su autora; una discípula indirecta de Violeta Parra, que también reconoce en Amparo Ochoa y Lila Downs a dos figuras de admiración. “Al momento de hacer mis canciones, escribo lo que siento, lo que pienso y lo que estoy experimentando. Mi único afán es mostrar la realidad que se vive en cierto sector que no sale en la tele, ni en los diarios, esa parte en estado crítico de la sociedad, al que pertenece la mayoría de los habitantes del planeta. Es la necesidad de decir lo que a uno le pasa porque, a veces, es como si no existiera”, afirma la cantautora.

“Mi música nace porque esta situación me da rabia, me molesta y me afecta directamente. Por no haber tenido plata, por haber estudiado en una escuela pública malísima, no pude entrar a la universidad. Soy hija de obrero, sé de lo que estoy hablando, no es un invento mío, todo es totalmente cierto”, asegura Cornejo. Sus canciones, que fueron escritas dos años antes de que la efervescencia social explotara en Chile, funcionan a la perfección como banda sonora del actual descontento. Un sentir compartido por la sureña artista, que ahora mira con distancia su trunco anhelo: “A fin de cuentas, la educación está manejada y forma gente servil. Más que nada, vas a la U para salvar lucas mensuales y vivir tranquilos. No a cuestionar, ni ser mejor persona”.

“Yo quería estudiar Historia porque me daba curiosidad saber lo que pasó y lo que nos han ocultado, quería entender más porque es una locura que en una sociedad, supuestamente civilizada, existan ricos y pobres. ¿Cómo pueden haber diferencias sociales e intolerancia, educación para ricos y educación para pobres, salud para ricos y salud para pobres?”, cuestiona Evelyn Cornejo. “Hay personas que me dan ganas de pedirles que miren sus condiciones de vida y preguntarles cómo pueden tragarse lo que aparecen en la tele. Muchos son incapaces de cuestionarse a sí mismos, dónde están parados. Y hay otros, que están conscientes de lo que está pasando, pero prefieren hacerse los tontos para vivir más tranquilos, morirse e irse al cielo”.

Sacramento: Otro camino

2012-01-07T19:41:00.001-03:00

Sacramento presenta “Weight of Sin”, su disco debut, con ganas de taparle la boca a los que piensan que la suma de un trío metalero y una cantante femenina da siempre el mismo resultado.

Sacramento nació en 2009, de las cenizas del grupo metal UDK, cuando el guitarrista Alejandro “Zorro” Espinosa se dio cuenta de que sus nuevas composiciones no calzaban con su banda (“éramos tipo Sepultura”, dice). Pasar de un proyecto a otro fue el curso natural para el músico, quien chequeó en terreno una de las falencias del circuito criollo: “En 12 años con UDK, me di cuenta de que acá en Chile todo era thrash o death, una de dos. Si tenías una propuesta más neutra, podías caber en todos lados, pero al final no calzabas en ninguna parte. Una vez tocamos con Dorso y Massacre y el público nos encontraba aggro. Después con Lupus y Rey Chocolate, a la gente le parecía que éramos death metal. La escena está extremadamente radicalizada. No hay términos medios”.

Con resiliencia, Espinosa apostó por ignorar el dictamen implícito del panorama local y hacer de su nuevo intento algo distintivo. Fue así como llegó a la vocalista Laura Vargas, para iniciar un empalme de metal con una cantante femenina que, además de ser un emprendimiento llamativo en el contexto chileno, tuviera que ver lo menos posible con emblemas de similar fórmula. “Yo no escucho muchos grupos con minas, la verdad es que no me gustan, pero yo apenas tuve listos estos temas supe que una mujer debía cantarlos”, comenta el guitarrista.

Para Laura Vargas, Sacramento representaba la coronación de una búsqueda que incluyó un paso por el mundo del hardcore, una banda tributo a Nightwish, cantar en matrimonios y ensayar con Bella & Putana. “De repente nos dicen que somos el típico grupo que cae en el saco de Epica, Within Temptation o Lacuna Coil. Al final, tres metaleros más una mujer, al oído de mucha gente, es automáticamente eso. Pero nosotros tenemos algo diferente que mostrar, en las letras, en la música, en el disco y en los shows”, asegura ella. “Zorro” aporta un dato revelador: “A Laura le pedimos no usar corsé en las fotos, ni ropa con encaje, mejor que lleve una camufla y un peto de Megadeth. De gótico, nada, chao con la Blondie y todo eso. Esto es metal”.

“Igual lo de nosotros no es tan pesado. Hay riffs duros, doble bombo y también está mi voz, que es grave. Pero Sacramento tiene otra virtud”, afirman. Aquellas bondades están impresas en “Weight of Sin”, su reciente debut en larga duración, sucesor de un EP homónimo de distribución gratuita que circuló en 2009 junto al sencillo “Fallecer”, curiosamente, su único tema en español. El video del single, además de la versión en inglés del tema (“Die Alone”), está incluido en el primer CD del grupo como bonus track. Y aunque el clip fue grabado en una iglesia, Espinosa y Vargas se apuran en aclarar que su música no toma inspiración del imaginario eclesiástico, pese a lo que se podría inferir por su nombre.

Sobre el sexismo imperante en la música chilena, del que la banda ha sido presa por defecto, “Zorro” Espinosa reflexiona: “Lo que falta acá es encontrar algo nuevo. Como hay más de lo mismo, se buscan aspectos a destacar como la apariencia de la cantante, por ejemplo. Si estás armando o tratando de buscar algo fuera de lo común dentro de ese estilo, puedes lograr que se fijen en que hay riffs medios Carcass o Arch Enemy con violines detrás, en vez de lo rica que es la cantante. Acá en Santiago, las bandas con minas son buenas, pero son parejas y se parecen bastante a lo que ya existe. Para mí lo que hacemos es nuevo, puede que sea de ignorante, porque no conozco tanto, pero no creo que estemos tan equivocados”. Laura Vargas simplifica la idea: “Estamos trabajando para usted. Sacramento: under construction”.

Pulso vital

2012-01-07T19:40:00.000-03:00

Cuando los jóvenes empezaron a preguntarse por qué la educación es abordada, por nuestra sociedad, como un bien de consumo y se negaron a aceptarlo como una impostura, el sueño neoliberal se descascaró y mostró que debajo de aquel barniz de prosperidad se escondía un muro en ruinas. Esa frágil reinvención de imagen, reflejada en lo que algunos –como el propio presidente Sebastián Piñera- llamaban orgullosamente “the Chilean way”, cayó por su propio peso cuando dejó de ser aceptada como una realidad después de que los desfavorecidos (es decir, la mayoría) hicieran ver las graves falencias del modelo.

La semilla del cuestionamiento, regada con buenas preguntas, da como fruto el avance. Una idea simple y bastante obvia en su certeza, pero ignorada olímpicamente por el miedo a la disidencia que propició la dictadura militar, un temor que existe –de manera más subrepticia- hasta el día de hoy. Por un momento en Chile, después de que volvió la democracia, la única forma de dar a conocer los males del país a través de la música era la denuncia solapada y con tintes lúdicos, tipo Sexual Democracia. Voces más frontales de la misma época, llámese Los Morton o Mauricio Redolés, fueron omitidas por los medios.

Recién a fines de los ’90, antes de la expansión web que hoy tiene a la prensa citando a Twitter como si fuera una fuente confiable, las radios juveniles se atrevieron a programar una canción del calibre de ‘La Fuerza Policial’ de 2X; single favorecido por el fenómeno aggrometal, beneficiado a su vez por el no casual romance entre Chile y Rage Against The Machine. Un idilio que, de coincidencia, poco y nada tenía: Chile venía incubando su rabia desde mucho antes y las bandas ya lo hacían notar, en gestos un tanto inofensivos, pero cargados de simbolismo (Álvaro Henríquez con casco militar en el MTV Unplugged de Los Tres o Tiro de Gracia tocando en La Moneda para el término de la detención por sospecha). Ciego el que no quiso verlo.

El reciente estreno de la película “Violeta se fue a los cielos” dejó al descubierto, una vez más, la tremenda vigencia de la obra de la cantautora, pero también lo triste que es saber que los problemas de hace décadas son los mismos de ahora. La letra de “¿Qué dirá el Santo Padre?” sigue siendo más poderosa que la de cualquier solista femenina contemporánea, porque el temor engendrado en la mal llamada época de “reconciliación” dio como fruto que ser confrontacional y verdaderamente subversivo fuese considerado casi terrorista. En vez de revolucionarios, los rockeros criollos se volvieron reformistas, pasando gato por liebre sin siquiera saberlo porque se impregnaron del triste credo político de hacer las cosas “en la medida de lo posible”, repetido hasta el cansancio a partir del gobierno de Aylwin. Para nuestra alegría, los estudiantes ya demostraron que la generación sin compromiso se terminó y le torcieron la mano a los viejos consensos. Y ya sabemos que el arte se vigoriza en época de crisis social: ahora es el momento de que los músicos le sigan el pulso a Chile.

En la despensa

2012-01-07T19:36:00.001-03:00

En nuestro país, resulta más fácil conocer a un fanático del britpop o el black metal noruego, que a un coleccionista de rock chileno. La producción local no tiene categoría de pasatiempo, salvo para los músicos que la facturan, quienes –en una aplastante mayoría- deben pagar sus cuentas a fin de mes con sueldos de trabajos ajenos al quehacer artístico. Para los pobrecitos mortales (esos que no son amigos de bandas, ni pululan por Bellavista o Santa Isabel), lo que pase dentro de nuestras fronteras carece de relevancia, ni genera interés como un todo. Y las excepciones que existen sólo hacen que la regla cobre vigor.

Es cierto que el rock nacional ha sido golpeado una y otra vez. Si, ante los ojos de la gente común, se ve como una subespecie débil de la fauna planetaria, es en buena medida por culpa de los obstáculos que ha debido afrontar. Dictadura, apagón cultural, crisis asiática, caída de la industria discográfica y alejamiento de las compañías multinacionales. Todos son factores importantes al momento de analizar lo que tenemos hoy en día: una oferta nutrida de bandas y solistas, tanto excelentes como mediocres o pésimas, que no consiguen despegar y están atrapadas en circuitos demasiado pequeños como para sostener una carrera digna de profesionalismo.

Pero las culpas son cada vez más compartidas, porque darle un aura fascinante a la música chilena también depende de quienes forman parte de ella. Estamos claros en que nadie repleta sus bolsillos de plata tocando rock en nuestro país, pero metas aterrizadas (como atraer audiencia, captar 100 personas en una tocata, generar identificación con una audiencia) tampoco se consiguen seguido. Y son pocos los que se han detenido a cultivar una noción vital para expandirse: la música es entretenimiento. El hermetismo, denominador común de nuestra pequeña escena, es propio de una idea poco desarrollada y aburrida sobre el arte. Divertir para darse a conocer no es un pecado, ni una forma de rebajarse.

Llegó la hora de abandonar la hostilidad, los resentimientos y los miedos autoimpuestos, para salir a jugar a ganador simplemente porque no hay mucho que perder. Existen avances al respecto, como la masiva subida de discos a la red que abordamos en este número de Rockaxis, pero todavía queda trabajo por realizar. Falta atrevimiento. Imponer tendencias, generar hype o ser cool no tiene por qué estar reservado al primer mundo. La iniciativa parte por casa, y lo que tenemos en la despensa, la cosecha de nuestro propio patio, tiene mejor sabor que lo que venden los supermercados.

Matar o morir: Rock chileno gratis en la red

2012-01-07T19:32:00.001-03:00

Cambian los paradigmas de distribución, pero sigue naciendo música a lo largo de todo Chile. Conversamos con bandas y solistas, que han optado por regalar sus mp3, sobre lo bueno, lo malo y lo desconocido de un fenómeno en pleno desarrollo: la masiva subida gratuita de música nacional a internet.

“La primera barrera que uno encuentra al momento de adquirir un disco es el precio”, asegura el grupo Johou, una banda cuyo catálogo completo está disponible en la red y que ha sido parte de dos sellos virtuales (Neurotyka y Armatoste). Al igual que ellos, decenas de músicos chilenos han optado por subir su material y dejarlo para descarga gratuita. “Ya es algo inevitable”, como reconoce el cantautor Moreno, y tampoco es una novedad, pero detrás del consenso de que internet cambió los paradigmas de la difusión, hay motivos que van desde lo estratégico hasta lo ético.

Para el solista Prójimo Bil, “liberar un disco o una canción es como un posicionamiento moral contra la industria, el consumo, los valores de hoy y todo lo que se resume en la plata. Es como llevar tu mascota al campo, soltar la correa y gritarle que corra, aun sabiendo que a los pocos días los animales salvajes lo matarán o morirá de hambre y sed”. Esa visión del actual panorama, comprendido como una selva, es compartida por el cuarteto Inverness: “en los últimos 10 años las bandas han tenido que adaptarse y ser sus propios gestores. Varios han muerto en el intento”.

No es fácil darse a conocer. Además de la viralización de material (“con un link, listo: otra persona lo tiene”, grafican los penquistas Philipina Bitch), liberar la propia música ofrece la posibilidad de regular qué datos salen a la luz y cómo. “Es una forma excelente de controlar en qué calidad de audio el público recibe la información, y además que los tracks y el arte sean certificados por nosotros. Si desean tener el álbum en formato descargable, la idea es que sea de nuestra propia mano”, explica el dúo The Paintings. Y el cantautor Javier Barría coincide: “Si ya no se venden discos, ¿para qué tenerlos escondidos o en Taringa cuando pueden estar en mi sitio?”.

MALDITA DUALIDAD

Claro que no todo es miel sobre hojuelas. “Después de haber colgado gratis un disco, ya sea por RapidShare o MediaFire, no se puede vigilar que otra persona en el mundo lo suba de nuevo, pero en otra calidad. Puedes encontrar después tres veces la misma canción, aunque con diferente calidad”, señala el empalme sanantonino Portugal. Su coterráneo, el solista Ramiroquijano, explica los pros y contras con los que la mayoría suele topar: “Es mucho más simple que te escuchen, por razones obvias ya que es gratuito. Lo malo es que de cierta manera tu trabajo pierde valor por el mismo hecho de ser gratis. Una cosa por otra, la maldita dualidad”.

“Por nuestra naturaleza humana, suele pasar que a las cosas que son demasiado fáciles las apreciamos menos. Quien no hizo el ejercicio de esperar que saliera un caset o CD e ir a comprarlo no va a entender lo que digo, pero ése sí que era un buen sentimiento”, apunta Corderolobo, otro más que regala sus canciones en la web. Eso sí, aparte de contraposición, existe a la misma vez una complementariedad entre formatos. “Aun vendiéndolo, el primero que lo compre podría ponerlo en línea, entonces carece de sentido no asumirlo de esa manera desde el inicio”, comenta el grupo Intermitentes.

Conflictos a un lado, los debutantes Pasto, desde Los Andes, aseguran que “las desventajas resultan mínimas si se analizan las ventajas. El principal punto a favor es la reducción de costos. Producir copias físicas es caro, y no se justifica cuando estás recién partiendo, porque no existe certeza de que alguien quiera invertir su dinero en tu trabajo”. Por supuesto, el abarate de costos no sólo se remite al desarrollo previo, sino también a la promoción de un registro. “Nosotros preferimos tener seguidores que ganar tres pesos por vender unos cuantos cedés”, asegura el grupo Masta.

¿Y FUNCIONA?

Con la perspectiva que da el desarrollo en el tiempo de este fenómeno, ya es posible medir algunas de sus consecuencias y aventurar otros posibles efectos de la masiva subida de discos chilenos a la red. Datos duros en la boca de Portugal: “Contamos con el apoyo de blogs, que usaron un mismo link, desde el que se bajó 7 mil veces nuestro álbum en cerca de cuatro meses”. José Francisco Aldunate, ex miembro de Alpuritano (ensamble disuelto cuyo colección entera está online) y Devil Presley cuenta que con los últimos aumentaron “de 2 mil a 14 mil los fans en Facebook en el transcurso de un año y algo, que coincidió con la liberación del catálogo de forma integra. Lo mismo pasó con los asistentes a shows en vivo”.

“De todos modos, si tu disco es malo, es probable que lo liberes y no pase nada igual”, advierte Rodrigo Santis del grupo Congelador y solista bajo el alias de Caravana. Además de la calidad del trabajo, la banda Silverjack repara en otros factores de importancia: “Aunque tu música sea gratis, si no tienes la oportunidad de abrir shows internacionales o contar con difusión radial, es más lento el proceso de masificación”.

Para Inverness, la clave del incremento de seguidores mediante la web está en que “por lo general, las personas no se equivocan cuando descargan material de internet. Hoy todo tiene tags y está interconectado. La gente relaciona ciertas músicas con otras, hay comentarios de los mismos usuarios. Por lo general, las personas saben qué están bajando. Y de equivocarse, pues bien, basta enviar todo a la papelera de reciclaje y listo”. Un buen indicio es, según Ramiroquijano, cuando “las felicitaciones que llegan ya no sólo son de amigos y cercanos, sino también de gente con la que antes jamás has tenido contacto directo”. En palabras de Javier Barría, quien indica que el acceso a costo cero es sólo un eslabón de la cadena, hacer que lleguen nuevos adeptos “es un trabajo que realiza también todo un repertorio y el estar constantemente itinerando”. Masta expande la idea del cantautor: “cada día mas, los músicos deberíamos convertirnos en gestores culturales”.

POLVO EN LA REPISA

Mientras el soporte computarizado toma fuerza como opción, ¿qué pasa con las ediciones físicas? El dúo TV Femme resume la actualidad del formato CD: “al igual que un cuadro o un libro, sólo terminan llenándose de polvo en la repisa. Son un objeto de culto, más que una herramienta práctica para escuchar música”. El consenso al respecto es mayoritario. “Su rol es ser un artículo de colección, casi para guardarlo en el estante y no volver a escucharlo. Por eso mismo la revaloración del formato vinilo, en que el arte de carátula es grande y el álbum como tal adquiere un valor único”, afirma Moreno.

“El original es una etapa posterior al mp3, viene cuando ya te enamoraste de las canciones, quieres hojear la carátula y sientes que tiene que formar parte de tu discoteca”, plantea Intermitentes, sin antagonizar las alternativas. Desde un punto de vista práctico, The Paintings añaden que la compresión de audio del archivo digital coarta porciones de la obra: “en el CD o vinilo hay un 90% de información sonora que de otra forma no podríamos conocer, y eso se nota de inmediato al poner play”.

Para Projimo Bil, las ediciones físicas son “el cuerpo de la música. Si grabas un disco y sólo lo distribuyes a través de internet, queda sin una identidad clara, porque en el computador todas las carpetas se ven iguales”. Con similar postura, Corderolobo agrega que “a veces es bueno tener ciertos ritos o darle cierta ceremonia a las cosas, al final uno se acuerda de cuando le dio un contexto a algo. No sé si la gente recuerde el día en que descargó algo”. Rodrigo Santis separa aguas y zanja el asunto: “la descarga es como ir a un museo y ver una exposición. El disco es comprarte la obra y llevártela a tu casa”.

Colombina Parra: In utero

2012-01-07T19:30:00.000-03:00

“Flores como gatos” se llama el debut solista de Colombina Parra. Ocho canciones originalmente destinadas a engrosar su archivo personal, como un testimonio del embarazo de la cantante, pero convertidas de forma espontánea en uno de los discos más bellos de la temporada.

Suavizarse es uno de los miedos más grandes del rockero. El público lo considera un pecado y la prensa lo asocia con envejecimiento. Así que para bajar los decibeles tiene que haber un buen motivo, o si no, la maniobra queda injustificada. Colombina Parra, conocida como la líder del grupo Los Ex, muestra su lado más dulce en “Flores como gatos”. El primer disco en solitario de la cantante es la antítesis de todo lo hecho antes por ella al mando de su banda. Donde antes hubo amargura, ahora hay dulzor, mientras la guitarra eléctrica es reemplazada por una de palo. Adiós, gritos; bienvenidos los susurros.

¿Y la justificación? No podría ser más personal y convincente. “Estas canciones empezaron a salir solas en Las Cruces, cuando me fui a vivir sola, con mi guata”, cuenta. Su segundo embarazo fue el punto de quiebre. “Me fui en un retiro, a vivir el desarrollo de mi embarazo en un lugar que me gustara. Es algo especial, que pasa pocas veces en la vida, y Santiago es muy desagradable. Nunca me ha gustado esta ciudad. Allá en la playa empecé a pasarlo muy bien, sola, pero no tan sola, sino que con esta nueva vida”, dice mirando a Tortuguita (como apoda a su pequeña hija, que ya camina y reclama por atención durante toda la entrevista).

Los ocho cortes que integran “Flores como gatos” son una sorpresa, no sólo por su cariz acústico, sino también por sus letras. Colombina Parra aborda tópicos como la femineidad, la familia y la maternidad con una candidez nunca antes expresada por ella en Barracos –su antiguo grupo, famoso en los ’90 por la canción ‘Todo’- y menos con Los Ex. Eso sí, los 25 minutos del disco son el testimonio de ejercicios de larga data, registrados a puertas cerradas por la cantante. “Había hecho cosas así antes, sobre todo cuando niña, pero no las mostraba”, confiesa.

“Comencé a registrar las maquetas, les escribí letras y después me dieron ganas de cantarlas, antes de tener a la Tortuga. Me sorprendí a mí misma cuando lo grabé. Después de haber pasado por lugares muy oscuros, donde experimenté harto, volví a esto. Y salieron alegres, así es que nunca imaginé tocarlas frente a público o lanzarlas, sólo las hacía para mí”, cuenta la ahora solista sobre la facturación de los temas. El álbum fue hecho de forma artesanal, con equipos portátiles, sin mayores artilugios justamente porque el trabajo nunca estuvo destinado a la comercialización.

LA SAGRADA FAMILIA

“Yo había hecho muchos temas así antes, quizás no tan alegres, pero intentaba evitar esa faceta. A mí me cargaba ponerme sentimentaloide, pero en “Flores como gatos” me atreví, es bien difícil de explicar por qué. Tiene que ver con críticas que yo me venía haciendo respecto a todo. También está relacionado con un proceso de sanación de rabias, antes siempre estaba enojada y en “Pistola de Plástico” (el último elepé de Los Ex) tiré la última bronca que sentía. Cuando apareció esta nueva guagua que venía era como volver a la infancia, como jugar a ser niño y conectarme con esa etapa”, confiesa Parra. ‘Vamos a almorzar’, el tema escogido como primer single, grafica las palabras de la vocalista con una letra que apela directamente a su madre y que alude también a su famoso papá, Nicanor.

Otro que aparece mencionado en esa canción es Juan de Dios, más conocido como Barraco, hermano de Colombina y eximio guitarrista. El músico aportó, con su presencia y dominio de las seis cuerdas, a facilitar el nexo hacia la infancia durante el registro del álbum. “Los temas están grabados tal cual yo tocaba cuando niña. Con mi hermano tocábamos un montón en la casa, pero cuando crecimos no nos vimos más, él se fue por la música clásica, Bach, y después se pasó a Robert Fripp, en una búsqueda con su instrumento. En este disco es súper importante la unión de él conmigo”, reconoce la cantante.

“En un momento pensé que “Flores como gatos” se iba a llamar “Colombina y Barraco”, porque intentaba evitar ser solista, me gustaba más pasar piola. Con Los Ex siempre me he sentido detrás de bambalinas. Mis temas sola no tienen nada que ver con el grupo, si los hubiera cantado con ellos, la actitud sería totalmente distinta. Barraco les encontró el lado lúdico”, afirma. El cambio de giro se nota en un rasgueo y cadencias que muestran, por primera vez de forma tan clara, a Colombina Parra asociándose a la impronta de su clan familiar.

“ Es más ligado a lo que la gente relaciona con los Parra, el jazz guachaca. Es que cuando chicos teníamos un trío con el tío Roberto, aprendimos a tocar con esa música. A mí lo que me gusta de Barraco es que toma el jazz guachaca y no es tan fiel, como que se nota toda su escuela, tiene una fineza y un mensaje que esconde muchas partes del mundo, además de ser súper delicado. Por ejemplo, mucho de lo que hay tiene que ver con la música china, que él investigó y tenía un poco escondida en su trabajo”, explica. Con la ayuda, como productor, de su pareja y compañero en Los Ex, Hernán Edwards, el disco se desarrolló dentro del círculo de hierro de su protagonista.

DEFENSAS BAJAS

El embarazo, ese misterio femenino que ningún hombre podrá descifrar jamás, fue el motor de “Flores como gatos”. Un disco que, al igual que su hija, nació del vientre de Colombina Parra, quien confiesa que “de no haber estado esperando guagua, jamás hubiese hecho algo así”. Todas las defensas y murallas, que la cantante había establecido para protegerse del mundo, tuvieron que ser derribadas en el proceso de dar a luz el álbum. Y si bien el contenido de la obra puede resultar un tanto pudoroso, para quien no esté acostumbrado a escuchar temas tan confesionales, su autora aporta un dato clave: “Hernán armó dos grupos de canciones, las que finalmente quedaron y otras que no porque revelaban mucho de mi vida privada, eran demasiado íntimas”. Es decir, hubo más arrojo incluso del que finalmente se dio a conocer.

“Igual hay algunas composiciones que quiero publicar, que tienen que estar en algún momento en alguna parte”, dice Colombina. Activa, aclara que Los Ex siguen funcionando y que pretende mantener en paralelo sus labores como parte del grupo y artista en solitario. “Los Ex van a existir siempre. Son cosas independientes y se complementan, seguiré grabando con ellos, aunque mi papel es cada vez más el de un integrante de la banda antes que una líder. Antes las canciones venían de mí, pero en cada trabajo se fueron metiendo temas de Hernán conmigo o producidos por los cuatro, con una sonoridad que nos pertenece a todos. Y tenemos temas para un nuevo disco”, adelanta.

“Pasan cosas distintas entre un proyecto y otro. Ahora llegué a la banda, pero desde otro lugar. Cuando toco “Flores como gatos” en vivo lo siento tan natural que es casi como si no hubiera concierto, me pasó en el Liguria y con los presos (tocó en Santiago para los reos de Santiago Uno), fue todo muy calmado y salí igual que como entré, como haciendo algo que no requiere esfuerzo. A veces con los Ex me siento más exigida quizás porque estoy obligada a comunicar más y eso es desgastante. Los Ex son perder el equilibrio, mientras tocar sola es todo lo contrario”, compara la cantante. Y es cierto, en las presentaciones de su debut como cantautora, Colombina Parra reproduce íntegramente el álbum en el orden original y pocas veces mira hacia la audiencia, escondida detrás de su pelo y sentada en una silla, rasgueando la guitarra.

La suavización de la guitarrista y vocalista, figura inolvidable del rock chileno más amargo de los ’90, no pasó inadvertida para algunos fans que le hicieron saber su descontento con esta faceta serena. “Sus comentarios no me afectaron personalmente, pero sí me dio lata que esas personas no entendieran lo que yo decía, lo bueno fue que eso sólo ocurrió al comienzo y después fue a la inversa, recibí mucha buena onda”, comenta. ““Flores como gatos” es el disco mío que más he escuchado. Los de Los Ex los escucho mientras grabo, pero después los dejo. A mí me encasillaron en un prototipo, una caricatura. Y de repente eso atrapa, pero siempre hay que hacer lo que una siente sin esa presión de lo que se ha generado alrededor. En ese aspecto, me atreví a tirarme nomás”.

Uno de los cambios que experimentó Colombina Parra durante su estadía en Las Cruces, y que más compleja hacen la descripción de su estado, tuvo que ver con sus gustos y percepciones de los estímulos del ambiente. El acto de valentía que supone su debut viene justamente de ahí: “Empecé a sentir los colores y los olores de otras maneras. Incluso comencé a escuchar música que antes me cargaba, como Bob Dylan, porque la Tortuga pegaba patadas, lo estaba disfrutando. También me gustaba mucho el disco de Félix, un cantautor argentino, que ahora lo pongo y me parece demasiado dulzón, demasiado manjar. Antes lo escuchaba todo el día. También me quedaba pegada, veía los colores, los caracoles. Estaba con los sentidos muy alerta. No se me pasaban ni las hormigas”.

Con “Flores como gatos” recién lanzado en una versión oficial, después de haber circulado en CD-R entre amigos de Parra, la cantante se apresta para seguir tocando en vivo sus flamantes canciones, que hablan sobre jardines, almuerzos familiares, tardes mundanas y dulces. Y de paso, ya asoman composiciones para un eventual segundo álbum, cuyo rumbo es todavía desconocido.“Se inició un camino que voy a explorar de muchas maneras, tengo un montón de canciones que quiero grabar, me siento súper libre en esto. Aunque hice dos temas más después del parto, pensando que iba a seguir con la racha del disco alegre, se las mostré a mi hermano y me dijo “oye que te pusiste oscura”. Voy a tener que embarazarme de nuevo”.

Lerdo: Fuera de contexto

2012-01-07T19:29:00.001-03:00

Esquemas, reglas, decálogos. Palabras que no significan nada para Lerdo, una banda que en su tercer disco, titulado “División de oro”, actúa sólo por instinto.

A casi ningún músico le gusta definir su sonido, pero su obra termina hablando por sí misma sobre sus influencias y también acerca de qué otros artistas se emparentan con ella. Para los miembros del trío nacional Lerdo, la complicación va un poco más allá: simplemente no saben dónde acomodarse. “Cuando empezamos, partimos en el circuito hardcore más noise donde todo vale. Si alguien metía ruido por 50 minutos, estaba todo bien, pero ahora que fuimos un paso más adelante, nadie sabe si entramos entre metaleros o punks, estamos en el limbo. Es un cacho encontrar con quién compartir escenario”, reconocen.

Con nuevo disco bajo el brazo, titulado “División de Oro”, el grupo –cuyo hito más celebre fue ser elegido por Faith No More para telonear su gala de 2009 en el Teatro Caupolicán- pasó de ser un quinteto a perder a dos de sus integrantes. Quedó así la base de guitarra (Claudio Acuña), batería (Javier Álvarez) y bajo (Mauricio López), sin un cantante que oficiara como frontman. Y, según ellos, “como era muy difícil encontrar a otra persona en la misma sintonía, o sea, que se riera de las mismas estupideces, decidimos cantar todo nosotros. Ha sido choro como entrenamiento, en especial en vivo, porque van cambiando los timbres y los focos de de atención”.

Al contrario de “Caleido abra scopio” y “J.E.KO”, sus dos primeros álbumes (editados respectivamente en 2006 y 2008), la tercera placa de Lerdo incorpora batería –antes sólo programada- a la suma de elementos que ofrece el conjunto. Otra particularidad de “División de Oro” es que la impronta de la banda se despojó de su complejidad previa, en cápsulas sonoras más simples, aunque mejor trabajadas. Hay riffs distinguibles y la misma potencia de las entregas anteriores. “Hacemos lo que nos gusta porque nos gusta la música extrema, meter ruido. Cuando ensayamos, el volumen está súper fuerte y nunca nadie se baja, sino que se suben los otros. Lo que hacemos progresa de forma natural hacia un caos que sentimos que está bien”, aseguran.

Asunto aparte para el grupo es la presentación en CD de “División de Oro”, en un pack con dibujos del ilustrador Gabriel Garvo, que además de destacar por su forma pentagonal ofrece regalías extra (como entradas y bonus digitales) a los afortunados que adquieran los ejemplares marcados con tinta dorada. “A todos nos gusta la cultura de los videojuegos, de abrir algo y encontrar pósters, códigos para descarga, stickers. Así que decidimos hacer lo mismo, para que el disco se convirtiera en algo interesante”, dicen.

“Cuando partimos, hablábamos de que nos gustaría ser de culto y no populares. Simbólicamente, Electrodomésticos nos llama la atención como banda, por la parada que tuvieron en su época”, confiesan al consultados sobre qué pretenden lograr con su música. Y como los miembros de Lerdo se autoproclaman “ñoños, piolas y antirockstars”, no tienen reparo en asumir que “nos gustaría ser esa clase de cosas que le gustan a los que no escuchan música y se la pasan jugando en una consola, para que abandonen de una vez a Sonata Arctica y Blind Guardian”.

Ramiroquijano: Término excluido

2012-01-07T19:26:00.001-03:00

¿Otro solista de San Antonio? Sí, por un lado, pero no precisamente...

Las influencias y recuerdos musicales de Jorque Quijada (en adelante, Ramiroquijano) pueden reunirse en tres grupos. Está la herencia A.M. de Nino Bravo, Camilo Sesto y Julio Iglesias; también se apilan los referentes más típicos, léase The Beatles, David Bowie o Radiohead; pero lo más interesante asoma cuando el cantautor sindica a The Flaming Lips, Animal Collective y Arcade Fire como referentes de su música. La necesidad de mencionar tantos nombres surge por algo sencillo: este solista de San Antonio carga un equipaje distinto al de otros compañeros de generación cuyo denominador común es también la guitarra y encarar el escenario sin banda.

Pero Ramiroquijano parece lo que no es, porque suena más parecido a un grupo que al proyecto de una sola persona. “Fue intencional”, señala el propio responsable, “en el momento de definir los arreglos era casi imposible dejar pasar las ideas, existió en un instante una duda en torno a eso, por la forma en que sonaría en vivo, pero a la vez debía ser bien honesto y no porque fuera un disco solista tenía que sonar como tal. Era mi intención 'emular' a una banda, así quedó y estoy muy conforme”.

El primer larga duración de este músico, que declara sentirse “como el término excluido” en el actual panorama de cantautores de San Antonio, se llama “El Lenguaje del Sonido”. Un título con sentido y razón: “Mi guitarra no está en Mi, sino en Sol, esa fue una afinación que encontré yo solo, jugando y probando otras posibilidades sonoras para el instrumento. En el disco existe un afán sónico diferente, pero que a la vez es pop. No hay aires de experimentación o de romper barreras, muy por el contrario. Son temas que difícilmente duran mas de cuatro minutos, no quiebran un universo ya creado, sino que abren una manera de plantearse frente a un mundo que ya tiene de todo, incluso canciones que duran mas de seis horas”, dice, en alusión a una de las últimas aventuras de The Flaming Lips.

Mediante el brillo de varias tonalidades, la carátula del debut de Ramiroquijano anuncia que sus canciones también están llenas de colores. “El Lenguaje del Sonido” es un disco que oxigena y resulta familiar al mismo tiempo, además de estimular la búsqueda de guiños: hay un poco de The Strokes circa “Is This It” espolvoreado en ‘El Velorio de Manuel Gardel’, un tanto de ‘Save Me’ de Aimee Mann en la melodía en ‘Ronda Siniestra’ y algo de ‘Where The Streets Have No Name’ de U2 ronda por el corte que da nombre a la placa. “No fue planeado, simplemente salieron así, me encanta Aimee Mann y también U2, que encuentren similitudes con un par de mis temas es francamente un halago, como debe ser para Chemical Brothers que comparen ‘Let Forever Be’ con ‘Tomorrow Never Knows’ de Los Beatles”.

Ramiroquijano, el término excluido de San Antonio, asegura que no todo para él es desadaptación:“Me identifico con otros músicos como Corderolobo, Javier Barría o Lautaro Rodriguez, quien ofició de productor en mi álbum. En ellos veo una correspondencia, tal vez no sean proyectos parecidos a lo que yo hago, pero aún así siento empatía”. Todos los mencionados por él comparten ese afán de parecer más un grupo que un solista, un deseo que crece y desde el que germina una inquietud: “Tengo la intención de armar una banda pronto, sería lo ideal para así lograr en vivo el sonido que en verdad quiero. Potente, dinámico y envolvente”.

Julia Smith: Flor y nata

2012-01-07T19:24:00.000-03:00

Décadas de música asimiladas por un novel grupo de la Octava Región.

Aunque Julia Smith es un ente joven, fundado el año 2008, dos de los lugares más importantes en su corta historia ya no existen: Sala Dos y El Bar del Frente. Locales que fueron espacio común para músicos y melómanos de Concepción, en los que este cuarteto -cuyos miembros tienen entre 19 y 22 años- pudo encontrarse con la flor y nata del rock penquista, siendo apenas una banda debutante con un EP casero bajo el brazo. “Ahí tuvimos la oportunidad de conocer a varios músicos, para nosotros, grandes de la escena penquista, entre ellos, los hermanos Durán de Los Bunkers y Pedro Araneda (ex Pettinellis)”, comentan.

“Y eso era lo entretenido también. Que, además de la gente viendo, teníamos a músicos de peso, así que hacíamos mejor la pega. Eso fue todo el 2010 y la mitad del 2011, porque la Sala Dos fue vendida y una vez más nos sepultaron un lugar que estaba subiendo mucho la cultura musical de Conce. Antes habían cerrado el Bar del Frente. Es una lata, pero en este tiempo nos hemos dado cuenta de que sí hay mucha gente que apoya todo esto, el problema es que no están los lugares, y cuando los hay y están en su mejor punto, mueren”, se lamentan.

En una de esas noches, parte de Julia Smith llegó como público a un concierto en que tocaban, entre otros, Philipina Bitch y Fedeherratas. En palabras del grupo: “Una de las bandas avisó a última hora que no podía llegar y nos ofrecieron parcharlos. Fue raro porque no andaba el (bajista) Rodrigo con nosotros y no íbamos con la intención de subirnos al escenario, pero accedimos y ahí estaba (Mauricio) Melo en el publico”. El respetado ex guitarrista de Santos Dumont y productor del debut homónimo de Los Bunkers, entre otras credenciales, forma parte del imaginario del rock penquista también por su activo rol en la gestión de tocatas. “Se sentó frente a nosotros, mientras tocábamos improvisadamente. Y nos hacía signos de alabanza”.

Fue así como Melo terminó produciendo “Hagamos las maletas y vámonos del planeta”, el debut de Julia Smith en larga duración. Un álbum en el que también participó activamente (en mezcla y post producción)Yogui Alvarado, el legendario líder de Emociones Clandestinas, a quien el cuarteto conoció en El Bar del Frente. El retoño de estos talentos mancomunados es una placa que acusa influencias de Pink Floyd, Love, The Beach Boys y The Velvet Underground, pero traducidas a través de una metodología que rescata la naturalidad: “Grabamos como en los 60’ o los ’70, con pifias si era necesario. En el fondo es mucho más apreciable, en vivo no suenas perfecto, más de alguna vez se te puede trancar la uñeta o se te puede desafinar un 4to de tono una cuerda. Quedó así como nos sale a nosotros, con nuestras mañas musicales”.

¿Filiación revivalista? “Si hacemos psicodelia es por lo que escuchamos al componer. Y claro, cae en esa etiqueta, pero es algo súper inconsciente, la idea de nosotros no es limitarnos, lo que nos gusta es experimentar y estar cómodos tocando. Al mismo tiempo nos sentimos como en una isla porque lo que hicimos en nuestro primer disco no es muy radial que digamos. Acerca del purismo lisérgico que predomina en su debut y las distancias que una impronta así genera, en los menos iniciados, la banda hace un llamado: “la radio no es todo lo que existe, es muy limitada en verdad, las canciones hay que escucharlas tres veces. Siempre a la tercera vez que la escuchas sabes si te gusta o no. Hay que darle paso a las cosas nuevas, en todo sentido. Cuando el agua se estanca, se pone turbia y, más encima, hedionda”.

Presuntos implicados

2012-01-07T19:20:00.000-03:00

No será un gran negocio el rock chileno, pero su baja rentabilidad ha hecho que se salve de ser privatizado. Es más, salvo ocasionales aportes de marcas de alcohol o ropa –que aportan mercadería usualmente-, en nuestro país no hay capitales de empresas invertidos en ningún tipo de proyecto musical, como sí ocurre todavía en el extranjero. Basta revisar los nominados a los Grammy latinos, o los megaconciertos por los que nuestro país paga muy caro, para sentir el verde aroma de los dólares. La música local, por descarte (y no por alguna consigna barata), es pública. Nos pertenece a todos.

Una proporción cada vez más grande de grupos y solistas regalan su material en línea. Las tocatas, aunque suelen empezar tarde para forzar el consumo de alcohol, no son caras (por tres mil pesos, es posible ver en vivo la solidez de Cómo Asesinar a Felipes o The Ganjas). La oferta es amplia. Hay calidad de sobra. El rock chileno cumple con la mayoría de las acepciones que tiene la palabra “popular”¨: es del pueblo, viene desde él y puede ser costeado por bolsillos menos favorecidos. Su gran vacío está en la falta de reconocimiento del público mayoritario, que no lo integra a sus tradiciones.

El enemigo es un cúmulo de malas costumbres. Una de las peores es la simple falta de cuestionamiento. El mundo es demasiado grande como para que, salvo excepciones que alimentan la regla, sean siempre norteamericanos e ingleses los artistas anglo que conozcamos. Lo mismo pasa con la música en español, porque las potencias regionales también se repiten, siguiendo una línea que no tiene nada de artístico, sino que más tiende a premiar a los mismos de siempre. A los que ni siquiera necesitan de un país como Chile para seguir existiendo. ¿Acaso alguien podría creer en serio que de verdad todo el talento se concentra en las grandes economías mundiales y en los mercados discográficos más robustos? Creer eso es partir con el pie izquierdo, apoyarnos en una premisa absurda.

Hay suficiente genuflexión hacia algunas culturas foráneas como para, más encima, entregar nuestras orejas. Escuchar lo que ocurre en nuestro país es consumir contracultura de generación espontánea. Es una forma de rebelarse. La resistencia parte en casa y se fortalece por el análisis grupal de las desventajas del ambiente discográfico patrio, enfocado en cómo vencerlas limpiamente. En el debut de esta columna, hace algunos meses, usamos la figura del baterista Iván Molina (Emociones Clandestinas, Santos Dumont, Philipina Bitch y un largo etcétera) y sus tres décadas de carrera para graficar lo pequeño que es Chile y lo fácil que es toparse con músicos en el camino. Pueblo chico, infierno grande: así se llama el problema. Pero la moneda tiene cara y sello: la pequeñez del circuito sonoro chileno también ofrece una ventana.

De tanto compartir escenarios, productores, fichajes y esfuerzos en general, varios sellos independientes nacionales, en su rol de entes de la resistencia, decidieron oficializar su acción conjunta, unidos bajo el nombre IMI (Industria Musical Independiente). Los involucrados son Algorecords, Quemasucabeza, Potoco Discos, Cazador, Discos Tue-Tue y Discos Río Bueno. Seis nombres que podrían ser los presuntos implicados del mayor complot contra la abulia, frente a la nueva música chilena, que se recuerde en los últimos 10 años. Un golpe necesario. Se mantiene la autonomía de cada etiqueta, pero nace una instancia para la coordinación entre ellas, en la que destaca como una de las ideas más inteligentes en la corta historia de estas pequeñas compañías. Ya lo dijo Pink Floyd en ‘Hey You’: “juntos, seguimos en pie; divididos, nos caemos”.

Quemasucabeza: Carrera de éxitos

2012-01-07T19:16:00.000-03:00

Dos compañeros de colegio tenían un fanzine que se llamaba Neutral. Corrían esos ’90 en que aún el e-mail no figuraba en la lista de opciones y la oficina de correos era su única alternativa para conseguir material de los grupos que les interesaban, como Mosquito, uno de los proyectos paralelos de Steve Shelley, el baterista de Sonic Youth. Los colegiales amigos le escribieron al sello que editaba a la banda y la respuesta obtenida fue una postal que, en un español tarzanesco, decía “FUMAMOS! QUEMA SU CABEZA!”.

Eran Rodrigo Santis y Walter Roblero, dos de los futuros integrantes de Congelador, que años después usaron el nombre Quemasucabeza para bautizar la pequeña disquera independiente que fundaron. Con un álbum homónimo, lanzado en 1998, el trío inauguró un catálogo que hoy comprende 29 títulos y que nunca ha perdido las ganas de proponer. Emblemas del calibre de Pánico, Mostro y Familea Miranda confían sus álbumes en las manos de esta etiqueta, desde la que en 2005 emergió Gepe con una de las obras cumbre del cancionero nacional contemporáneo: su debut en largaduración, “Gepinto”.

Lo que, en un comienzo, fue una aventura iniciada gracias a una línea de crédito y la ayuda de amigos, en este momento es un referente básico de la autonomía artística en nuestro país. Pionera por atreverse a existir, cuando todavía era extraño hablar de independencia, la compañía apostó además por el rubro de la producción. Sus logros en ese ámbito incluyen las salidas al extranjero de Congelador, Gepe, Fernando Milagros y Pedropiedra, entre otros créditos locales; así como las venidas a Chile de los baluartes extranjeros Bill Callahan y Damo Suzuki. En ese cambalache de talentos, el inventario de Quemasucabeza se ha engalanado con solistas y grupos internacionales: el argentino Félix, los holandeses Mist y el propio Suzuki (junto a Congelador, en un disco en vivo que retrata su show conjunto) también son parte de su listado de álbumes.

Eso sí, la especialidad de la casa es la música nacional, cuyos signos vitales han sido leídos con claridad por el sello. En 2005, el compilado “Panorama Neutral” juntó en un mismo sitio a buena parte del talento subterráneo de aquel entonces, para luego exportarlo y distribuirlo en Japón, Europa, Estados Unidos y Argentina. Un año después, Javiera Mena con el álbum “Esquemas Juveniles” se transformó en el siguiente acierto de la disquera, que en 2009 volvió a dar en el clavo fichando a Chinoy, quien ya era un comentadísimo fenómeno que llenaba a tope todas sus presentaciones en vivo.

Este año encuentra a Quemasucabeza embarcado, una vez más, en tomarle el pulso a la contingencia en cuanto a la distribución y difusión de su catálogo. Los últimos estrenos de la compañía han estado disponibles gratuitamente en su sitio, mientras en el plano físico existen en vinilo, formato revitalizado en que ahora es posible encontrar las más recientes obras de Gepe, Caravana (suerte de superbanda liderada por Rodrigo Santis), Pedropiedra y Mostro. “San Sebastián”, la tercera entrega de Fernando Milagros, es el nuevo sabor en el menú de este mes. Un festín para el paladar.

Vicios y virtudes: Herencias de los ’90 en el rock chileno de hoy

2012-01-07T19:12:00.000-03:00

Pánico y Fiskales Ad-Hok estaban en sellos multinacionales. Los Tres tocaban cuecas en MTV. Un recital de De Kiruza era parte de la teleserie “Adrenalina”. Los Tetas y Joe Vasconcellos vendían decenas de miles de discos. Jorge Rencoret entrevistaba a Christianes en el matinal de Chilevisión. Eran los ‘90, una década en que el mapa musical chileno mostraba un trazado geográfico muy distinto al actual, en que algunos territorios ya colonizados solían ser vírgenes y viceversa.

El fichaje de bandas patrias en grandes compañías, encabezado por Carlos Fonseca (con el proyecto de “Nuevo Rock Chileno” de EMI), es el hito más recordado de la época. Pero, como en toda historia mal documentada, sobra la mitificación. “Lo que pasó es la mejor metáfora de lo que fue el rock chileno de los noventa. Un momento en que se le puso mucha plata a cierta cantidad de artistas y en que se aplicó la lógica del mercado. La ley del más fuerte. Lanzar diez tortugas a la arena, a ver cuál llega al mar. A los más exitosos, los ayudaron para que les fuera mejor, para que explotaran. La palabra ‘explotar’ era muy recurrente”, explica el periodista Felipe Arratia, quien acumula más de 70 entrevistas a personajes clave de los ’90, para una futura publicación.

Los vicios y virtudes que dejó la década son evaluados hoy con la distancia del tiempo, aunque todavía con discrepancias. Alejandro Gómez, líder del disuelto grupo Solar y hoy en Alamedas, dice que “ahora hay muchas más malas costumbres que antes. Y si perduran hasta hoy es porque han proliferado. Los vulgares tratos en los locales nocturnos, los periodistas de espectáculos, los directores de radios: esos son los mañosos”. En la vereda opuesta, el guitarrista y productor Mauricio Melo, ex Santos Dumont, reflexiona: “No creo que se hayan heredado mayores males, más bien, creo que el rock actual aprendió a desarrollarse en un medio bastante adverso y dinámico. Un buen legado de los ‘90 fue la profesionalización en el sentido sonoro, estético, escénico y ejecutivo. Gracias a la autogestión, se vive uno de los momentos más fructíferos en la historia del rock chileno”.

“Los vicios que perduran están focalizados más en un tipo de músico de la vieja escuela, ése que espera que el sello le solucione la vida, que le haga la promo en radios, lo ‘lance’ al mercado y le conduzca la vida. Esa realidad, al menos en Chile, nunca fue más que un mito; o no se hacía o se hacía pésimo. Hoy, los más lúcidos se han dado cuenta de que la autogestión es parte del modelo que deben seguir”, concuerda Cristián Heyne (Christianes, Shogún). Para Felipe Arratia, “el primer vicio es evidentemente la flojera. La flojera de los ‘90 fue construida por una estructura que, al desaparecer, obligó a los músicos a tomar la iniciativa, cuando antes sentían que sólo tenían que dedicarse a tocar y ser ‘súper artistas’”.

“Hoy se sabe, a ciencia cierta, que fichar con un sello multinacional no es garantía ni consolidación de nada, y que se puede autogestionar una carrera con mejores resultados”, aporta el periodista Cristian Araya de Super45 y Radio Duna (y parte de Extravaganza! en su encarnación original). Con menos presupuesto que antes, las bandas y solistas han tenido que encarar desde sus computadores la difusión de su labor. Al respecto, Carlos Vargas (ex Yupisatam y actual solista bajo el nombre Corderolobo), piensa que “en los ’90, ellos (los músicos de los sellos grandes) eran rockstars, había menos bandas y menos comunicación. Esta distancia hacía que ellos se posicionaran en el inconsciente colectivo como algo más grande, a nivel de percepción. Hoy, con las redes sociales tú ves que todos conversan con todos, las relaciones se hacen más humanas. Y quizás ahí desaparece un poco eso del ‘rockstar de película’. Pero siempre fue un error poner las metas o proyecciones en los medios de comunicación, porque desenfoca y no lleva a nada. A ellos no les importa lo que hacemos. Si les somos útiles, bienvenido sea, pero ésa es una industria, hay que entenderla así”.

Según Araya, aún persiste “el creerse estrella o alguien ‘importante’ por tener algo de prensa favorable o un grupo de amigotes que hacen ‘el aguante’. El reconocimiento de la prensa es apenas el primer eslabón de una carrera y debería ser considerado más bien una anomalía. Esto va de la mano con la autocomplacencia, el mayor de todos los males de las bandas nuevas y no tanto”. Un punto sobre el que existe consenso. El mal endémico del rock chileno es el estancamiento, ya sea para Felipe Arratia (“hay algo en el ADN del músico chileno que tiene que ver con la poca constancia, la poca capacidad de levantarse y sobreponerse al éxito y al fracaso”) o Cristián Heyne (“algunas bandas siguen sin preocuparse de tener un show en el escenario, una narración visual que entretenga, que no de pena”).

En cuanto a las enseñanzas que dejaron los ’90, y que –por la razón o la fuerza- se transformaron en virtudes del circuito local, Iván Molina (ex Santos Dumont) apunta que “ya no existe ese factor amateur, ni la poca solidaridad o lo sectorizado que era el rock chileno de esos años, cuando no había mucha colaboración ni respeto de los unos con los otros. Al menos en el movimiento santiaguino actual. En mi experiencia, la provincia está más pegada con eso todavía, con rencillas, algo de envidia y la autocomplacencia”. En su rol de productor, Heyne reconoce la falta de preparación de antaño recordando que “en esa época, algunas personas ni siquiera sabían lo que era masterizar un disco, creo que es obvio que hubo un paso que se dio entonces. Hoy, a pesar de que todo se hace desde la independencia, esta mejora se demuestra en procesos técnicos”.

La década que partió con Sexual Democracia en la cúspide, y acabó con Los Tres a punto de colapsar, espera con calma su revival. Por ahora, queda desclasificarla sin caer en idealizaciones, porque el romanticismo por el pasado hará su trabajo. Si vamos a sentir añoranza por el sonido chileno de los ’90, que sea porque en esos años se forjó lo que tenemos ahora: un mapa lleno de posibilidades, donde quedan muchos caminos por conocer y se puede aprender de los viajes efectuados por antiguos exploradores. En el mejor de los casos, será una travesía conjunta. Como concluye Felipe Arratia, “este es el momento en que los músicos chilenos han estado más hermanados en la historia, se invitan a tocatas, a colaborar. Generan una interacción que no existía antes, que les permite relacionarse en niveles comerciales, estructurales y artísticos. Siempre habrán rivalidades, porque hablar de artistas es hablar de ego, pero ese ego está bajo control”.

La Big Rabia: Rápidos y furiosos

2012-01-07T19:09:00.000-03:00

Con letras que alegan por la injusticia social y por las mujeres desalmadas, nace La Big Rabia, proyecto sintomático de un momento en que pareciera que la única forma de hacerse escuchar en Chile es gritando.

Desde que Sebastián Orellana, la mitad de Philipina Bitch, conoció al baterista Iván Molina (quien se integró al dúo penquista como invitado estable en 2009), la idea de armar otro grupo empezó a dar vueltas entre ambos. La concreción del anhelo llegó tras viajar al festival español Primavera Sound, como parte de la banda de Fernando Milagros, donde presenciaron en vivo a Jon Spencer, PJ Harvey, Grinderman y Einstürzende Neubauten. “Nos motivamos ene después de verlos, fue una patada en la cabeza”, reconocen. Así nació La Big Rabia, una vía de evacuación para inquietudes que iban más allá de sólo tocar juntos. “Los dos hemos sido golpeados por la vida, así que la música es el camino que elegimos para desmarcarnos de todo eso”.

“La Bestia” se llama la primera entrega de esta pareja dispareja: Orellana tiene 22 años; Molina, 43. Para el mayor “tocar con pendejos, en alguna medida, era un conflicto, pero lo superé cuando nos fuimos a España. Ahí me di cuenta de que la gente no tenía problema con el tema de la edad, de hecho, en la música se notaba la madurez y la experiencia, y eso le daba un peso que el público valoraba”. Su compañero, apodado “pequeño gigante” por Fernando Milagros, es uno de esos tipos jóvenes que aparentan ser mucho más adultos. De la química entre ambos, salen canciones que reclaman contra la sociedad y las mujeres, dos semillas de quebranto que germinan sin discriminar fecha de nacimiento. La rabia, por supuesto, es el eje.

Sebastián Orellana, guitarra y voz cantante del dúo, afirma que estos nuevos temas “son una catarsis en todo sentido. Cuando uno hace música, quiere expresar lo que le pasa adentro y La Big Rabia logra eso. Está en el disco y la gente que nos ha visto en vivo lo ha percibido. Las primeras veces tocábamos tan rápido, que no se cachaba mucho al final”. Tras percatarse del detalle, mediante Álvaro Gómez (de Perrosky, los productores de “La Bestia” junto a Felipe Ruz, el otro miembro de Philipina Bitch), una leve baja en los decibeles llegó de la mano del deseo por comunicar su mensaje, que ellos mismos definen como “elocuente, claro y transparente” en ‘Nuevo Discurso Rabioso’, la pista que abre la edición en formato físico de su debut (disponible gratis en la web del sello Algo Records, aunque en una versión abreviada) y que inaugura sus conciertos.

“Antes pensaba que la música debía tener un mensaje poético y que había que decir las cosas de modo que fuera necesario descubrir e interpretar para comprenderlas”, cuenta Iván Molina, “pero de repente generé mucha rabia en mi vida, así que dije basta. Ahora lo encuentro cobarde, creo que hay que soltar lo que uno piensa tal cual. En eso estamos muy a tono, tratando de soltar ideas. Nada de sutilezas, nada de darle vueltas. Yo no soy compositor, pero me identifico mucho con lo que escribe Seba”. El vocalista, a quien le gritaban “¡buena, Sandro!” por su estilo en una tocata en Valdivia, asegura que “las letras son la mejor vía de escape, porque es penca que salga la mala onda con tu pareja, con tu familia o con uno mismo. Voy a terminar escribiendo así siempre, simple y fácil de entender”. Ya lo cantó Silvio Rodríguez: “la rabia es mi vocación”.

Fernando Milagros: Ciencia ficción

2012-01-07T19:07:00.001-03:00

Mientras “San Sebastián” asoma como candidato a disco chileno del año, Fernando Milagros, uno de los números nacionales del próximo Lollapalooza, nos habla acerca de superar el pasado y también ahonda en el arsenal de fijaciones que inspiraron su alabado último álbum.

Un disco casero (“Vacaciones en el patio de mi casa”), otro grabado con amigos (“Por su atención, gracias”) y un CD en vivo en edición de batalla (“En Estudio Elefante”). En el transcurso de cuatro años, Fernando Milagros estuvo lanzando música prolíficamente, pero aún le faltaba un trabajo consagratorio al que aferrarse, una copa de oro en la vitrina de trofeos. Ese álbum llegaría luego de una serie de eventos que, para el cantautor, tuvieron sentido entre sí: ver la película post apocalíptica “The Road” y la serie “The Walking Dead", pasar el terremoto del 27 de febrero de 2010 en Bar Loreto y acudir al productor Cristián Heyne son algunos de los más significativos. El desenlace de esos nudos –y otros más- es “San Sebastián”, la nueva entrega del solista.

Atrás quedaron los aires que soplaban en la sencillez de canciones como ‘Reina Japonesa’ o ‘Avenida Perú’. La última apuesta de Milagros se desmarca de lo hecho previamente por él. “No suena parecido a tantas cosas. Yo no he escuchado algo como “San Sebastián” antes, igual de poco definible. Por eso es fácil inventarle definiciones”, afirma el músico. Sentado en el living de su departamento, entre vinilos y algunas cervezas, bromea con términos ficticios como “post-folk” o “folk de ciencia ficción” para referirse a su reciente trabajo. “Es que no hay nada peor que la etiqueta ‘pop-rock’. ¿Te has fijado en que a casi todos los grupos chilenos los ponen en esa categoría? Prefiero ser como Astro, que inventaron su propio género, ‘sonido espacial’”.

La necesidad de diferenciarse de otros cantautores, más ligados a lo tradicional, ha sido una constante para Fernando Milagros desde sus inicios. “Yo nunca he sido de fogata. Cuando me pasaban la guitarra, terminaban quitándomela porque no tocaba nada famoso para cantar. Las bandas que escuché y me abrieron la cabeza tienen que ver más con el ambiente, el espacio y la emoción pura, sin letras. Pienso en Mogwai, Trans Am, Don Caballero”. Nada grafica mejor las influencias del solista que enfrentarlas a referentes más clásicos, como Violeta Parra, a quien tributó con ‘Una copla me ha cantado’ dentro de una serie de covers hecha para promocionar la exitosa “Violeta se fue a los cielos” (disponibles en la cuenta de YouTube del sitio web La Vitrola). Mientras la mayoría de sus contemporáneos se apegaban a las versiones originales, Milagros fue el único –junto a Javier Barría- que se salió de libreto y aportó de su propia cosecha al revisitar un clásico de la folclorista. “Admiro esa raíz, pero eso no quiere decir que tenga que repetirla o calcarla, porque nunca la voy a superar o igualar, es imposible tocar los temas de otra persona y que te salgan idénticos. No me conformo con hacer lo mismo que el resto, porque creo que todo puede ser superado”.

Junto al deseo de quebrar los convencionalismos, en el cantautor hay suficiente claridad como para saber que tampoco está inventando la rueda.“Yo creo en el cliché de que las canciones están todas en el aire, como decía Keith Richards. Si sólo hay doce notas musicales y las configuraciones no son tantas, entonces las ideas están todas ahí. Hay que ser como una radio, agarrar esas ideas y pasarlas por tu filtro, por tu frecuencia. ‘San Sebastián’ tiene melodías atávicas, que ya existen. Está lleno de eso, casi tribal, aunque sea a primera vista más oscuro y viscoso, pero se te hace familiar después porque viene de un lugar que todos conocemos”.

“Me interesa crear atmósferas, generar estados, describir paisajes o contar historias”, explica Fernando Milagros. En “San Sebastián”, el hablante que narra las canciones vive una epopeya en la que transita por reinos, pastizales y ríos; en letras abiertas a la interpretación como nunca antes en la carrera del solista, aunque las palabras escogidas para armar el relato instalan un tono coherente a lo largo del álbum. “Quería que fuera épico. El tema que más está presente, independiente de la forma de la canción, es el abandono. De todo tipo: amoroso, familiar, espiritual. Esa idea permanece, van cambiando los temas. No hay nada tan pop como ‘te amo’ o ‘tú me dejaste’ en este disco. Sólo pasó, no fue planeado”.

De talismanes, piedras angulares y hasta de mitología popular centroamericana versan las flamantes composiciones que el cantautor está presentando.“Escribo traducciones de conceptos en los que pienso todo el día. Yo me pego con el post apocalipsis y el personaje de Viggo Mortensen en ‘The Road’, y también con ‘The Walking Dead’ y las visiones del fin del mundo en que no hay nada para comer. O acordándome de mi propia experiencia en el terremoto, esa sensación de que todo se había echado a perder. Uno recurre al cajón que tiene más cerca, a uno mismo. Siempre ha existido en mí cierto placer ante el caos, ante la debacle. Cuando chico, recuerdo que con unos amigos nos poníamos a leer La Biblia, el Apocalipsis de Juan, para que nos diera miedo”.

Para estampar semejante arsenal de fijaciones, Milagros tuvo que recurrir a un elenco de primera línea. Entre los invitados de “San Sebastián” desfilan la española Christina Rosenvinge (conocida en los ’90 como la líder de Christina y los Subterráneos), el dúo penquista Philipina Bitch, Gepe y Rodrigo Santis de Congelador. “Antes pensaba que era más entretenido tocar con mis cercanos que con músicos profesionales, pero ya no, ahora pienso diferente. Después de vivir la experiencia de trabajar con personas talentosas, me di cuenta de que las cosas avanzan solas y se demoran menos. He evaluado lo que puedo hacer, lo veo reflejado en los demás. Tengo un rango, una visión de lo que estoy llevando a cabo. Siento menos ansiedad ahora que pasé los 30. Me tiro a la piscina porque conozco sus medidas, sé cuánto vuelo tomar, y además puedo nadar”.

Jiminelson: Por ancho camino

2012-01-07T19:05:00.000-03:00

Jiminelson no pide permiso, ni entra por la puerta chica. Su próximo disco, producido por Pedropiedra, será presentado en sociedad el próximo año con un show en Lollapalooza, ni más ni menos. Conversamos con el cantante y guitarrista Gustavo León, recién llegado de Norteamérica, sobre el auspicioso futuro que lo espera.

De placer y de negocios. Así fue el viaje de Jiminelson por México y Estados Unidos. En el camino, Gustavo León (el único miembro estable del proyecto), firmó un trato de Publishing con la casa editorial de Warner, pero también aprovechó para tocar. “Tuve la suerte de tocar con una banda gringa antigua, que se llama Constant Vigil, de puros señores de 50. Con ellos viajé y dimos cinco conciertos entre St. Petersburg, Sarasota y Virginia. Fue una experiencia relacionada al oficio. También me confirmó muchas cosas, fue un viaje largo, de un mes entero. Volví alegre y con más ganas. Fue muy lindo. También hice otras cosas. Un día manejé cinco horas enteras para juntarme con Jorge González y Pedropiedra en Miami. Sublime. Para un músico, o alguien que quiere dedicarse a grabar discos, no deja de ser algo importante. Yo creo que, a lo largo de los años, este primer viaje va a ser clave”.

Después del lanzamiento de “Serendipity Vol. 1” (2010), su tercer disco, quedó la impresión de que Jiminelson iniciaría una saga y que el siguiente álbum sería el otro tomo de la colección. Pero no será así. Lo nuevo del cantante y guitarrista se llama “”SUPREME” Love Themes”, un título que recuerda al mítico “A Love Supreme” de John Coltrane. Para su autor, la continuidad entre ambas obras existe, pero no es tan literal como para retomar un concepto que ya no lo identifica. “Sin duda es la continuación de una obra, sólo que no se llama igual porque esa época se fue. “Serendipity” es el pasado, un proceso mucho más largo, y no me gustaría redundar en eso. Lo que viene ahora es distinto, tiene que ver con lo que está sucediendo justo en este momento. “”SUPREME” Love Themes” está relacionado con el futuro”.

El 2012 augura buenas noticias para Jiminelson. Poco después de editar su cuarta placa, programada para el mes de marzo, el proyecto se presentará en el festival Lollapalooza como parte del cartel nacional del evento. “Hay hartas ganas de salir a tocar. Es un reconocimiento ser considerado en algo tan bacán. Siempre que hemos tocado en escenarios grandes ha sido único, así que Lollapalooza será especial. Haremos en vivo lo mismo que está en los discos, vamos a ir con sección de bronces y coristas. El nuestro debe ser uno de los staffs chilenos más grandes. Además, nos trataron bien, nadie nos dijo ‘oye, tienen sólo 20 minutos para estar en el escenario’”, afirma Gustavo León, llevándole las frecuentes quejas de músicos locales por el trato que reciben, cuando participan en megaeventos, de parte de las productoras.

“Hay gente que está igual de contenta que nosotros por nuestra presencia en el festival. Ese sentimiento es lo más noble, muchos se alegraron realmente. Sentir eso por otra persona es una forma bacán de vivir. Para mí, el concierto en Lollapalooza será una celebración con esas personas”. Siete años de carrera coronados por un álbum y un show en vivo. Tras declarar varias veces que no lograba sentirse cómodo trabajando en estudio, Gustavo León encontró al socio que le hacía falta: Pedropiedra. El solista -colaborador de Rodrigo Santis en Caravana, de Gepe y de Jorge González- fue el encargado de producir ““SUPREME” Love Themes” en su propia casa, donde también se registró el material que compone el disco, cuyo primer single (‘We Never Kissed Goodbye’) está disponible en línea.

“Grabar es un ejercicio que dista mucho de lo que es tocar en vivo, o de crear música. Grabar es como ir a la notaría. Para mí, nunca ha sido un arte en sí mismo el hecho de meterse a trabajar en un estudio. El arte viene antes o después, grabar es más circunstancial. No me tomo tanto tiempo en hacerlo, prefiero hacer otras cosas”, declara el rostro visible de Jiminelson, una banda que partió con la crudeza de “Yo, Jiminelson” en 2005 –grabado en formato de dúo entre batería y guitarra- y hoy usa máquinas en sus nuevos temas. “Usamos otros elementos, eso de principio hace que sea todo distinto. Fue más espontáneo que cualquier otro disco, pesqué cosas que antes pasaba por alto. Le hice caso a las señales que recibía. Escribí canciones sobre cosas muy pequeñas, sobre asuntos que quizás a nadie le pueden importar, porque creo que al final estamos hechos de esas cosas diminutas. No busco generalizar, sino situarme en lo particular, así que se me hizo muy personal”.

“Trabajar con Pedropiedra fue encontrarle el ajuste a esas diferencias, darme cuenta de que era posible lograr lo que yo me imaginaba. No me deja de sorprender, creo que es uno de los mejores productores que hay. Me escribió por MySpace diciéndome que le gustaba mi trabajo. Nos conocimos en conciertos. Escuchar su primer disco, mientras estuve en Buenos Aires, fue una de las cosas más alegres que me pasaron en Argentina. Es una persona súper amable, es casi imposible no hacerse amigo de él. Coincidimos finalmente ahora, en parte por mi interés en contar con su talento y por la buena relación que teníamos.”, asegura León, quien no escatima elogios para su asesor y los frutos nacidos de su unión con él. “Es un lujo trabajar así, con fluidez y simplicidad, sin darse 10 vueltas cuando te puedes dar cinco. Tenemos muchas cosas en común y una de ellas es ésa, traspasar el momento con la menor cantidad de histeria y urgencia, que lo único que hacen es afectar el material. En este caso, lo hicimos muy fluidamente, vivimos a dos casas de distancia. Ha sido una de las veces en que más cómodo me he sentido trabajando. Se escucha una buena intención, una liviandad en el ambiente. Apenas sacamos el primer single, la gente empezó a responder sin siquiera tener el disco. De verdad funciona”.

Colombina Parra - Flores como gatos

2012-01-07T19:04:00.002-03:00

inguna de estas canciones iba a ver la luz. Nunca. Por eso es que adentrarse en Flores como gatos, a veces, puede ser un ejercicio al límite del pudor. Cuando Colombina Parra finalmente se decidió a lanzar este disco, ayudada por su pareja, Hernán Edwards (el guitarrista del grupo Los Ex!), tomó todos sus temas y armó dos grupos: los publicables y los que resultaban demasiado indiscretos. Y aunque en este disco quedaron las canciones de letras menos reveladoras, es casi imposible no sentirse como intruso al escuchar algo tan íntimo como “así que no fuiste tú la que quiso separarse”, fragmento de ‘Vamos a almorzar’, en que la -ahora solista- cantante le habla a su madre.

A un millón de años luz de ese personaje furioso y agrio que lidera Los Ex!, Colombina Parra se muestra en su primer álbum tan frágil, tierna y femenina como puede resultar una mujer embarazada. Todo el material que integra esta placa de ocho cortes fue grabado por la santiaguina en Las Cruces, mientras esperaba a su segunda hija. He ahí el dato clave para comprender el súbito cambio anímico de esta obra, respecto a las anteriores producciones de su autora, quien canjeó la guitarra eléctrica por la acústica con resultados más que saludables. Claro que, en el rubro de las seis cuerdas, el apoyo de su hermano, Barraco Parra, fue tan grande que en algún momento este disco iba a llamarse “Colombina y Barraco”.

En Flores como gatos, la cantante hace el mayor acercamiento de toda su carrera a ese sonido que uno identifica con su estirpe. Los Parra son una familia con un estilo musical propio, del que antes Colombina se desmarcaba mediante las pataletas rockeras de su banda; una impronta que ahora es abrazada por la hija de Nicanor en canciones con elementos de ese jazz guachaca que sólo se aprende cerca del fallecido Roberto Parra (como ‘Rompecabezas’, ‘Berlines para los dos’, o la que da nombre al disco). La cualidad artesanal de este registro, capturado en grabadora portátil, vigoriza la sensación de estar ante un documento privado, lo que ocurre especialmente con ‘Mi casa ideal’. Una canción que, para aderezar, habla sobre un día mundano en que “Hernán está barriendo el techo de todas las hojas que cayeron del invierno” y “Tololo (su hijo) acaba de llegar de su segundo día con un amigo del colegio”.

Es como estar ahí, de cuerpo presente, presenciando cada escena que la voz de Colombina Parra nos va narrando. O le va narrando a su vientre, en realidad. Todo está descrito con un candor y una sencillez que, apreciada desde el cinismo, podría pecar de burda, pero que no es más que la verdad desnuda. Algo similar a lo ocurrido recientemente con Rodrigo Santis en su proyecto Caravana, en que se despojó de todos los ropajes de Congelador para simplificar su mensaje y hacerlo accesible hasta para un niño (la paternidad también jugó un rol en aquella mutación). Tamaño acto de desprendimiento es suficiente para teñir los escasos, pero precisos, 25 minutos de música que contiene Flores como gatos, una obra cuyo encanto reposa en la universal belleza del arte que nace desde la honestidad.

Alpuritano - Antología 1994 - 2004

2012-01-07T19:02:00.000-03:00

Aunque parezca lo contrario, nunca es un desperdicio establecer una carrera musical de bajo perfil mediático, grabar discos y dar conciertos para un nicho pequeño, hasta desaparecer en acción. Al menos queda el testimonio, los documentos que podrán ser desempolvados para su uso posterior. El problema, cuando se trata de rock chileno, es que los arqueólogos son pocos y todo registro histórico parece estar supeditado a la disposición de compartir que tenga esta elite.

Por eso la mera existencia de un compendio como “Antología 1994 – 2004” de Alpuritano es plausible. Porque soluciona un problema. Sólo por registrar la década que duró el cuarteto viñamarino, que hizo del punk rock su principal emblema, este disco aparecido el año pasado constituye un testimonio digno de cualquier biblioteca fonográfica nacional. En 22 canciones, la retrospectiva condensa los tres lanzamientos oficiales del grupo (Gritando en Vano, Vecinos EP y Póstumo) en versiones remasterizadas.

Pero eso es en términos fríos, datos duros, hechos. En realidad, lo que esta colección comprende va más allá de lo que se puede capturar en palabras de afán enciclopédico. Quienes no tuvieron la suerte de conocer a la banda van a encontrarse con algo inolvidable: la clase de animal mitológico que despierta, arrasa con todo a su paso y se esfuma para dar paso al culto, al enviciamiento en torno a su figura.

El magnetismo que emana Alpuritano tiene vida propia; una suerte de autonomía que supera el encanto propio de los hallazgos melómanos, con los que se suele empatizar –hasta considerarlas venerables, en algunos casos- sólo por su carácter oscurantista de curiosidad. “Antología 1994 – 2004” aprueba con creces el escrutinio más estricto y desquerido, a través de argumentos de peso, es decir, netamente musicales. Cada nota ejecutada, cada palabra dicha, se defienden solas.

Por supuesto, el disco también cumple con la función de una clase de historia, lección más que necesaria en tiempos en que se opina de forma compulsiva y ligera sobre música, ya sea chilena o extranjera. Y claro que ese factor aumenta el encanto de sus canciones (un tema como ‘Al servicio ni cagando’ gana puntos cuando sabes que lo tocaron cuatro adolescentes que, sin reparos, podrían haber sido tus amigos del barrio), pero de ninguna manera es necesaria tanta investigación para darse cuenta de que ‘Jamás lo vi’, en un contexto radial, es la pegada perfecta con algún single célebre de Fiskales Ad-Hok. Es que Alpuritano estaba a la par con cualquier tótem.

Para una banda de este calibre, las reivindicaciones siempre están a la vuelta de la esquina. Ya hubo una, en su reunión para dar un show único el año pasado, pero “Antología 1994 – 2004” (y el resto de su discografía, liberada gratuitamente en Facebook) augura y facilita todavía otros pequeños grandes triunfos, los inconmesurables. Esos que ocurren cuando alguien descubre en la intimidad de sus audífonos que, durante una década completa, Chile albergó a una de las bandas más entrañables del punk rock en español.

Voodoo Zombie - Santa muerte

2012-01-07T19:01:00.000-03:00

Si una banda puede tomar dos temas clásicos del repertorio musical popular, descontextualizarlos por completo y apropiarse con autoridad de ellos, quiere decir que su trabajo está bien encauzado. El cuarteto Voodoo Zombie puede jactarse de que su nuevo disco tiene un cover de ‘Paramar’ de Los Prisioneros y otro de ‘These Boots Are Made For Walkin’ de Nancy Sinatra perfectamente acoplados a los conceptos perniciosos que exploran los temas de su propia autoría.

Comprendemos Santa Muerte, el segundo álbum de los nacionales, como la expansión de las virtudes mostradas por el conjunto en su debut homónimo de 2008, gracias al sabio aprovechamiento de las ventajas a mano: ser uno de los pocos cultores del psychobilly en Chile (todo un plus en cuanto a sumar atractivo) y tener a cargo de la producción a Jorge Esteban, un personaje cuyo currículum incluye a los mismísimos The Ramones. Así suman cuotas de originalidad, al menos en el ámbito criollo, que se complementan con una excelente asesoría.

Lo que en papel parece bien, a través de los parlantes resulta todavía mejor. Cuando el estándar internacional es la quimera de decenas de bandas chilenas, para Voodoo Zombie ya es una realidad y notarlo es un placer, por ejemplo, en el golpeteo de las cuerdas del contrabajo a la madera del instrumento, que destaca en la mezcla del disco, dándole nobleza y veracidad al registro. En vez de dedicarse a llenar de detalles e ideas el larga duración, el cuarteto opta por sacarle brillo a cada uno de sus movimientos bajo la premisa de que menos es más.

Inspirado en La Santa Muerte, una deidad cuyo culto está prohibido por la Iglesia Católica, el nuevo disco de los –en aquel entonces- liderados por Katona Katrina (quien recientemente comunicó su alejamiento) se sumerge sin miramientos en la lobreguez para explorar temas tan sórdidos como el cine snuff (que consiste en grabar asesinatos reales) en el potencial single ‘Video Snuff’, o la pérdida de fe en el mundo mediante ‘Pacto con Satanás’, cuyo coro dice: “el infierno nunca estuvo abajo, el mal está acá”. Una frase que se acopla a la perfección con lo que muestran los noticiarios de las nueve de la noche, sin ir más lejos.

Escondido en un manto de juegos, yace un grupo con dobles lecturas que enriquecen lo que -de otra forma- podría ser una impronta demasiado plana y trillada. No hay que hacerle caso al maquillaje y a los ingredientes lúdicos: cuando Voodoo Zombie abre la boca, es para hablar en serio. Aunque parezca lo contrario.

The Ganjas - Resistance

2012-01-07T19:00:00.002-03:00

Hay productores y productores. Algunos más invasivos que otros, a veces contratados con la misión de inyectar su personalidad en los artistas que asesoran y en algunos casos, llamados sólo para mover perillas. Jack Endino tiene el mérito de aprender el lenguaje del grupo con el que trabaja y pulirlo para que sea más legible. “Resistance”, la quinta obra en estudio de The Ganjas, posee el sello de calidad del estadounidense sindicado como piedra fundacional del grunge, pero no abusa de los trucos que puedan salir de su sombrero de mago.

Con nueve años de trabajo discográfico, explorando una riquísima paleta sonora, la banda santiaguina no necesitaba instrucciones sobre qué y cómo tocar, sino una depuración de lo que venía incubando desde su ya lejano debut homónimo, próximo a cumplir una década. “Loose” (2009) y en menor medida “Daybreak” (2007), las entregas previas del cuarteto, advertían que sus autores querían mantener un sesgo más definido, deseo por fin concretado en este nuevo elepé.

The Ganjas es una banda en constante búsqueda, todos sus discos lo denotan a través de cambios en la formación (alguna vez tuvieron como miembro estable al tecladista Luis Felipe Sepúlveda, por ejemplo), o la puesta a prueba de recursos como el reggae (olvidado en la superficie de este “Resistance”, aunque se nota en la escuela del bajista Rafael “Pape” Astaburuaga) o cantar en español (otra costumbre que se perdió en el camino). Sin embargo, los elementos definitorios de la impronta de los capitalinos permanecen incólumes en su último álbum, a saber, su gusto por el letargo y el tratamiento -cada vez más detallista- de guitarras que siempre están buscando llenar espacios.

Y si de sonar grandes –en el sentido literal de la palabra- se trata, el nuevo vástago del grupo brilla como nunca, al ser concebido como un trabajo para formato vinilo, sin las limitaciones que implica el registro comprimido digitalmente. Todo se trata de fidelidad: hacia los viejos long plays de los que el cuarteto se declara fan, hacia sí mismos y hacia su show en vivo (todos los instrumentos fueron grabados de manera conjunta). La experimentada mano de Endino, conocedor en terreno del soporte análogo, sumó bagaje a los deseos del cuarteto y llevó al conjunto más allá de lo desarrollado en su época autoproducida, pero nunca tan lejos como para olvidar quiénes son los que están tocando y a quién pertenecen las canciones que suenan.

El único momento de “Resistance” en se puede dudar de estar escuchando a The Ganjas es la intro de ‘Frozen Borderline’, cerca de 30 segundos en que los nacionales se disfrazan de Gin Blossoms hasta que todo empieza a difuminarse para advertir que el grupo tiene vestuario propio, hecho a la medida. De ejecución menos dispersa y más centrada que antes (basta revisar el single que titula el álbum o un tema tan bien amarrado como ‘Realm’), la última bocanada de los capitalinos sigue causando efectos psicoactivos, pese a no ser tan explícita en su lisergia. Así es la verdadera alta pureza.

Hielo Negro - Altas mareas

2012-01-07T19:00:00.001-03:00

“Lo que importa no es desde dónde sacas las cosas, sino hacia dónde las llevas”, decía el cineasta francés Jean-Luc Godard, citado por Jim Jarmusch en su lista de reglas de oro para filmar películas. Una máxima que también funciona cuando se trata de música y que, en el caso de Hielo Negro, cobra inusitado vigor al analizar su discografía. “Altas Mareas”, el último larga duración del listado, es un trabajo derivativo de un legado claro (que podría resumirse en siete palabras: Motörhead y todo lo que pasó después) al igual que sus antecesores, pero enuncia mejor su sentido y dirección.

El quinto álbum del trío nacional ahonda en las ya exploradas posibilidades de la impronta que el mismo conjunto define como rock patagónico (basado en tocar de la manera más sucia, densa y peligrosa posible), aunque ahora –curtido por la veteranía- el grupo alcanza su propia cima. Si cada disco de Hielo Negro fuese un borracho sentado en un bar, “Altas Mareas” sería el mejor compañero de tragos y conversación de todos; sin importar cuán maloliente y roñoso parezca. Ninguna de sus historias merece ser descartada, porque todas ocultan la sabiduría que sólo otorga quedarse despierto mientras el resto duerme y deja de ser dueño de su tiempo.

“Vagabundo de las noches, eres el elegido para vagar por las cantinas, testigo de otro mundo, bendecido con la música y noches eternas, demonio y ángel de la misma botella, vas descubriendo las sendas, es rudo este camino, pero vale la pena, habrás vivido como cientos de ovejas, todo esto fue intenso”. No son palabras pronunciadas por Charles Bukowski, sino por el cantante y guitarrista Marcelo Palma en la excelente ‘El Elegido’, la quintaesencia de Hielo Negro hecha letra y música. El imaginario del ensamble es tan amplio como dispersas pueden ser las divagaciones producto de la vigilia alcohólica, pero plasmado sin el dejo insulso con que el rock chileno ha abordado históricamente lo que pasa cuando el codo se empina.

No hay caricaturas, y tampoco gravedad extrema, en “Altas Mareas”, un trabajo más humano que lo humano, para citar a White Zombie. Por contradictorio que parezca, entre tanta inspiración turbia y agitación febril, el grupo encuentra su máximo punto de lucidez, quizás porque cualquier asomo de disparate viene justificado de antemano. Así, tiene sentido que declaraciones potentes como las del sencillo ‘Déjalo Ir’ (que apela directo a la figura materna, pidiéndole que se resigne frente al camino escogido por el hijo, como lo hizo el año pasado Devil Presley en su single ‘En la vida hay que pelear’) convivan con ‘No me acuerdo, no sucedió’ (el título explica todo).

Está fuera de discusión la fuente de la que bebe Hielo Negro para inspirarse. Musicalmente, las influencias son obvias y respetables. Lo importante es que los puntarenenses arrastran esos sonidos, que condensan el clásico concepto rockero de lo perverso, hasta acoplarlos al entorno que los rodea a ellos; el mismo que envuelve a quienes pululan por sus tocatas: ese Chile del bajo mundo y de la vida fácil, en términos temerosos. Un lugar donde las salidas tienen final incierto; un país con lugares ocultos y personajes de respeto, al que pocos narradores (audiovisualistas, músicos y literatos) han podido hacerle justicia. Godard, Jarmusch y el fallecido Bukowski estarían orgullosos.

Pop song 89 de R.E.M. (5fav)

2012-01-07T18:52:00.001-03:00

La transición de R.E.M., desde la compañía independiente IRS hacia el coloso multinacional Warner, fue uno de los momentos más interesantes en la carrera del grupo. “Pop song 89” abría el disco Green (1988), el primero de la banda en casa nueva, con el discurso opuesto al que se espera de unas estrellas en ascenso: toda la hostilidad del -entonces todavía- cuarteto procesada en tres minutos de falsa insulsez.

Detrás del velo de ligereza del tema (que sonaba tan amable que hasta fue escogido como sencillo del álbum), estaban Michael Stipe y sus compañeros riéndose de la vacuidad del pop predominante. Pero también se burlaban de sí mismos, que ahora eran parte del circuito comercial, sabiendo que el éxito les sonreiría en cualquier momento, como ocurrió en 1991 con “Out of time”.

Comprendida popularmente como la antítesis de “Hello, i love you” de The Doors, “Pop song 89” deformaba el arrollador desplante del saludo de Jim Morrison (que cantaba “Hola, te amo, ¿quieres decirme tu nombre”), para convertirlo en preguntas tipo “¿Deberíamos hablar sobre el clima? Hola, hola, hola”. Autodefinirse por contraste con el resto pocas veces fue tan bien aceptado como en el caso de R.E.M., y esa identidad comenzó a construirse con esta canción.

La Reina Morsa (MAP, noviembre 2010)

2012-01-07T18:44:00.000-03:00

Venidos desde el sur de Chile, los tres miembros de La Reina Morsa se instalaron en Santiago, cada uno con proyectos musicales diferentes. Pero sus intereses y gustos comunes los unieron en un grupo cuyo debut , ¿Dónde están las jugueterías?, se ha convertido en una de las vedettes de la temporada local. “Fiesta Pequeña” es el primer sencillo del disco, encargado de internarnos en las bondades de esta banda, a través de un pop que apela a la nobleza de lo acústico y a delirantes visiones animalescas, camufladas de ingenuidad infantil. Nuestra recomendación es descargar el resto del álbum desde la web del Sello Cazador.

Prehistöricos (MAP, marzo 2011)

2012-01-07T18:37:00.001-03:00

Prehistöricos nació durante el verano de 2010, cuando los actores Tomás Preuss y Jessica Romo unieron sus ideas musicales, para dar pie a una colección de canciones acústicas con letras de amor adolescente. Su primer disco, La Orquesta Ocúlta, fue liberado para descarga gratuita en octubre pasado y desde entonces no ha recibido más que buenas reseñas, centradas principalmente en el carácter diáfano y cándido del repertorio del dúo. Con varias apariciones en recuentos del año de medios latinoamericanos, incluso antes de ser comentados en su tierra natal, la pareja es uno de los nombres a subrayar dentro de un listado de conjuntos chilenos pop que va en aumento.

Recuento 2011 en Extravaganza!

2012-01-07T18:31:00.001-03:00

The Men

Leave Home (Sacred Bones)

En un año marcado por excelentes lanzamientos ruidosos, como las últimas entregas de Iceage y Total Control, la segunda placa de The Men llevó la batuta, pero además descolló del resto. Versátil, peligroso e impredecible, el cuarteto neoyorquino firmó -con Leave Home- su entrada a lo más granado del catálogo del siempre certero sello Sacred Bones.

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Colombina Parra

Flores Como Gatos (Autoedición)

Refugiada en una casa de veraneo en Las Cruces, durante su embarazo, Colombina grabó estas canciones. Comparado con Eliza Doolittle y Astrud Gilberto por el crítico inglés Everett True, el debut solista de la vocalista de Los Ex! develó uno de los secretos mejor guardados del rock chileno: el lado voluble de la cantante, una faceta escondida por más de 15 años.

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Fernando Milagros

San Sebastián (Quemasucabeza)

Luego de sacudirse la resaca folk, Fernando Milagros abandonó la simpleza para embarcarse en una epopeya ambiciosa y profunda. Enmarcado en un mundo distópico y post apocalíptico, el último trabajo del cantautor no hace más que adentrarse en la soledad del ser humano, descrita con sobrecogedor dramatismo, bajo la atenta mirada del productor Cristián Heyne.

Fernando Milagros: Efecto dominó

2012-01-07T18:14:00.003-03:00

Está en los lugares indicados, a la hora precisa y con la gente correcta. Tocó en Estados Unidos y España, grabó con Caravana y Christina Rosenvinge, musicalizó dos películas y convenció a Cristián Heyne de producir su nuevo disco. Bajo el sello Quemasucabeza y con edición en vinilo asegurada, Fernando Milagros alista la salida de San Sebastián.

Fernando Milagros tenía que tocar a las diez de la noche del pasado jueves 26 de mayo, en el festival Primavera Sound. Pero nueve horas antes el cantautor estaba recién llegado a Barcelona y aún no lograba encontrar su hotel. En la espera de la van que lo llevaría a la dirección correcta, unos estadounidenses en iguales circunstancias le dijeron que se relajara, le contaron que era la quinta vez que ellos tocaban en España y que el desorden era la tónica de todos sus viajes. Eran Of Montreal, fogueados donde el santiaguino era un novato y tranquilos, pese a que debían presentarse dos horas antes que él.

“No teníamos prueba de sonido y yo estaba nervioso porque era un concierto muy importante”, recuerda. “El show lo partimos con muy poca gente, unas cincuenta personas. Pero hay tránsito permanente y automáticamente empieza a llenarse, al tercer tema teníamos cien y al final terminamos con unas seiscientas. Pasaban y se quedaban mirando el concierto. Es como tocar en la calle, tratas de llamar la atención de gente que no te va a ver a ti. Pensaba que iba a ser peor y al final, todo bien”.

Pasar antes por otro festival prestigioso, el South by Southwest (SXSW) en Texas, ayudó a Milagros a comprender dónde estaba y cuál era su rol en el certamen ibérico. “Hay que tener expectativas aterrizadas para no devolverse achacado”, asegura, “finalmente el viaje estuvo muy positivo y ahora la idea es no romper el vínculo con ese público”. De paso en Madrid, el cantautor afianzó el nexo con España al compartir escenario con Christina Rosenvinge y Nacho Vegas, para tocar el clásico ‘Death Is Not the End’ en un tributo a Bob Dylan a propósito de su cumpleaños número 70.

“Después de eso, nos fuimos a ver a Bill Callahan”, cuenta Fernando Milagros. La amistad entre él y Rosenvinge floreció pocos días antes, en Santiago, gracias a la invitación que el músico recibió para telonearla. Ambos simpatizaron al punto de que el solista fue convocado a tocar dos temas suyos en el concierto de la madrileña en Amanda y luego a parchar a Charlie Bautista -miembro de la banda de apoyo que tuvo que dejar Chile antes que sus compañeros- en la guitarra.

“Antes de irse, ella misma me ofreció colaborar”, afirma el cantautor. “Le mostré todos los temas que tenía para el nuevo disco y se fijó especialmente en dos, entonces vino la idea de grabarlos y también de tocarlos en vivo juntos en su despedida. Quedó bastante interesante. Son dos canciones acústicas: en una ella sólo hace coros y en la otra, participa con todas las de la ley. Me gusta su último disco -La Joven Dolores (Warner, 2011)-, lo tengo en mi iPod, pero antes también escuchaba sus singles taquilleros de los noventas. Son un poco nuestros, por una cosa generacional, yo tenía 14 años cuando estaban de moda.

Para alimentar la espera por su venidero tercer álbum, titulado San Sebastián, Fernando Milagros compartió en la red un video, a modo de sinopsis, en que él y Rosenvinge aparecen trabajando en el estudio mientras suena el fruto de esa labor, ‘Pedazos (Niño Bomba)’. Lo difuso del registro vocal y la quietud que imprime la guitarra acústica empañan, en cierta medida, la primera impresión sobre el nuevo material del santiaguino, que en sus propias palabras es “oscuro, religioso y raro”.

“Estoy pegado con las imágenes apocalípticas. Las fotos del Volcán Puyehue que publicó Times parecen sacadas en Marte, pero son de acá, del sur de Chile. Fantaseo con ese tipo de ideas, como la de que algo está cambiando. El disco es una visión en torno a eso. Casi todas las letras están escritas desde el lugar de alguien que está como el personaje de Viggo Mortensen en The Road (John Hillcoat, 2009), buscando algo para comer”.

El productor de San Sebastián es Cristián Heyne, arquitecto de los discos chilenos que gustan en España, es decir, los últimos de Gepe, Dënver y Javiera Mena. “Yo sabía que me faltaba una visión externa. Podía perfectamente hacerme cargo yo, pero era más interesante ponerme en conflicto con otra mirada”, apunta Milagros, “quise que chocara lo que yo hago, que es algo austero, contra lo que hace Cristián. Llegué con veinte maquetas a su oficina y ahora sólo quedan diez. Hay una tensión interesante, las guitarras están tratadas de una manera distinta, pero no será un disco de pop”.

“Con quién trabajar fue un tema que pensé mucho, hasta que junto a Heyne llegamos a la conclusión de que yo tenía que hacer la mayor cantidad de cosas posibles –detalla-. Aunque no me guste reconocerlo, estoy cada vez más quisquilloso con las canciones, si puedo resolver un arreglo, prefiero encargarme que explicarle a otra persona. Además, es la mejor opción para un disco como éste, que es bien íntimo y autobiográfico. Sólo aparece Gepe en batería y algunos aportes de Felipe Ruz y Sebastián Orellana de Philipina Bitch”.

Tras lanzar su debut por el desaparecido sello Neurotyka en 2007 y dos años después su sucesor por Oveja Negra, Fernando Milagros recaló en Quemasucabeza, donde el año pasado presentó -en lo que él mismo denomina “una edición de batalla”- el registro en vivo En Estudio Elefante. Y así como los últimos trabajos de la etiqueta -llámese Gepe, Pedropiedra y Caravana-, San Sebastián será editado en vinilo. “No hay que pensar en el disco como única vía para escuchar música, sino como merchandising. Es un fetiche que puede tener varios formatos”, sentencia. “Igual rezo por la gente que pelea contra esa tendencia, pero creo que su forma de ver las cosas no va más”.

“El 2011 ha estado muy movido. No sé cómo me alcanza el tiempo. Compuse la música para el documental Hija de María Paz González y con Cristóbal Carvajal grabamos los incidentales de la película Mi Último Round de Julio Jorquera. Eso sí, hay que tener cuidado de no acabronarse ni repetirse porque la gente se aburre. Por eso ahora estoy probando otro sonido, casi había olvidado que mi idea como Fernando Milagros era tener una onda medio desarmada y opuesta a la de las bandas que tocan rock de cuatro cuartos, porque ese esquema ya lo encuentro un poco fome. La gracia de ser solista es reinventarse todo el rato”.

Fakuta: Con suavidad

2012-01-07T18:08:00.003-03:00

Fakuta es más que una cantante con un single recién editado y un disco debut a punto de salir. También es la suma de una serie de decisiones, como armar su propio sello, optar por el pop sobre el rock, reivindicar al género femenino desde su esencia y, en especial, nunca dejar de hacer música.

Pamela Sepúlveda escucha el mashup de ‘Born This Way’ de Lady Gaga con ‘Express Yourself’ de Madonna, sentada en la mesa de su living, y no tiene intención alguna de apartarse de la pantalla de su Macbook. “Soy computina”, explica con algo de candor y timidez. Sin ir más lejos, su alias musical viene desde la época de Fotolog, cuando Fakuta era el nombre de usuario que utilizaba, y a varios de sus actuales compañeros de ruta en el mundo real los conoció como contactos en MySpace. Buena parte de su tiempo frente a la pantalla lo dedica, además, a gestionar la disquera digital Michita Rex, fundada por ella junto a Dadalú, Danae Morales y Milton Mahan. Nombres que aparecen y se entrecruzan en historias de tocatas, onces y trabajo compartido que se remontan a la época en que grupos como Taller Dejao y Colectivo Etéreo eran entes activos en la capital.

Fakuta es también, en términos simples, una solista pop cuyo single debut (‘Armar y Desarmar’) fue estrenado a fines de marzo, como adelanto de un álbum que todavía no tiene título ni fecha definida de lanzamiento, aunque se estima que saldrá alrededor de mayo o junio. Pero el prontuario de la cantante comenzó a escribirse en un idioma muy diferente al que habla hoy. “En el colegio tenía mi banda de amigos, después con gente de la universidad, del barrio. Onda rockera, canciones propias, ensayos de grunge tirados para post-rock, una cosa que al final me choreó porque era muy masculina. Es raro, yo estaba en la adolescencia y escuchaba Dinosaur Jr., pero cuando salí pensé ‘no, quiero hacer otra cosa’”, cuenta.

“Cuando chica, me metí en muchos talleres musicales, era muy obsesiva en eso. Tipo trece años empecé a escuchar rock, siempre por las canciones, me gustaban los grupos más melódicos. Ni siquiera escuché tanto Melvins o las riot grrrls porque eran demasiado gritonas y eso no me gustaba. De hecho, hubo un tiempo en que no podía escuchar mucha música y menos rock, me fui para atrás. Recuerdo que un tío, que era el único joven en mi casa, escuchaba metal cuando yo tenía siete años. Después empezó a gustarle la música progresiva, entonces crecí con Emerson, Lake & Palmer y King Crimson, que son medio sicodélicos y espaciales. Por ahí creo que viene mi gusto por los sintetizadores”.

De aquella inquietud surgió su primera vinculación con otro formato de grupo, al integrarse a Golden Baba, ensamble femenino que fue la escuela de Fakuta para desmarcarse de su aprendizaje previo. “Usábamos el lenguaje rock porque éramos guitarra, bajo, batería y voz, pero el hecho de que fueran sólo mujeres y que ninguna de ellas había tocado antes en otras bandas cambiaba todo, no tenían esa cosa estructurada de hacer siempre lo mismo. Había otra cosa, una composición más pop, tocar de a poquito”, recuerda. Hasta hoy, el nombre del conjunto evoca recuerdos y arranca elogios entre quienes tuvieron la oportunidad de presenciar su show en vivo.

Con Golden Baba en receso, Sepúlveda se embarcó en el proyecto El Banco Mundial junto a Nawito, su ex novio, con quien editó cuatro discos: Así Se Matan Los Guaguitos, El Gran Golpe Al Banco Mundial, La Nave y Música Terapéutica Para El Embarazo No Deseado. Álbumes cuyo carácter hacía difícil imaginar lo que vendría después, a nivel de sonido, pese a que ella reconoce que el dúo tenía fecha de vencimiento. “Sabía que se iba a terminar porque lo hice con mi pololo. Era una época en que estaba terminando la universidad, las cosas se estaban acabando y todo parecía muy crítico, muchos amigos secos musicalmente quedaron en el camino en vez de seguir con sus grupos. Yo había cachado que a mí me no podía pasar eso, porque no puedo dejar de tocar”, confiesa.

De esa época datan las primeras composiciones de su venidero debut, un disco producido por De Janeiros (el tándem de Milton Mahan de Dënver y Pablo Muñoz de $990) cuyas canciones fueron el punto de inflexión para Fakuta, que dejaría atrás el ruidismo de su emprendimiento anterior para buscar estructuras más amables y fáciles de asimilar. “Cuando hice esos temas, pensé que saldría algo más raro, pero fue como volver a la infancia, al pop con melodías. Al principio me daba vergüenza mostrarlo, estaba inmersa en un circuito bien experimental y pensaba que la gente de la productora Mutante me iba a hacer bullying”, comenta riéndose.

Consultada sobre sus numerosas peripecias con amigos y su casi incestuoso intercambio creativo (una suerte de escena que se celebra a sí misma, tal como hacían los londinenses hace 20 años), Sepúlveda aporta claridad a la revisión del fenómeno. “El aprendizaje que acumulas te hace desarrollar cierto criterio. Si escuchas a los más experimentales de Michita Rex, todos tienen una vocación pop, hasta Gerardo Figueroa que hace obras conceptuales abstractas, pero escucha The Cars. Finalmente eso es lo que nos une, una esencia que va hacia otros lugares, de una manera experimental, parecida a la improvisación de rock. Acá borramos las estructuras, prejuicios y predisposiciones que uno tiene ante la música. Así vemos las cosas. Somos un grupo de amigos antiguos, pero nuevos, porque nos conocimos en la tocatas y nos admiramos mutuamente”.

“Aunque hago pop, no siento tan quinceañeras o livianas mis canciones, pero tampoco sé si son adultas”, declara. “No todo el rato estoy hablando de amor. También me refiero a volar, a la música y las amistades que se hacen a través de ella; al vínculo entre mujeres, amigas, mamás. Ese apego máximo que es una comprensión ultra maternal del cariño. Tratamos de ser lo más frontales con eso, tomar el lugar que nos pertenece como género. Hay una cosa súper femenina en Michita Rex, para mí el rock es como una explosión de energía y nosotros vamos por otro lado ¿Qué pasa si no suena potente? Si suena despacito, bonito. Hay gente que lo encuentra aburrido, pero lo bueno es que en Chile hay cada vez más bandas y ahora se puede elegir. Antes, o te gustaba el rock chileno o no te gustaba nada. Ya no es así”.

Música: de las redes sociales a las pistas internacionales

2012-01-07T18:00:00.003-03:00

Nombres que poco a poco comienzan a sonar familiares, que partieron como fenómenos de internet y ahora se proyectan como protagonistas del año venidero.

El glamour Hollywoodense de Lana del Rey

Con un video dirigido y editado por ella, el de su single debut, "Video Games", Lana Del Rey consiguió más de 15 millones de visitas en YouTube. Desde ahí, todo lo relacionado con esta autoproclamada "Nancy Sinatra en versión gánster" ha sido grito y plata. Su presencia casi omnipresente en medios especializados, sumada al cotilleo acerca de si sus labios son naturales o no, transportaron a la cantante directo y sin escalas a la primera plana musical. Obsesionados con su figura, varios foros de internet han acusado a la solista de ser un invento publicitario, financiado por su padre (un magnate de la web), mientras los más curiosos han escarbado hasta encontrar su primer material: un disco firmado como Lizzy Grant que data de 2009. Para sorpresa de los escépticos, Lana Del Rey hace dos años tenía la misma visión estética y sonora que promueve hoy, aunque en ese entonces su perfil era menos provocativo. Como una glamorosa femme fatale , a la antigua usanza hollywoodense, la neoyorquina ha explotado su voz profunda y el imaginario retro en el resto de las canciones que ha ido filtrando en línea, mientras asegura expectación suficiente para su inminente debut. "Born to die", el primer disco de la cantante, verá la luz el 27 de enero.

El espíritu ruidoso de Skrillex

No es fácil cantar en una banda de filiación hardcore . Bien lo sabe Sonny Moore (en adelante, Skrillex), quien, mientras tocaba en el grupo From First To Last, tuvo que operarse varias veces de las cuerdas vocales hasta que decidió emprender rumbo solista. En el camino, el californiano cambió el micrófono por un laptop y la guitarra por las secuencias electrónicas. Sin embargo, en esta reinvención artística, mantuvo el espíritu ruidoso del rock, así como su look de pelo largo y ropa oscura. Desde un comienzo, Skrillex estableció una personalidad en la que conviven un hemisferio festivo con otro más violento, un ángulo que pudo explotar como productor de tres canciones en el último álbum de Korn. Fogueado en vivo, y mediante la edición de varios epés (el más importante de ellos se llama "Scary monsters and nice sprites"), el estadounidense recibió cinco nominaciones para los venideros Grammy y asoma como uno de los triunfadores de la jornada. El domingo 1 de abril, los chilenos podremos comprobar en terreno las virtudes del músico, cuando se presente en la segunda versión local de Lollapalooza.

Nicki Minaj, la pantera rosa

Nacida en Trinidad y Tobago, pero neoyorquina por adopción, Nicki Minaj actualmente es la rapera más exitosa desde la época de gloria de Missy Elliott. Capaz de tener a Kanye West y Eminem como invitados en el mismo disco (su debut, "Pink friday"), esta solista ha sabido llamar la atención del mundo con su postura extravagante, mezclada con la dosis precisa de pop para las masas. Totalmente desmarcada de la moda hip-hop, Minaj ha desarrollado un estilo visual colorido y propio, que es parte de su afán por diferenciarse del montón. Su manera de enfrentar la vocalización también la define como una apuesta única, pese a que tampoco tiene problema en colaborar con féminas más convencionales, como Rihanna, Christina Aguilera y Mariah Carey. La última en invitarla fue nada más y nada menos que Madonna, en su próximo single, "Gimme all your luvin", agendado para fines de enero. Minaj, por su parte, prepara el lanzamiento de su segundo álbum, "Pink friday: Roman reloaded", que coincidirá con Día de los Enamorados. Aunque, de amor, es probable que haya poco en esta nueva placa. Según la artista, nominada actualmente a tres premios Grammy, su venidero trabajo le dará rienda suelta a su álter ego perverso, llamado Roman Zolanski.

El rap para la pista de baile de Azealia Banks

Nadie sabe para quién trabaja Azealia Banks. Cuando todo indicaba que se convertiría en actriz, luego de haber estudiado en el complejo artístico La Guardia High School (por donde también pasaron Robert De Niro y Al Pacino), esta neoyorquina se volcó a la música. Su primer colaborador de renombre fue Diplo, el productor que descubrió a M.I.A., y con un par de canciones en la red (entre ellas, un cover del grupo Interpol), la veinteañera se ganó la categoría de promesa. Pero el momento cúlmine de Banks llegó en septiembre pasado, con la edición del bailable sencillo "212", el tema que le valió ser considerada como la persona más cool del mundo durante 2011, según el semanario inglés NME. Hoy es la gran esperanza del rap femenino, con el mismísimo Kanye West declarándole su fanatismo, cada vez más menciones en la prensa y un debut en pleno proceso de grabación, junto a Paul Epworth (uno de los responsables del exitoso "21" de Adele).

Astro, profetas en su tierra

El futuro le sonríe de oreja a oreja a Astro, uno de los créditos nacionales de la temporada. Si su primer EP, "Le disc de Astrou", fue editado primero en México y después en Chile, ahora el nexo del cuarteto con el extranjero promete afianzarse con los viajes que el grupo tiene pactados para 2012. Los festivales South by Southwest (Estados Unidos), Nrmal (México) y Primavera Sound (España) son las próximas paradas de la banda, cuyo electrizante show en vivo ya recibió el beneplácito del público local en Lollapalooza y Primavera Fauna. Con una propuesta que mezcla el rock progresivo con la nueva sicodelia, el debut homónimo de Astro en larga duración (aparecido en noviembre), se convirtió de inmediato en uno de los platos fuertes del menú criollo, de la mano del single ''Ciervos'' y su excelente video.

Carole King - A Holiday Carole

2012-01-07T17:55:00.001-03:00

Una década completa pasó Carole King sin editar un disco de estudio, y la verdad es que podría haber sido mucho más tiempo si no fuera por la insistencia de los cercanos a la cantante. La neoyorquina estaba sumergida en la redacción de "A natural woman", las memorias que publicará en abril del próximo año, y grabar otra vez no era una opción mientras el libro estuviera inconcluso. Pero la sequía llegó a su fin cuando la responsable de "Tapestry", reconocida por su desarrollado celo laboral, se entregó a la asesoría de su propia hija, la también solista Louise Goffin (cuyo padre es el compositor Gerry Coffin, coautor de la inolvidable "Will you still love me tomorrow").

La sequía discográfica de King llegó a término con "A Holiday Carole", el primer álbum navideño de la estadounidense y su debut como intérprete sin escribir una sola canción. Goffin fue la encargada de seleccionar, producir y arreglar todos los temas de la placa, además de añadir tres aportes de su puño y letra. Así, su madre, la protagonista de la historia, tuvo el terreno despejado para dedicarse casi exclusivamente a poner su voz (sólo toca el piano en contadas ocasiones). Tanta comodidad se podría confundir con pereza o falta de interés, pero en el caso de este proyecto tiene la virtud de emular una escena común de las fiestas: el cantante de la familia haciendo de las suyas.

A punto de cumplir 70 años, Carole King no ha perdido un ápice de la estampa que la hizo una estrella. Esa entrega limpia, temperamental y espontánea se mantiene firme en contextos tan variados como la templada versión de "My favorite things" (del famoso musical "The sound of music") o la original "Christmas paradise", una sorpresiva pieza de latin jazz que convive con los aires retro del soul "Everyday will be like a Holiday", y las conocidas mundialmente "Sleigh ride" y "Carol of the bells". Con buen gusto, como su autora acostumbra, "A Holiday Carole" es una de las mejores opciones de la temporada para amenizar una cena esta Nochebuena.

Los Tetas: Fiesta en América

2012-01-07T17:51:00.005-03:00

La vuelta de Los Tetas es una zona de promesas. Pese a que el grupo acusó falta de aceite en los engranajes y exceso de nerviosismo, conserva en muy buen estado la materia prima que lo catapultó a la fama, cuando sus miembros aún eran unos colegiales. Hoy tienen la experiencia de unos veteranos, porque ninguno se dejó estar durante el paréntesis de la formación original, pero su promedio de edad no supera los 35 años. La segunda encarnación de los autores de "Mama Funk" y "La Medicina" sólo interpretó material antiguo en su show de regreso, y aun así pudo instalar la esperanza sobre el futuro que le espera.

Cerca de dos horas y media duró el reencuentro de Los Tetas, en un colmado Teatro Caupolicán, donde el cuarteto desató su propia fiebre de baile. Fue la comprobación en terreno de que canciones como 'Planeta', 'El sol no tiene ganas de venir' y 'Primavera' han envejecido de la mejor forma, conservadas en la memoria de los viudos de la banda. Es que los seguidores de la música negra nunca se olvidaron de C-Funk, Tea Time, Rulo y Pepino. Esa mezcla de excelencia instrumental, ángel y desfachatez todavía no se repite en nuestro país, ni tampoco en el resto de América Latina, territorio carente de embajadores funk de real popularidad en este momento.

En su reestreno, Los Tetas apelaron a una generación que viene recién conociendo los placeres de la nostalgia, pero que todavía no se revuelca morbosamente en el pasado porque tiene los recuerdos frescos. Con la misma vitalidad de hace 13 años, el grupo repasó "Papi... dónde está el funk?" y "La medicina" junto a Ana Tijoux, "Cha cha cha" en compañía de Juan Sativo y "Marihuana funk" con Boomer. "Los Tetas volvieron para quedarse", aseguró Tea Time sobre el escenario, alimentando el anhelo de escuchar de qué será capaz ahora esta banda de jóvenes músicos y viejos conocidos. Por ahora está claro que siguen siendo los dueños de la fiesta.

Justin Bieber - Under the mistletoe: Ni corto ni perezoso

2012-01-07T17:48:00.002-03:00

Existe un arsenal de motivos para vapulear a Justin Bieber, todos expuestos largamente en páginas web y redes sociales, pero nadie en su sano juicio podría decir que el tipo es un haragán. Pese a la rapidez vertiginosa que ha marcado su carrera, y todavía en plena eclosión de su fama, el canadiense ha ido quemando -en la medida en que el tiempo se lo ha permitido- las etapas que el decálogo pop considera necesarias para ser una estrella mundial. Ya vende millones de álbumes, llena estadios, genera dudas sobre su orientación sexual y hasta atraviesa un escándalo por supuesta paternidad. En ese formulario de requisitos, una de las casillas que todavía le faltaba marcar al solista era la del disco navideño.

La festividad religiosa del 25 de diciembre, como es costumbre, viene de la mano de una cantidad importante de lanzamientos alusivos a la celebración. Pero muchos de ellos suelen ser obras menores en la cronología de sus responsables; trabajos hechos por obligación, sobre todo en los últimos años, en que la industria musical necesita más que nunca excusas para aumentar sus ventas. En ese aspecto, "Under the mistletoe" de Justin Bieber se lleva el premio al esfuerzo: tiene más canciones originales que covers y cuenta con una lista de colaboradores de primer orden. El ídolo adolescente, cristiano confeso que en sus discursos de agradecimiento jamás olvida a Dios, no dejó detalle al azar en su más reciente entrega.

El cantante profundiza su rol de vendedor de fantasías con este disco, titulado en honor a la tradición de que dos personas que estén bajo un muérdago deben besarse, apelando al sueño de todas sus fans: compartir un momento romántico junto a él. Así como logró convencer a millones de adolescentes de que, mediante esfuerzo y talento, pueden lograr cualquier cosa (siguiendo su historia de fenómeno YouTube), ahora Bieber sube la apuesta y ofrece su propio corazón como premio mayor.

Semejante entelequia tiene por banda sonora un puñado de temas melosos, en su mayoría, en los que el canadiense estrena los cambios que la edad provocó en su voz, luego de grabar los best sellers "My world" y "My world 2.0" con un registro mucho más infantil. Aunque la tarea no era fácil, Justin Bieber consiguió salir con vida de las distintas pruebas de fuego que se autoimpuso, al invitar sólo a consagrados al disco. En "Fa la la" comparte créditos con el armonioso trío Boyz II Men, mientras que en "The Christmas Song (Chestnuts Roasting on an Open Fire)" recibe la visita de Usher, su ídolo y mentor. Del puño y letra de Mariah Carey, "All I want for Christmas is you" (versionada este año también por Michael Bublé y el elenco de "Glee"), aprovecha las virtudes de su autora en una colaboración bastante correcta. Sólo "Drummer boy" (la famosa "El tamborilero") representa un tropiezo, con el solista ensayando rimas, sin mucha gracia, que terminan opacadas por el oficio del rapero Busta Rhymes.

Rihanna - Talk that talk: Millas de viajero

2012-01-07T17:45:00.002-03:00

Andy Warhol decía que, en el futuro, todos tendrían sus 15 minutos de fama. Pero la aparición de internet actualizó el adagio, y la nueva promesa es que ahora cualquiera puede ser célebre en la era de las redes sociales. Hoy en día, ser una estrella verdaderamente planetaria (a la usanza de The Beatles o Michael Jackson) es más difícil que nunca. Una de las serias candidatas al cetro global, Rihanna, acaba de exponer un nuevo argumento para expandir su transversalidad: el disco "Talk that talk", editado apenas un año después del exitoso "Loud".

Mientras viajaba por el mundo, embarcada en la gira "Loud Tour" (que todavía no termina), la cantante grabó las canciones de este nuevo trabajo. El que pestañea pierde en estos tiempos de olvido fácil y modas cada vez más pasajeras. Ya lo sabe la barbadense, quien ha lanzado nada menos que seis álbumes desde 2005, además de numerosas colaboraciones con Maroon 5, David Guetta y Eminem, entre otros. Permanecer en la palestra es la misión número uno de la solista, que en su última entrega vuelve a rodearse de taquilleros asesores, entre los que destaca el escocés Calvin Harris, productor del single "We found love".

La mezcla de mano de obra hace de "Talk that talk" un disco dinámico y rico en matices bailables (la progresión house de "Where have you been", el lascivo dancehall de "Cockiness (love it)"), que sólo se diluye cuando Rihanna baja las revoluciones y opta por baladas demasiado genéricas como para hacerle el peso al resto del material. El atractivo de que la intérprete redescubra la vulnerabilidad y el romanticismo, más que en lo musical, radica en la ventilación de su vida privada, que ya fue el hilo narrativo del álbum "Rated R" (aparecido después de su bullada ruptura con Chris Brown, caso de maltrato físico de por medio). Nada como la empatía que despierta una historia de superación para seguir amasando fanaticada.

Otro reflejo biográfico, dado el origen étnico de la solista y el personaje multicultural que cultiva, aparece en la inmensa cantidad de referentes que desfilan por "Talk that talk" y en la naturalidad con la que son manejados. Mucho más dúctil que Lady Gaga o Katy Perry, la barbadense suena espontánea acompañada por el rapero Jay-Z en el tema que titula el disco, sacándole partido a su acento caribeño en "You da one" o sampleando al grupo indie The xx en "Drunk on love". Mestizaje y sincretismo al servicio de la dominación mundial, comandada por una políglota de los estilos que ansía hacerse escuchar por el globo terráqueo entero. El trono del pop todavía está lejos, pero Rihanna lleva acumuladas, en tiempo récord, suficientes millas de viajero como para acortar el trecho.

Babasónicos: Tejedores de ilusión

2012-01-07T17:43:00.003-03:00

El logo de Babasónicos aparece en la pantalla del Teatro Caupolicán, mientras la banda empieza a posicionarse sobre el escenario. El último en subir es el alma de la fiesta: Adrián Dárgelos. Como un duendecillo perverso y lascivo, el cantante se pavonea de un lado a otro de la tarima, contoneándose e invitando al delirio. Luego que pasan "Microdancing" e "Irresponsables", la suerte está echada y las posibilidades de que la temperatura baje son nulas. Ya no hay vuelta atrás.

Aunque los argentinos vinieron a presentar "A propósito", su último disco, el show de anoche tuvo más matices. Por historia y vigencia, Babasónicos es prácticamente la última gran banda trasandina en actividad. Los gritos femeninos que desata "En privado", la mejor de sus nuevas canciones, da prueba fehaciente de la capacidad de sobrevivencia de un grupo que, hace un par de años, compartía cartel en el mismo recinto con Lucybell y hoy, como si nada, lo hace con la savia fresca del pop chileno (Javiera Mena, acompañada por Gepe en la batería).

Dos décadas de carrera le dan a Babasónicos el oficio necesario para tejer la ilusión que requiere un buen show de rock. Actitud y mensaje, esos dos términos que la prensa musical mancilla a diestra y siniestra, adquieren renovado sentido cuando "Muñeco de Haití" hace mover al público, entregado desde el primer minuto al encanto de este bastión de la integridad creativa. El ambiente está perfecto para caer desfallecido de calor, pero Babasónicos es todo el oxígeno que se necesita para llenar los pulmones y seguir la fiesta.

Amy Winehouse - Lioness: Hidden Treasures: El futuro se fue

2012-01-07T17:37:00.003-03:00

Amy Winehouse no alcanzó a ser muy prolífica. Su última grabación en vida, el dúo "Body and soul" junto a Tony Bennett, rompió un paréntesis de cerca de dos años sin entrar a un estudio, según ella misma reconoce en los videos que inmortalizan su encuentro con el octogenario crooner . Entre escándalos por abuso de drogas y tabloides siguiendo cada uno de sus pasos, la inglesa perdió el ritmo de trabajo y el afán por dejar testimonio de cada inquietud que la invadiera. Pero lo que nunca extravió la intérprete de "Rehab" fue la voz. Con el paso del tiempo, pese a no haber documentado exhaustivamente sus avances, la fallecida solista fue desarrollando un poderío interpretativo sobrecogedor.

"Lioness: Hidden treasures", el primer lanzamiento póstumo de Winehouse, da fe de su acelerado crecimiento. Comprendido como una retrospectiva y tributo, el disco ofrece una visita guiada por la trayectoria de la controvertida artista, a través de registros históricos. Los encargados del tour son Salaam Remi y Mark Ronson, los dos productores más cercanos a la británica, quienes seleccionaron material entre las diversas sesiones que compartieron junto a ella. Un ejercicio que terminó rescatando piezas de futura arqueología, como la cantante con apenas 18 años haciendo un cover del clásico bossa nova "The girl from Ipanema" o una versión para "A song for you", que termina con Amy hablando sobre Donny Hathaway, uno de sus héroes en el soul.

De los doce temas que contiene "Lioness: Hidden treasures", sólo dos estaban destinados a formar parte del sucesor de "Back to black", la placa que situó a la inglesa como la voz femenina más insigne de la década pasada. Ambas canciones representan lo mejor y lo peor del compilado. La primera de ellas, "Between the cheats", revive el doo wop de los 50 con inusitada excelencia, mientras en "Like smoke" participa el eximio rapero Nas, y sus rimas, agregadas después de la muerte de la solista, no hacen buen juego con la impronta clásica que la desaparecida estrella tenía desarrollada casi a la perfección.

En todo caso, ningún traspié consigue empañar por completo este homenaje, que alcanza ribetes de espectral solemnidad en la famosa "Will you still love me tomorrow" (original de Carole King) y en la versión primigenia de la conocida "Tears dry on their own" (llamada ahora sólo "Tears dry"). Los vicios consumieron la vida de Amy Winehouse, pero nunca pudieron contra su genio, un don conservado hasta el día de su deceso, el pasado 23 de julio. Sin ser más que un placebo discográfico, "Lioness: Hidden treasures" realmente ayuda a sanar el dolor por el futuro que se fue y que no volverá.

Maná: Los dos hemisferios

2012-01-07T17:26:00.002-03:00

Pop rock. La definición musical más odiosa y contradictoria es la única que sirve para definir a Maná. El grupo mexicano, capaz de citar al mismo tiempo a Led Zeppelin y Marco Antonio Solís entre sus referentes, se presenta vestido de negro en un escenario de alto vuelo tecnológico, que se mide de igual a igual con el de cualquier megaestrella anglosajona. El cuarteto viene de llenar estadios de béisbol en EE.UU. y de agotar localidades en España. En Chile, un Estadio Bicentenario a tablero vuelto repite el probado éxito que ha tenido la gira de su último disco, "Drama y luz". Un trabajo nacido luego de las muertes de la madre y la hermana del cantante Fher Olvera.

Incombustible, el vocalista se convierte en el maestro de ceremonias que un show de esta envergadura necesita. Sin hacer caso al tormento recién vivido, salvo al interpretar "Vuela libre paloma" (alusiva a su situación personal), Olvera derrocha ángel a raudales, mientras sus compañeros lo acompañan siempre a la altura de las circunstancias. Maná en vivo aplasta todas las críticas hacia su falta de versatilidad: tocan desde reggae ("Oye mi amor", "De pies a cabeza") hasta temas de romance y traición ("Bendita tu luz", "Mariposa traicionera"). Y, a medida que el concierto avanza, el protagonismo se equilibra hacia el otro personaje carismático del elenco, el baterista Álex González.

"Ídolo, ídolo", le grita la multitud al percusionista, tras un solo de unos 10 minutos en que se luce sobre una plataforma giratoria similar a la de Tommy Lee de Mötley Crüe. Un guiño rockero que se funde con gestos pop, como subir un fan al escenario para tocar "Me vale" (cantada por González) y pedirle sugerencias al público, aunque sólo sea un saludo a la bandera, porque el repertorio de la banda ha permanecido intacto a lo largo de la gira. Premeditado hasta el cansancio, el concierto de Maná cosecha en La Florida la misma efervescencia que en el resto del mundo. A veces, no hay mejor improvisación que la que se prepara.

Britney Spears: La maestra del disfraz

2012-01-07T17:19:00.003-03:00

Es la mejor definición para Britney Spears. Los videos que exhibe antes y durante su concierto la muestran escapando de la policía y luego siendo buscada alrededor del mundo, en calidad de prófuga. Imposible de encontrar para sus perseguidores, la cantante arranca de la justicia y consigue, según la narración, llegar hasta el concierto. Ya arriba del escenario, aunque todos saben quién es, ella sigue camuflándose. Es su especialidad. Es lo que lleva haciendo hace más de una década, convirtiendo la metamorfosis en la tónica de su carrera y de sus espectáculos en vivo.

Britney tiene mil rostros. Es la colegiala del video de "... Baby one more time" y la misma que después besó a Madonna en los premios MTV. También la que terminó consternando al mundo con sus devaneos mentales.

En el Estadio Nacional, la cantante entregó un despliegue escenográfico impresionante -con sorpresas como las góndolas egipcias en "Gimme more" y el altísimo columpio en "Don't let me be the last to know"-, además de varios cambios de vestuario y un dotado cuerpo de baile. ¿Trucos para esconder sus comentadas carencias vocales, que la obligan a usar el doblaje como única herramienta de salvación? Sí, es una interpretación plausible.

Poco y nada canta la estadounidense, quien incluso a veces falla en sincronizar sus labios al ritmo de las pistas grabadas con las que hace mímica. Pero el show de Britney Spears no se trata de música, sino de un ritual de culto a la personalidad. Sus canciones, en las que alude a sus críticos ("Piece of me") o hace solapadas referencias sexuales ("If u seek Amy", "Big fat bass"), son la plataforma que usa para potenciar el mito en torno a su polémica figura. Así, alimenta el comidillo que, a su vez, nutre de tópicos sus últimas letras (concentradas en la estupenda trilogía que conforman los discos "Blackout", "Circus" y "Femme fatale").

Gato por liebre, dirán algunos. Otros, los miles que gozaron con la presentación, responderán lo contrario. Sea como sea, todos hablan sobre Britney. Y eso es lo único que a ella le importa.

Lollapalooza: Volver al futuro

2012-01-07T04:19:00.003-03:00

La mera confirmación del primer Lollapalooza chileno bastaba para que, hace un año, el universo melómano se conmocionara. Luego, el anuncio del cartel en enero pasado disparó las expectativas sobre el festival gracias a una abultada oferta de nombres. Y el sueño americano fue cumplido en dos jornadas, a comienzos de abril, con shows de alto calibre como los de The Flaming Lips, Deftones y Kanye West. Pese al colapso del escenario instalado en el Teatro La Cúpula, y a la molestia que causó la venta de entradas 2x1 a pocas horas del evento, el debut de la importada franquicia musical pasó la prueba de fuego en cuanto a organización e infraestructura, y sentó un precedente de rigurosa calidad para su futura versión.

Ese momento, el de rendir cuentas acerca de lo aprendido, se acerca a paso firme. Recién bajado el telón de Maquinaria, un encuentro de tono revisionista y énfasis en las guitarras, el nuevo line-up de Lollapalooza destaca por la vigencia y diversidad sonora de varias de sus bandas y solistas. Tanto así que algunos como el quinteto de rock Cage The Elephant o el rapero inglés Tinie Tempah bien podrían entrar al saco de los anónimos ante el ojo masivo, cuando en realidad se trata de jóvenes artistas de creciente popularidad en el mercado anglo. En franco ascenso también están el productor electrónico Skrillex (colaborador de Korn en su venidero disco) y el grupo californiano de pop Foster the People. Todos son nativos de la era YouTube, que en gran medida le deben su notoriedad a la viralización de contenidos en línea.

En la parte superior del cartel, los dos nombres que lideran la nómina 2012 del festival acunaron su prestigio en los 90 y son muy queridos en Chile, pero actualmente enfrentan la veteranía desde trincheras diferentes. En su primera visita al país, Foo Fighters llegará en un momento de bonanza artística y comercial; Björk , en cambio, pisará nuestro suelo por tercera vez, desprendida del pop que la hizo famosa. Les siguen otros que abandonaron la complacencia, aunque jamás al extremo de la islandesa: Arctic Monkeys y MGMT , figuras icónicas del comienzo de milenio, ambas empecinadas en alejarse de su exitoso sonido inicial. Esperadísimos por el público criollo, los cuatro cabezas de serie comparten una férrea convicción en el trabajo propio, premisa de Perry Farrell al crear el evento.

Asoman también como posibles triunfadores Thievery Corporation, Calvin Harris, Gogol Bordello, Morodo y los resucitados Illya Kuryaki and the Valderramas, todos de probada eficacia en escenarios locales. Otros hitos en potencia son la influyente Joan Jett, escoltada por su banda, The Blackhearts; la presencia de Chino Moreno, el vocalista de Deftones (en esta ocasión al mando del proyecto electrónico Crosses ), y las delicatessen del universo indie: Band of Horses y TV on the Radio. En total, este nuevo Lollapalooza contempla cerca de 60 presentaciones en vivo y una sola misión: superar el debut. Los próximos 31 de marzo y 1 de abril, la búsqueda será complacer a decenas de miles de personas, pero mirando hacia el futuro y oponiendo resistencia, en la medida de lo posible, a los dictámenes del negocio de la nostalgia.

Peter Gabriel: Desafiando al rito

2012-01-07T04:16:00.001-03:00

Las comparaciones apresuradas asocian el nuevo espectáculo de Peter Gabriel con otros tanteos sinfónicos del pop y el rock. Pero las diferencias asoman al escarbar los detalles. "New Blood", el último disco del cantante inglés, no es un grandes éxitos orquestado, así que el paralelo con Sting o Gustavo Cerati queda en nada. Tampoco es un intento de poner a convivir el formato de batería, bajo y guitarra con otros instrumentos, como lo hicieran Deep Purple y Metallica. Especialista en distinguirse del resto, desde sus días disfrazado de flor a la cabeza de Genesis, el cantante tomó los resguardos necesarios para sobresalir del ramillete de músicos que prueban la misma fórmula. Nada de obviedades o mezclas forzadas.

Con una orquesta mitad británica y mitad chilena, Peter Gabriel puso de rodillas al Movistar Arena, que se rindió ante un show sustentado en la imponencia y fastuosidad de los vientos y cuerdas. El resto del trabajo corrió por cuenta del protagonista de la velada, cándido al explicar en español el significado y origen de sus temas, sin temor a usar gestos y onomatopeyas para darse a entender. Aunque, en apariencia, no quede mucho del personaje que protagonizaba algunos de los mejores videos de los 80 ("Sledgehammer" y "Big time", excluidas del concierto de anoche), Gabriel todavía juega y se divierte cuando ilumina al público con un foco durante "San Jacinto" o mientras baila al son de "Secret world".

Ni hablar de entrega vocal. A los 61 años, el inglés conserva la impronta que lo inmortalizó y le saca partido en las estremecedoras interpretaciones de "Father, son" y "Red rain". El diseño de luces del montaje, con fuerte énfasis en el color rojo, sentó el clima necesario para desarrollar la idea de sangre fresca que propone el último álbum del solista. Una transfusión exitosa hacia el final del espectáculo, en que las conocidas "Solsbury Hill", "Biko" (con una referencia previa a Víctor Jara) y "Don't give up" se revigorizaron de la mano de sus flamantes arreglos orquestales. Puede ser que los experimentos sinfónicos no signifiquen mayor novedad, y que a veces hasta sean sinónimo de estancamiento, pero en el mundo según Peter Gabriel son el rito mediante el que se gana una nueva vida.

Octava edición de Creamfields hizo bailar a 20 mil fans de la electrónica

2012-01-07T04:09:00.005-03:00

Con David Guetta a la cabeza, la versión criolla del festival internacional salió airosa en plena temporada alta de conciertos.

Imposible conocer al dedillo todas las subdivisiones de la música electrónica, pero instancias como Creamfields son una buena guía introductoria, al menos para probar diferentes pulsos de una sola vez. A eso de la medianoche, el festival llevaba cerca de cuatro horas de inaugurado, con la promesa de tener los parlantes encendidos hasta las 5 de la mañana. En el escenario llamado Alternative Arena, el francés Busy P (dueño del sello que descubrió a los taquilleros Justice) le servía el público en bandeja de plata al neerlandés Afrojack. Al mismo tiempo, en la tarima principal, el dúo alemán Booka Shade daba un progresivo show con tantas ejecuciones en vivo como trabajo de perillas, que partió frío y terminó con la gente pidiendo más.

Era la antesala de David Guetta, el plato fuerte de la noche. En su tercera aparición consecutiva en Creamfields, el francés convocó a más personas que cualquiera de sus colegas. El colaborador de Rihanna y Fergie todavía no conjuga sus papeles de DJ y estrella de pop: es frío, poco expresivo y no se mueve mucho, aunque baja el volumen de sus canciones para que los asistentes coreen (pocos lo hicieron, concentrados más en moverse que en recitar letras) y pide que apaguen las luces del escenario para mirar a sus acólitos. Los recursos creativos de Guetta son tan limitados como el tiempo de masividad que le va quedando, pero logran que la temperatura al aire libre aumente varios grados. Suficiente en el contexto de una fiesta.

El otro lado de la moneda lo vivió Pete Tong (parte de la BBC de Londres), en un espectáculo de bajo perfil, que al terminar dio pie al electrizante holandés Laidback Luke. A pocos metros, el vacío dejado por la imprevista ausencia de Miss Kittin era llenado por el veinteañero Seth Troxler, quien le cedió los equipos después al veterano Sven Väth y su propuesta más contemplativa. De experiencia también supo el escenario Cream, donde se presentaron el argentino Hernán Cattaneo (todo un habitué del certamen) y uno de los mejores números del cartel, el chileno Luciano. Afuera, Ferry Corsten bajaba el telón del tablado mayor, pasadas las 4 de la mañana, ya iniciado el éxodo de público. El octavo Creamfields trajo sabores del mundo y dejó satisfechos a los paladares de inclinación cosmopolita.

Interpol: Dulce condena

2012-01-07T04:07:00.002-03:00

En los tres años que pasaron desde su victorioso debut en Chile, otro gallo empezó a cantar para Interpol. En esa primera visita, los neoyorquinos eran un cuarteto y venían de editar un disco ("Our love to admire") que, pese a despertar críticas tibias, no opacaba su hoja de vida. Anoche, la banda se presentó mermada por la salida del bajista Carlos Dengler y con un deslucido trabajo homónimo, aparecido en 2010, bajo el brazo. Aunque en ambas ocasiones la locación fue el Teatro Caupolicán, la diferencia entre el pasado y la actualidad del grupo se hizo notar en el ambiente, así como también sobre el escenario.

De la devoción mostrada en 2008, poco y nada queda; el público nacional ha perdido lentamente su capacidad de asombro, abrumado por la avalancha de recitales foráneos, y el último álbum del trío tampoco ayuda a mantener la incipiente leyenda del grupo a la altura requerida. Pese a que ningún grupo asume abiertamente sus devaneos cualitativos, Interpol reconoce en su elección de temas que el fuerte de su historia se concentra en sus dos primeras entregas, desde donde rescatan las canciones que configuran la mayor parte del show.

En las piezas más célebres de su colección, como "The Heinrich maneuver", "Narc", "C'mere" y "Not even jail", el público respondió entregado a la banda. Pero no pasó lo mismo con sus nuevos títulos, excepto con la inaugural "Success", aplaudida principalmente por dar pie al inicio del concierto. Interpol está sentenciado a vivir opacado por las comparaciones, y si bien su presente no es tan auspicioso como la génesis de su discografía a comienzos de la década, la condena es más dulce que amarga. El trío fue la punta de lanza de la resurrección del post-punk, uno de los fenómenos más interesantes del indie en la pasada década, y la audiencia aún se lo agradece. Si hace tres años la venida de los neoyorquinos se convirtió en un fenómeno, hoy por lo menos confirman que están listos para ser reconocidos como neoclásicos.

Música para regalo: Los discos que festejarán la Navidad

2012-01-07T04:00:00.005-03:00

No sólo de villancicos vive el cancionero. El regreso de Carole King y Justin Bieber marcan la pauta navideña.

Si lanzar especiales de Navidad antes era una tradición, ahora es casi una necesidad para la alicaída industria disquera. La oferta de títulos alusivos a la fiesta de fin de año crece a pasos agigantados, y lo que antes era un festín de villancicos, ahora se reparte entre el juvenil pop de Justin Bieber, el toque clásico de Carole King o la apuesta crooner de Scott Weiland. Otros nombres, como el dúo indie She & Him, el solista Michael Bublé y la serie televisiva "Glee" también estrenan sus propias celebraciones.

Justin Bieber: "Under the mistletoe"

La costumbre dicta que si dos personas se encuentran debajo de un muérdago navideño, deben besarse. Una fantasía que Justin Bieber les ofrece a sus fanáticas en "Under the mistletoe" ("bajo el muérdago"), el primer registro que evidencia los cambios en su voz, cada vez menos infantil. El ídolo adolescente conjuga material inédito, preparado para la ocasión, con temas como el archifamoso "Santa Claus is coming to town" (que no escatima en referencias a "I want you back" de los Jackson 5) y "All I want for Christmas is you", de Mariah Carey, a dúo con su propia autora.

Carole King: "A holiday Carole"

Carole King vuelve luego de diez años alejada de los estudios. En "A holiday Carole", la legendaria cantautora se entregó de lleno a la producción y asesoría de su hija, la también solista Louise Goffin. Colaboradores de Shakira y Robbie Williams fueron reclutados para escribir los tres temas inéditos que contiene el disco, donde además aparecen covers de los héroes afroamericanos Booker T. Jones y Donny Hathaway. Son las últimas noticias de King, de quien sabremos de nuevo en abril de 2012, cuando aparezca el libro "A natural woman", su autobiografía.

Glee: "The Christmas album volume 2"

El éxito televisivo de "Glee" ha convertido a la serie en una máquina de grabar y vender música. Más de 200 canciones han sido versionadas en el programa, que este año presenta su segundo disco navideño, "The Christmas album volume 2". La fórmula sigue siendo la misma que en 2009 empezó a conquistar fanáticos: un esquema coral, muchísima afinación y alardes vocales varios. Entre temas popularizados por Elvis Presley, Joni Mitchell y Mariah Carey, la placa también propone dos composiciones nuevas: "Extraordinary merry Christmas" y "Christmas eve with you".

She & Him: "A very She & Him Christmas"

Zooey Deschanel ya es un estilo. En Estados Unidos, su foto es la perfecta ilustración del nuevo término adorkable, una mezcla entre adorable y dork (torpe). La protagonista de la película "(500) días con ella" y de la serie "New girl" canta como actúa: sin hacer mucho esfuerzo, pero siempre distinguida por su carisma y presencia. Con She & Him, su dúo junto al muy recomendable solista M. Ward, lleva dos discos en clave girl group sesentero. Ahora, la pareja regresa con este álbum de canciones de Navidad, que incluye la famosa "Sleigh ride" y "Christmas", escrita por Brian Wilson de The Beach Boys.

Michael Bublé: "Christmas"

Grabar canciones navideñas no es algo nuevo para Michael Bublé, quien hace ya ocho años conmemoró la festividad con el EP "Let it snow". En este segundo intento, el canadiense escoge canciones tan reconocibles como "Jingle bells" (en versión swing junto a The Puppini Sisters) y "Feliz Navidad" de José Feliciano (en español y acompañado por la mexicana Thalía). La selección de temas abarca desde el "Ave María" de Schubert hasta "All I want for Christmas is you", de Mariah Carey, pasando por "White Christmas" en tono doo-wop junto a una reaparecida Shania Twain.

Scott Weiland: "The most beautiful time of the year"

Más templado que nunca, el vocalista de Stone Temple Pilots edita por fin su disco navideño, pospuesto el año pasado. De personalidad controvertida, el músico baja la guardia y las revoluciones en un proyecto que anhelaba concretar desde que en 2009 editó un single navideño. Aunque la base orquestal se parece a la de Bublé, como apuntó la revista Spin, el cantante logra imprimir su sello -que varía entre perverso y desganado- incluso entremedio de acercamientos al reggae y latin jazz.

Ringo Starr & His All-Starr Band: Primera estrella

2012-01-07T03:57:00.001-03:00

Siempre fue el más simpático de los Beatles y el que mejor lo pasaba frente a las cámaras. A los 71 años de edad, Ringo Starr llegó a Chile por primera vez con la soltura de los que no tienen que dar explicaciones a nadie. Como es su costumbre desde 1989, el baterista y cantante se hizo acompañar de la All-Starr Band, una cruza entre súpergrupo y banda tributo que, en esta undécima encarnación, trajo a nuestro país a viejos cracks de grupos con uno o más éxitos como The Romantics o Mr. Mister. Tener un hit, de hecho, es el primer requisito para formar parte del equipo.

Aun así, la vara está demasiado alta para ellos. Lennon tuvo a Clapton en la Plastic Ono Band, Harrison compartió junto a Dylan en los Travelling Wilburys y McCartney colaboró con Michael Jackson y Stevie Wonder. Nada de lo que Ringo Starr pueda hacer supera, en teoría o práctica, los antecedentes de sus ex compañeros. Es una batalla perdida, y el inglés lo sabe, por eso monta un show cuya máxima aspiración es repetir el pasado en vez de superarlo. La principal diferencia es que ahora el personaje secundario es el protagonista. "La verdadera estrella de este show es Ringo", dice el cantante y guitarrista Wally Palmar al presentar "I wanna be your man", de los Beatles.

Aunque bien recibida, la versión del tema -con Starr en la batería y la distancia que implica su posición- no consigue despertar el fervor que sí logra "Yellow submarine". En ese momento, el primer clímax del concierto, Ringo -esta vez en calidad de frontman - es el maestro de ceremonias que todos esperaban ver. El público responde cariñosamente coreando el tema, porque, en sus propias palabras, "Santiago se lo sabe". La aprobación también alcanzó para rendiciones fuera del repertorio Beatle como las de Wally Palmar ("Talking in your sleep" y "What I like about you", de The Romantics), Edgar Winter ("Free ride", "Frankenstein") o Richard Page ("Kyrie" de Mr. Mister, previa alusión al accidentado paso de la banda por el Festival de Viña de 1988, y "Broken wings"). Así crece y se hace más cálido el ambiente, mientras el show avanza hacia sus platos fuertes: "With a little help from my friends", "Give peace a chance", de Lennon, y la inagotable memorabilia de los cuatro de Liverpool.

K.C. and the Sunshine Band: Árbol genealógico

2012-01-07T03:52:00.004-03:00

El show de KC and the Sunshine Band empieza por el final. El cantante, apenas iniciado el concierto con "(Shake, Shake, Shake) Shake your booty" y "My boogie shoes", presenta a su nutrida banda de acompañantes. Y aunque la mayoría de los miembros actuales aún no nacían, o no tenían edad para beber, cuando la música disco imperaba, la nostalgia pesa más que la exactitud y el público del Casino MonticeIlo aplaude como si fueran los mismos músicos de los 70. Qué más da. Ahí está el líder y fundador de la banda, el rostro carismático, concentrado en su principal misión: entretener. Aunque ha perdido voz y movilidad, su infalible simpatía compensa el paso del tiempo. No es fácil ser un tótem de la cultura bailable a los 60 años.

Antes de que Harry Wayne Casey (K.C. para los amigos, que fueron las más de mil personas que llegaron a verlo anoche) subiera al escenario, "I gotta feeling" de Black Eyed Peas sonaba por los parlantes para amenizar la espera. Una decisión que no tiene nada de aleatoria, porque el cuarteto de Fergie y will.i.am basó uno de sus últimos temas ("Love you long time") en el clásico "Give it up". Por si alguien todavía no mesuraba la vital importancia de KC and the Sunshine Band en el árbol geneálogico del pop, el mismo vocalista se encargó de explicarla. "Soy el N'Sync de sus mamás. Justin Timberlake se verá igual que yo en 30 años más", dijo entre risas. El chiste es el mismo de hace varias giras, pero sigue resultando.

Pasa igual con sus canciones. "I'm your boogeyman", "Keep it comin' love" y la coreadísima "Please don't go" desatan pasiones que datan desde la era de las patas de elefante y que hoy son un pasaporte sin escalas al pasado. Además de su propio arsenal, KC and the Sunshine Band hace uso de éxitos ajenos como "Let's get it on" y "Ain't no mountain high enough" de Marvin Gaye, "Brick House" de The Commodores, "Shake your body" de The Jackson 5 o "Da ya think I'm sexy?" de Rod Stewart. Sólo elecciones acordes al contexto. Aparte de sus enormes deseos de hacer bailar en honor a la nostalgia, el grupo tiene categoría de leyenda y credenciales de sobra para montar una fiesta de proporciones épicas donde sea. Chile, una vez más, no fue la excepción.

Noel Gallagher's High Flying Birds: Manual de estilo

2012-01-07T03:49:00.001-03:00

Reacio al papel de músico solista, Noel Gallagher montó una banda de fantasía para salir del cascarón roto de Oasis, el grupo que popularizó junto a Liam (su hermano que hoy milita en Beady Eye). En "Noel Gallagher's High flying birds", el cantante y guitarrista inglés impone sus términos, tal como en la época de gloria del britpop y la Cool Britannia. Las reglas son simples: pensar en grande y no salir jamás de la zona de seguridad. Es decir, componer pensando que todo lo escrito podría ser coreado por un estadio lleno y seguir, al pie de la letra, las directrices del manual de estilo del rock clásico.

Con un triunfante arreglo de cuerdas, "Everybody's on the run", el primer tema del disco, anuncia la buena nueva de que Gallagher no ha perdido el norte. "Noel Gallagher's High Flying Birds" está lleno de buenas ideas, como los retazos de antiguo house de Manchester en "AKA... What a life!" (la gran sorpresa del álbum) o el coro de voces en "(I wanna live in a dream in my) record machine ". Sin ocurrencias brillantes, sólo mediante el uso de viejos trucos reordenados por el olfato del buen gusto, el cantautor resuelve la encrucijada y enfila el paso. Una vez más, el alumno aventajado de la vieja escuela se salió con la suya.

Björk - Biophilia: Turismo aventura

2012-01-07T03:45:00.003-03:00

Björk y el pop. Un romance que llegó a su fin lentamente. Hace una década, el primer quiebre fue el disco "Vespertine", un profundo tratado sobre la delicadeza. Luego llegó la exploración vocal en "Medúlla" de 2004, sumada tres años después al tribalismo de "Volta". Tres pasos de distancia. Ahora, con "Biophilia" es el turno de firmar el divorcio por diferencias irreconciliables. La nueva entrega de la solista islandesa pone fin a su idilio con los formatos convencionales. De esa entrañable cantante que conocimos en los 90, apenas queda el nombre y la voz que todavía la hacen familiar. Pero en su último trabajo Björk es un ser extraño, casi alienado y, sobre todo, obsesivo.

"Biophilia" es un proyecto ambicioso. Además de un disco incluye aplicaciones para iPad (una por cada tema) y conciertos de alto vuelo técnico para estar a la altura de una obra conceptual que requirió incluso la creación de nuevos instrumentos musicales. Inspirado por el universo y su naturaleza, el octavo álbum de la otrora princesa pop supone un desafío a los menos arriesgados, poco dispuestos a escuchar canciones sobre virus, placas tectónicas o ADN. No importa qué tan seguro parezca en un comienzo, como ocurre en "Crystalline" y "Mutual core", internarse en Björk es hacer turismo aventura.

Ginette Acevedo y Valentín Trujillo: Viajes de memoria*

2012-01-07T03:42:00.004-03:00

En todo Chile corre el año 2011, pero en la SCD de Bellavista el panorama es otro. Sobre el escenario, Enrique Maluenda presenta el espectáculo con su habitual calma, muy acorde a la audiencia que llegó a la grabación del disco en vivo de Ginette Acevedo y Valentín Trujillo. Desde el público, las cantantes Palmenia Pizarro y Gloria Simonetti aplauden con vehemencia apenas comienza el show conjunto, titulado "Desde el alma". Es una noche de amigos y también es el momento para desobedecer al calendario. La alianza entre la cantante y el pianista tiene como misión despertar la nostalgia por épocas pasadas, por los estelares musicales de radios como Minería y Corporación y, claro está, por el "Festival de la Una" (que el 2 de octubre pasado se despidió definitivamente en el Teatro Caupolicán).

Entre Acevedo y Trujillo acumulan horas de vuelo suficientes para pilotear con éxito una velada así. Su repertorio se inicia con "Emociones" y "En un rincón del alma", canciones que hablan de sobrevivencia y que, en "La voz de la ternura", son testimonio fehaciente de que los años entregan sabiduría y no pasan en vano. Así arranca un auténtico desfile de recuerdos, amenizado por el constante diálogo entre ambas figuras, que se toman el tiempo de comentar cada tema y reverenciar a sus autores. Con esmero, los dos se encargan de desempolvar clásicos populares y de poner en contexto sus elecciones, que van desde Piero ("Soy pan, soy paz") hasta el "Poema 15" de Pablo Neruda, pasando por Charles Aznavour ("La bohème") y Lucho Gatica ("La barca").

Los viajes de memoria emprendidos por Ginette Acevedo y Valentín Trujillo llegan a buen puerto, porque conmueven por derecho propio. Ya sea a través de los tangos ("El último café", "Cuesta abajo"), un vals de Marianito Mores o la bossa nova ("Corcovado"), el resultado siempre traspasa la fibra emotiva de los presentes. La categoría del pianista y el dramatismo que la cantante impregna a sus interpretaciones se amalgaman y quedan convertidos en oro puro. En un trozo de nuestra historia sonora. "Desde el alma" es una cátedra, en vivo y en directo, sobre la importancia de mantener siempre las emociones a flor de piel al momento de dar vida a una canción. Ya lo sabía Trujillo, quien debutó en 1958 con un disco bautizado "Un piano con alma". Certera, Acevedo explica que "este espectáculo se llama así porque así toca el maestro y así canto yo". Toda la razón.

*Título original

Mijares: Alto al fuego

2012-01-07T03:38:00.002-03:00

Durante el célebre single "Baño de mujeres", la pantalla gigante del show de Mijares muestra el típico símbolo de los sanitarios femeninos, aunque con una salvedad: la cabeza del dibujo tiene cuernos de diablo. Y he ahí una pista para entender de qué se trata el concierto que el mexicano trajo a nuestro país, en el marco de la celebración de sus 25 años de carrera, sintetizados en el recopilatorio en vivo "Mijares 25. Zona preferente". En el imaginario del azteca, el sexo opuesto es tanto aliado como enemigo, remedio y enfermedad en letras que se basan en el mismo principio de la homeopatía: son ellas las culpables del daño, así que también pueden sanarlo.

Manuel Mijares se desdobla en el Casino Monticello. Es un romántico esperanzado en "Si me enamoro", un creyente férreo en "No se murió el amor" o un héroe abatido en "Soldado del amor", y así compensa con vigorosas interpretaciones su parquedad escénica (acentuada por las tres descoordinadas bailarinas que lo acompañan). Poco le importa este detalle a los 850 espectadores del espectáculo, pendientes de los devaneos vocales del solista, más que de su disminuida capacidad física. Después de todo, lo medular del concierto está en el modo vehemente en que el cantante declama un discurso que, casi siempre, nace desde la virilidad herida de un hombre ante su esquivo objeto de deseo.

"El amor es un campo de batalla", decía Pat Benatar en los 80 (en su hit "Love is a battlefield"). Y justamente aquel terreno minado es el hábitat natural del azteca. Mijares intenta dar la pelea, pero en el fondo sabe que sus opciones de ganar son nulas. Por eso, cuando se apropia de "Mujeres" de Ricardo Arjona -quien aparece en un video grabado en la pantalla- hacia el final del show, el cover es prácticamente un acto de rendición. La bandera blanca que cesa las hostilidades. Así ha sido la carrera del mexicano, tal cual como fue la gala en Santiago. Un cuarto de siglo en el mismo tira y afloja, para terminar declarando un alto al fuego y entregarse de lleno al descanso del guerrero.

Justin Bieber: En tiempo real

2012-01-07T03:36:00.004-03:00

Como hijo ilustre de la era de la inmediatez, Justin Bieber llegó a Chile más rápido de lo que, por lo general, arriban las estrellas del pop, que suelen venir cuando ya ha pasado el momento más estelar de sus carreras. Los fanáticos del canadiense no tuvieron que esperar hasta la adolescencia o la adultez para expresar su adoración con el fervor que corresponde al fenómeno del momento.

Lo vivido anoche, en un Estadio Nacional a tablero vuelto, fue un rito de histeria en tiempo real. Si hace tres años nadie conocía al solista, hoy decenas de miles de niñas y algunos niños celebran su presencia mediante gritos que desafían la capacidad de tolerancia de cualquier tímpano.

Con absoluta convicción, los seguidores del cantante lo acogen como uno más de la tribu, porque Bieber es efectivamente parte de sus vidas. Está en todos sitios, pero especialmente en sus computadores, así que tenerlo en Santiago es, en cierta medida, parecido a conocer a un ciber amigo que viene de lejos.

Después de ejecutar versiones acústicas de canciones como "Favorite girl" o "Never let you go", y de subir al escenario a una fan para dedicarle "One less lonely girl", la estrella pop deja corriendo un video en la pantalla, que lo muestra en imágenes de su más tierna infancia. Cuando llega el turno de "One time", tema que abre su disco debut, "My world", Justin Bieber tiene a su séquito de admiradores repitiendo la consigna del coro: "Tu mundo es mi mundo y mi lucha es tu lucha". Una clase maestra de empatía y complicidad con su público; Bieber consigue que cada niña sienta que él está presentándose sólo para ella.

"Wanna be startin' somethin'", una reverencia a Michael Jackson, y "Walk this way", de Aerosmith, aderezan el repertorio del solista. Dos lecciones fundamentales para comprender que el pop se basa en la reiteración, tal como el cantante lo aplica en sus propias "Eenie meenie" y, especialmente, al cierre, con ese hit generacional (gústele a quien le guste) llamado "Baby". Es la clausura obligatoria para un show redondo, que cumple a cabalidad con su intención inicial: desatar la fiebre Bieber por doquier.

Tony Bennett - Duets II: Ensayo y error

2012-01-07T03:32:00.002-03:00

La peor equivocación de la carrera de Tony Bennett fue, al mismo tiempo, su primer intento de seducir a la juventud. Ocurrió en 1970, cuando el entonces devaluado crooner tuvo que rendirse ante el rock y la sicodelia, presionado por los ejecutivos de su sello. "Tony Bennett sings the great hits of today!" se llamó aquel fracaso artístico y comercial, en el que ni siquiera "Something" o "Eleanor Rigby" de The Beatles servían para esconder la incomodidad del cantante frente a un género que no era el suyo.

Con el paso del tiempo, el octogenario estadounidense comprendió que, para embelesar a las nuevas generaciones, no era necesario un cambio drástico en su esencia. Hacía falta establecer un puente, que conectara su estilo clásico y elegante con la impronta de músicos que, por edad, podrían ser nietos, hijos o hermanos menores.

Ese nexo llegó en 2006 a través de "Duets: An american classic". Una colección de duetos que transformó, nuevamente, a Tony Bennett en grito y plata. "Duets II" es su recién editada secuela, precedida por el éxito remozado de su artífice, pero esta vez también por una nota triste: la muerte de Amy Winehouse. La cantante inglesa grabó una sobrecogedora versión de "Body and soul" (inmortalizada por héroes como Billie Holiday, Ella Fitzgerald y Frank Sinatra), sin saber que sería su último registro en vida. Elegido como primer single antes del deceso, y transformado en dato rosa para siempre, el tema es la pieza central de un compendio generoso en invitados: la lista va desde Alejandro Sanz hasta Aretha Franklin, y pasa por Mariah Carey, Sheryl Crow y Michael Bublé.

Para completar el disco, Tony Bennett viajó por el mundo visitando a sus colaboradores, en un periplo que lo llevó por Siena, Nueva York y Londres, entre otros parajes. Todo fue hecho cara a cara, de cuerpo presente, sin la distancia que impone la comunicación virtual. Una cosecha fructífera cuyos aciertos son en grande. Lady Gaga se encarga de noquear a los escépticos en "The lady is a tramp", en una picaresca lectura que destila afinidad junto a Bennett, quien a su vez resulta ser también muy compatible con Norah Jones en la cómplice "Speak low". Hasta los puntos bajos de "Duets II", como la escasez de química que evidencian los aportes de John Mayer o Andrea Bocelli, dan cuenta de la plausible empresa de un músico que, a sus 85 años y con la voz intacta, aprendió a sorprender sin salirse de su propio libreto.

System of a Down: Cuestión de tiempo

2012-01-07T03:27:00.002-03:00

Cuando R.E.M. anunció su disolución, Michael Stipe dijo que una de las habilidades necesarias para ir a una fiesta era saber a qué hora irse. A System of a Down le falló el sentido del tiempo cuando, en su mejor momento, decidió hibernar. Pero anoche, en el Estadio Bicentenario de La Florida -donde se presentaron pese a que el alcalde Rodolfo Carter puso un recurso de protección por las molestias que estos recitales causan a los vecinos- la banda armenio-americana acertó en llegar a Chile para cumplir el deseo de miles de fanáticos que llevaban más de una década esperando verlos. Sin material nuevo que mostrar, pero con un repertorio más que probado, el grupo coronó en nuestro país su gira latina ante un público devoto.

Era cuestión de tiempo para que volvieran. El cuarteto dejó tantos huérfanos tras su prematuro paréntesis, iniciado en 2006 y terminado cuatro años más tarde, que todavía nadie ha podido llenar el espacio que dejó vacío. Esa mezcla de poderío e histrionismo, mezclado con letras políticas y un discurso incendiario, mantiene su vigencia tal como en esa semana del 11 de septiembre de 2001, cuando el conjunto encabezó las listas con su obra imprescindible, el disco "Toxicity".

Las canciones de ese álbum, como "Chop Suey!" y "Aerials", fueron revividas en la noche fría floridana con precisión milimétrica, junto a un abultado catálogo de temas de progresiones bombásticas e inesperadas. System of a Down puede jactarse de su intrincada dinámica grupal, en que el lucimiento se concentra en un cantante tan orate como operático, Serj Tankian, y en el guitarrista Daron Malakian, cuya habilidad instrumental pareciera no conocer límites. "¿Por qué siempre mandan a los pobres a la guerra?", se pregunta la banda en "B.Y.O.B". Mientras la rabia permanezca lozana, alimentada por el descontento hacia la política y las desigualdades, siempre será un buen momento para un grupo como System of a Down. Que el público quedara pidiendo más, luego del cierre con "Sugar", es el síntoma de que estas canciones siguen siendo necesarias.

Cuatro hitos en la carrera de Ricky Martin

2012-01-07T03:24:00.003-03:00

"Ricky Martin" (1991)

Poco antes de cumplir 20 años, Ricky Martin se estrenó como solista con este disco homónimo, en el que dejaba atrás la imagen de niño inofensivo que cultivó en su paso por Menudo. De melena y pecho al viento, el boricua aparecía decidido a barrer con todo, en un álbum que le hacía justicia al ímpetu de su juventud. Con sencillos como "Fuego contra fuego", "Dime que me quieres" y "Susana", el cantante se convirtió de inmediato en una figura del pop latino. Por supuesto, Chile también cayó rendido a sus pies gracias a este álbum, que lo trajo al Festival de Viña por primera vez en 1993, como parte del jurado.

"A medio vivir" (1995)

Para que Ricky Martin se convirtiera en una megaestrella mundial, el eslabón necesario fue "A medio vivir", su tercer trabajo. Fue con este disco que el mercado hispanoparlante empezó a quedarle estrecho al puertorriqueño, gracias al éxito de la explosiva "María" en países como Alemania y Francia, que abrazaron con fervor al cantante y lo transformaron en una bomba de tiempo a punto de estallar en Estados Unidos. En 1996, otra vez sobre el escenario de la Quinta Vergara, el solista dio uno de sus conciertos más gloriosos en nuestro país, avalado también por las románticas "Te extraño, te olvido, te amo" y "Fuego de noche, nieve de día".

"Ricky Martin" (1999)

Con "La copa de la vida", el tema oficial de Francia 98, y una incontestable aparición en los Grammy del año siguiente, Ricky Martin se impuso en las grandes ligas. Pero no fue sino hasta "Livin' la vida loca", el single inaugural de este segundo álbum homónimo, que el músico logró coronar su carrera y matricularse en la pauta del fin de milenio. Simplemente no había escapatoria al influjo de la canción, encumbrada en la cúspide de los conteos del orbe. Como una profecía autocumplida, el título del tema condensó lo que sería, durante los próximos años, la carrera del artista.

"Música + alma + sexo" (2011)

Seis años distanciado de los estudios, que poco se notaron gracias a su Unplugged para MTV y su bullada salida del clóset, pasó Ricky Martin antes de la edición de este disco. Veterano de guerra con apenas 39 años, en "Música + alma + sexo" el boricua celebra la vida con una obra indirectamente confesional, pero fácil de interpretar como el retrato de un hombre reconciliado consigo mismo. Con la resaca del mareador éxito planetario superada, el solista vuelve a la carga con ánimo bailable, aunque ahora emana la serenidad de quien crece en público y resuelve cada vez mejor las situaciones.

Nick Jonas & The Administration: Dime con quién andas

2012-01-07T03:20:00.002-03:00

La base de The Administration, el grupo de apoyo de Nick Jonas en su disco "Who I am", es la misma que tocaba junto a Prince en éxitos como "Cream" o "Money don't matter 2 night". Clásicos que datan desde antes del nacimiento del menor de los Jonas Brothers, desde siempre, el más interesado del afamado trío en establecer conexiones históricas. Entre gritos ensordecedores de sus acólitas, parte del espectáculo en un show de esta clase, el solista pregunta si hay fans de The Beatles en el Movistar Arena y presenta un cover "I saw her standing there".

Simbólicamente, la canción elegida es la que abre el primer disco de los británicos, quienes -guardando todas las proporciones del caso- alguna vez también fueron grito y plata en la audiencia juvenil. Es que Nick Jonas exuda ambición de trascendencia, mezclada con un sano afán de complacer al público, sin sentir vergüenza por pertenecer a la familia del pop Disney. Con la misma prestancia toca el material de su despegue en solitario, recuerda la saga "Camp Rock" o acude al repertorio ajeno (Bruno Mars, Coldplay, o su hermano Joe Jonas). Y da lo mismo si entona un falsetto, bebe agua o saluda: sus seguidoras enloquecen con cada uno de sus movimientos.

En esa confianza, de la que el cantante y guitarrista nunca abusa, reposa la libertad que el músico transmite. Por supuesto que hay momentos fríamente calculados, hechos para conquistar y arrancar suspiros, pero también se respira una soltura inusitada para un ídolo adolescente. Nick Jonas nunca desafina, disfruta el momento y tiene la tranquilidad de que su banda de acompañantes (que no es la del disco, aunque tiene similar escuela) jamás defrauda. Es más, los mejores pasajes del concierto son protagonizados por los escasos temas de "Who I am" ejecutados, como su homónimo single, "Last time around" o "Rose garden". Es de esperar que, en el futuro, el menor de los Jonas Brothers confíe más en su propio puño y letra. No le vendría mal.

Judas Priest: La última cena

2012-01-07T03:15:00.004-03:00

"Es todo heavy metal", afirma Rob Halford sobre el escenario de un repleto Movistar Arena, desdeñando con autoridad la afición del género por subdividirse en múltiples categorías. Y si hay una banda que sabe del fundamentalismo inherente a su público, ese grupo es Judas Priest. Es probable que nadie salga del recinto y abandone de cuajo la costumbre de etiquetar cada riff duro que aparezca, pero esta noche cualquier cosa que el quinteto inglés diga es ley, porque es su última vez en Chile. "World epitaph" se llama el tour de despedida de los británicos, que anunciaron su retiro definitivo de las giras mundiales, aunque no de la travesía discográfica que los convirtió en un auténtico tótem del rock pesado.

Es tanta su credibilidad que pueden darse el lujo de tocar en "American idol", junto a uno de los ex concursantes del programa, sin perder un ápice de su carácter institucional. Incluso, un conjunto como Anthrax (caracterizado, al igual que ellos, por nunca bajar la guardia) les rinde tributo, titulando "Judas Priest" una de las canciones de su más reciente disco, "Worship music". Si no fuera por el agrio sabor que, inevitablemente, deja el adiós, el show final de Judas Priest en Santiago fue un sueño dorado. La banda repasó su catálogo, incólume ante el paso del tiempo e inspirada por una audiencia que da cátedra sobre fidelidad, en una retrospectiva que aplaca la nostalgia al mostrar que sus piezas siguen vigentes. Clásicos perdidos, como "Starbreaker" de 1977 o "Heading out to the highway" de 1974, convivieron con infaltables como "Metal gods" y "Breaking the law", para configurar el menú de la última cena de un dios y sus miles de apóstoles.

Red Hot Chili Peppers: Juego limpio

2012-01-07T03:09:00.003-03:00

Que no es lo mismo sin John Frusciante en la guitarra. Que su último disco, titulado "I'm with you", es un palo de ciego. Que están desganados. Todo puede ser cierto cuando se mira a los Red Hot Chili Peppers desde el cinismo y el tecnicismo. Es lógico: hablamos de un grupo que en 2009 perdió a su principal fuerza creativa y que nuevamente se busca a sí mismo, como un eterno adolescente.

La noche del viernes, en el Estadio Monumental, el show de la banda californiana fue teloneado por Chancho en Piedra y Foals. Un dato decidor. Mientras los nacionales son derechamente famosos, los ingleses no gozan de reconocimiento popular, así que el encuentro de ambos simboliza la clásica lucha rockera entre seguridad y riesgo. Dentro del cuarteto encabezado por el cantante Anthony Kiedis, cada vez más parecido a Iggy Pop, borbotean energías similares. Mientras el batero Chad Smith juega al supergrupo junto a Joe Satriani y ex miembros de Van Halen (en Chickenfoot), el bajista Flea colabora con Thom Yorke de Radiohead y Damon Albarn de Blur en sus proyectos paralelos. Y eso sin indagar en el pasado indie de Josh Klinghoffer, el nuevo del bloque, quien superó la prueba de la blancura sobre el escenario y confirmó el tino de Frusciante al recomendarlo como su reemplazante.

En vivo, los Red Hot Chili Peppers establecieron un diálogo con su público chileno, y en esta tercera conversación, que tanto fluyó en los conciertos de 1999 y 2002, la complicidad fue más grande que antes. Ahora los estadounidenses ya no están en un momento glorioso, y su audiencia, que acudió en masa a verlos, también lo sabe. Se palpa en la recepción templada que obtiene su último single, "The adventures of rain dance Maggie", versus la abrasadora acogida que reciben los hits del calibre de "Under the bridge" o "Around the world". La banda acusa recibo del mensaje: de los 19 temas tocados, sólo cinco forman parte de "I'm with you" y el resto es manjar para fanáticos. Los grandes saben triunfar jugando limpio.

Portugal: Aquí y ahora

2012-01-07T03:05:00.000-03:00

El cuarteto Portugal, a la fecha, lleva más de 100 mil reproducciones de su video para la canción ‘Nuestro Momento’. Señal inequívoca de que algo grande está por venir.

El pasado 7 de julio, en Santiago de Chile, tuvo lugar la manifestación pública de mayor convocatoria desde el retorno de la democracia en 1990. En ella, decenas de miles de estudiantes salieron a las calles para exigir educación gratuita y de calidad, ante los ojos de un país que había perdido la costumbre de ver eventos de tal magnitud. Dos jóvenes vestidos de colegiales fueron captados, en medio de la batahola desatada ese día (que implicó enfrentamientos con los policías), besándose frente a cámaras que los filmaban.

Además de ser vitoreados por los presentes, las imágenes aparecieron en noticiarios de televisión y diarios, retratadas como un hecho romántico situado en un escenario adverso. Casi un mes después, el día viernes 5 de agosto, el grupo chileno Portugal lanzó el video para su single debut, ‘Nuestro Momento’. ¿Los protagonistas? Aquellos supuestos liceanos, que finalmente resultaron ser actores, guiados por un director (Moisés Sepúlveda) cuya principal instrucción hacia ambos fue “si se van presos, no importa, después vemos cómo los sacamos”.

Trabajado en clave documental, el estreno del clip resultó ser la alquimia perfecta entre fortuna y virtud. La banda ya había subido a internet un video para la misma canción, pero no quedó conforme y decidió filmar otro, costumbre poco usual en el país, especialmente para un conjunto que está dando sus primeros pasos. Además, la realización justo quedó lista para ser subida a la red el día después de otra gran manifestación, esta vez con cacerolazos y gran respaldo ciudadano. Así, el infortunio se convirtió en oportunidad y la efervescencia social sentó la base para que ‘Nuestro Momento’ viera el aire.

En menos de 24 horas en Vimeo y YouTube, el single de Portugal recibió cerca de 30 mil visitas. Al cabo de una semana, más de 70 mil personas habían visto y escuchado al grupo, original del puerto de San Antonio, en la Quinta Región. La historia de los dos colegiales, que caminan por la calle cumpliendo ritos típicos del estudiante secundario chileno (comprar cigarros con las monedas justas, comer sopaipillas de la calle), se convirtió en contenido viral mediante las redes sociales, donde el link se impuso como comentario y recomendación obligados.

¿Oportunismo? Para nada. ‘Nuestro Momento’ es un tema que data de 2010, año en que fue presentado por el grupo como parte de su álbum debut (titulado “Viajes de Memoria”, liberado para descarga gratuita y alabado por la prensa de trinchera musical independiente). El segundo aire de la canción llegó a propósito del relanzamiento del disco vía Sello Azul, compañía que editó la placa en formato físico recientemente, dada la calurosa recepción que tuvo su salida en línea, limitada sólo por el contexto artesanal en que fue realizada.

Es más, la letra del sencillo ni siquiera alude en forma directa a la delicada coyuntura que enfrenta Chile, porque es una canción que habla sobre amor de pareja en clave rock-pop con piano. Portugal acusa recibo de la influencia de bandas como Death Cab For Cutie, Mew y Sigur Rós, y no se reconoce como un grupo de contenidos políticos o contestatarios. Sin embargo, la línea en que el cantante Mariano Hernández dice “porque éste es nuestro momento”, cobró un nuevo y emotivo significado tras la aparición del video, que en ese extracto lírico muestra la multitudinaria protesta.

Lo que valida por completo la puesta al aire de ‘Nuestro Momento’ y echa por tierra cualquier sospecha de aprovechamiento es la misma banda, formada justamente por universitarios, más interesados en mostrar su apoyo al movimiento estudiantil y sus demandas que en la quimera de la notoriedad (de hecho, ninguno de los miembros del cuarteto aparece en el clip); afán obsoleto en un país concentrado en tendencias de consumo masivo como el reggaeton y la cumbia. Despojado de pretensiones inalcanzables, Portugal consiguió lo que ningún grupo incipiente se atreve a soñar: poner su música en la órbita de miles de personas en tiempo récord.

Comentados en CNN, diarios de circulación nacional y hasta en matinales de televisión abierta, elogiados por el siempre notorio Residente de Calle 13 en Twitter, reseñados en sitios de internet de habla inglesa y germana… Portugal tiene de qué jactarse. Pero lo más importante es que su audiencia, compuesta por los mismos jóvenes que salen a marchar por las calles de Chile, los ha reconocido como una voz que representa el sentir masivo: este momento es el momento de momentos. Aquí y ahora. Sin dudar. Así es como se construyen los hitos musicales, y esta banda ya se encuentra instalada en la memoria de toda una generación.

Mixtape Anti Homofobia

2012-01-07T03:02:00.001-03:00

No es la misión de POTQ, como sitio de música, esbozar grandes argumentos en torno a la legalización de las uniones civiles homosexuales. Pero tampoco podemos hacernos los tontos. Cuando vemos los resquemores que genera en la derecha el Acuerdo de Vida en Pareja (que tampoco es una panacea) presentado por Piñera, nos damos cuenta de que algo anda mal en Chile.

¿Cómo puede haber personas que todavía cuestionen si una pareja del mismo sexo puede constituir o no una familia? Nuestra pregunta nace del más básico sentido común y carece de todo fundamento teórico o directriz ideológica. Nadie necesita filiación política para sentir vergüenza ajena ante la ignorancia de los parlamentarios que creen que los gays y lesbianas son subespecies.

Perder tiempo en torno a este supuesto tema de debate planteado por la derecha, que básicamente pone en duda la humanidad de los homosexuales, es darle importancia a un volador de luces que ralentiza al país a propósito; es tomar en cuenta la misma clase de “razonamiento” de los que quieren que veamos la salud o la educación como si fueran privilegios.

Porque la música es lo nuestro y porque reconocemos en la cultura homosexual una importancia que va más allá de George Michael, Elton John o Pet Shop Boys, este mixtape va dedicado a todos los que piensan –tal como nosotros- que el derecho de las personas a contar con garantías para su bienestar es universal y debería estar fuera de toda discusión.

LISTA DE CANCIONES

Kitchens of Distinction – ‘Mainly Mornings’
(del disco “Love is Hell” de 1989)

“Está la televisión, la radio, el teléfono / Todo ayuda / Está el auto, el sexo, el amor, el alcohol / Todo ayuda, todo ayuda”, dice el brillante Patrick Fitzgerald en esta canción. Una historia sobre una pareja de hombres, como hace explícito la letra, que pierde su magia por culpa de la rutina, firmada por un trío inglés que nunca se escondió en el clóset. Es más, bajo el nombre de Toilets of Destruction, el grupo solía dar conciertos en los que tocaban -vestidos de drag queens- covers de ABBA y Bowie, entre otros.

Ma Rainey – ‘Prove It On Me’
(1928)

80 años antes de que Katy Perry se hiciera famosa con la inocua ‘I Kissed a Girl’, la bluesera Ma Rainey se aprovechaba de que la industria del disco sufría su primera crisis (por culpa de la radio y las películas con sonido) y necesitaba algo llamativo, para promocionar con bombos y platillos su gusto por las mujeres. Y al contrario de la actual diva pop, las letras de Rainey hablaban desde la verdad y cimentaron el camino de otras cantantes lesbianas, como Alberta Hunter y Gladys Bentley.

Bessie Smith – ‘After You’ve Gone’
(1928)

Tan en serio era el lesbianismo de Ma Rainey, que cuando se fue presa en 1925 -luego de ser encontrada desnuda junto a otras mujeres-, su amiga y amante Bessie Smith pagó la fianza. En 1972, la biografía de Smith escrita por Chris Albertson dedicó un capítulo completo a la bisexualidad de la cantante y a los problemas que le trajo en su matrimonio con Jack Gee, un guardia de seguridad que nunca pudo aceptar que su esposa no sólo estaba interesada en los hombres.

Grizzly Bear – ‘Don’t Ask (Final Fantasy remix)’
(del disco “Horn of Plenty (The Remixes)” de 2005)

La alianza entre un par de iluminados: el guitarrista y cantante Ed Droste (fundador y líder de Grizzly Bear) y el violinista Owen Pallett (ex Final Fantasy, colaborador de Arcade Fire y Beirut, entre otros). Dos de los músicos homosexuales más talentosos de su generación, en una remezcla sobrecogedora que amalgama lo mejor de ambos.

Deerhunter – ‘Revival’
(del disco “Halcyon Digest’ de 2010)

Desde su música hasta su aspecto (producto del Síndrome de Marfan, la misma enfermedad que tenía Joey Ramone), Bradford Cox es uno de esos tipos condenados a ser vistos como algo especial. El líder de Deerhunter y solista bajo el alias Atlas Sound se declara un gay no practicante y virgen y dice que una de sus principales influencias homosexuales es Nirvana, especialmente los vestidos de Cobain y los besos entre sus integrantes (ver 1 y 2).

Mark Eitzel – ‘Ronald Koal Was A Rockstar’
(del disco “Klamath” de 2009)

“Ahora mismo estoy atravesando una crisis con el hip hop. Por un lado hay cosas que me gustan más que nunca: sobre todo el giro que dio Kanye West al género con sus tres primeros álbumes. Por otro lado están los raperos duros. Hay uno joven que creo que se llama Extreme Information o algo así (lo mismo tiene alguna k o una x en medio: ni me acuerdo ni quiero hacerle publicidad). Es un chico de Oakland, un letrista del nivel de Dylan, pero a cada rato tiene que soltar su “que se jodan los homos” y “que se jodan las putas”. Pues no: me da igual que hayas nacido en el gueto, vuelve al gueto y púdrete allí porque yo soy gay y estoy orgulloso”. (Entrevista para Rockdelux, febrero 2009).

Mirah – ‘Promise To Me’
(del disco “C’mon Miracle” de 2004)

Aunque ha optado por enviar mensajes universales en sus composiciones, esta solista de origen judío nunca ha tenido tapujos en reconocer abiertamente su lesbianismo y hacerlo parte de su femineidad. Este año, además, editó una colaboración de ensueño con otras dos mujeres de intachable hoja de vida: “Thao + Mirah”, un álbum firmado junto a Thao Nguyen (la líder de Thao with the Get Down Stay Down), producido por Merrill Garbus de Tune-Yards.

Sophie B. Hawkins – ‘Sweetsexywoman’
(del disco “Wilderness” de 2004)

Esta cantante neoyorquina se hizo célebre a comienzos de los ’90 con ‘Damn I Wish I Was Your Lover’, un single que tenía en su letra la frase “mientras le hago el amor a ella”, que le valió ser reproducido en radios y TV sólo en horario para mayores. La canción también apareció en la serie “Beverly Hills 90210” y fue versionada el año pasado por Black Kids. Al día de hoy, B. Hawkins se autodefine como una mujer omnisexual. Según ella, “mi sexualidad es espiritual. Es creativa. Puedo enamorarme de hombres y mujeres si me gustan su mente, corazón y alma”.

Nöel Coward – ‘Poor Little Rich Girl’
(1925)

Durante su vida, Noel Cöward escondió su homosexualidad, aunque siempre fue un secreto a voces y nunca le impidió transformarse en un personaje connotado. En términos muy breves: fue famoso como actor y compositor, Sir de la Corona Británica, amigo personal de Winston Churchill y ganador del Oscar. En 1998, conmemorando los 25 años de su muerte, fue lanzado un disco tributo a sus canciones con nombres del calibre de Suede, Pet Shop Boys, Damon Albarn y Paul McCartney.

Sal Mineo – ‘Party Time’
(1957)

Mineo se hizo famoso en la película “Rebelde Sin Causa” (1955), protagonizada por James Dean, en la que sus personajes entablaban una relación idealizada, platónica. De hecho, Platón era el nombre del joven interpretado por este actor homosexual que tuvo otros roles gay (llámese “adolescente perturbado y sensible” en la época) y de paso, grabó algunos singles -como ‘Party Time’- en 1957 y un elepé (“Sal”) al año siguiente.

Primal Scream - Teatro Caupolicán (30 de septiembre, 2011)

2012-01-07T03:00:00.002-03:00

“Miente, miente, que algo queda”, decía Joseph Goebbels, el ministro de propaganda de Hitler. Además de sonar escalofriante, la máxima del político nazi condensa lo ocurrido en 13 años desde la primera venida de Primal Scream a Chile. Con el paso del tiempo, aquel concierto ha sido mitificado hasta el absurdo; tanto que lo realmente acontecido esa noche de 1998 en la ex Oz pasó a segundo plano, opacado por más de una década de repetitiva exaltación de las bondades del grupo escocés en vivo.

En esta segunda venida, Bobby Gillespie y sus compañeros cargaban involuntariamente con el peso de estar a la altura de la leyenda edificada por los que fueron a verlos en su debut santiaguino (pocos) y los que dicen haber ido al show (muchos). El tour que recrea esa osadía llamada “Screamadelica” fue la excusa para que cerca de 3 mil personas llegaran al Teatro Caupolicán a ser parte de un encuentro que, pese a tardar más de la cuenta en repetirse, prometía ser memorable.

Cuando ‘Movin’ On Up’ abrió los fuegos, comenzó a disiparse el mito, para dar paso al hecho concreto: presenciar a Primal Scream en vivo efectivamente es algo especial. Más allá del impecable prontuario del grupo, de todo lo que provoca conocer su historial, su fuerte más grande es el presente. El dominio de la situación. Claro que ayuda tener a un héroe como el bajista Mani sobre el escenario, o al propio Gillespie haciendo gala de su desgarbo; pero la banda no tiene mejor aliado que el sonido.

Graves descomunales, un vocalista chamánico y amor por el ruido fueron la tónica de un concierto que, en sus mejores pasajes (como ‘Loaded’, ‘Higher Than the Sun’ o en el bis con ‘Country Girl’), resultó una epifanía. Todo el paroxismo despertado por el empalme británico se justificó en una velada que, de nostalgia, poco y nada tuvo. Para qué vernos la suerte entre gitanos: Primal Scream nunca fue un nombre popular en nuestro país, demasiado preocupado por el grunge y luego por el britpop para concentrarse en una propuesta tan liberada de etiquetas simplistas.

Tener la gira “Screamadelica” en Chile, pese a ser una versión reducida de lo mostrado en el primer mundo (menos coros, menos vientos), fue un lujo en el sentido más estricto de la palabra, es decir, sin chabacanería ni instancias lacrimógenas. Sólo música y mucha, mucha gallardía. Y es que Primal Scream, aunque sea tocando las canciones de hace 20 años, jamás podría clasificar como un grupo del recuerdo. Lo suyo es el futuro.

LISTA DE CANCIONES

‘Movin’ On Up’
‘Slip Inside This House’
‘Don’t Fight It, Feel It’
‘Damaged’
‘I’m Comin’ Down’
‘Inner Flight’
‘Higher Than The Sun’
‘Loaded’
‘Come Together’

‘Country Girl’
‘Jailbird’
‘Rocks’

Sade - Movistar Arena (12 de octubre, 2011)

2012-01-07T02:58:00.003-03:00

La semana pasada, varios periodistas y socialités web que juegan a reportear en redes sociales –hombres todos- hacían gala de su sexismo, comentando el aspecto de las integrantes de Warpaint como viejos verdes, en vez de fijarse en el intrincado trabajo sónico del cuarteto. Se equivocaron de show. O quizás de oficio. En fin, si la idea es presenciar un concierto en el que cuerpo y atractivo femenino efectivamente estén relacionados con la música, el concepto detrás y la puesta escena de un grupo, hay que ver a Sade en vivo.

Sade Adu, la cantante, emerge desde el fondo del escenario del Movistar Arena, dispuesta a partir del primer minuto a conseguir que todos –sin distinción de géneros- se enamoren de ella. Su voz es el arma de seducción definitiva. Una voz que también es carne y que se viste con el velo instrumental diseñado por ocho hábiles músicos que rotan dependiendo de la necesidad. El grupo es buen sastre y despliega su categoría (como en ‘Your Love Is King’, ‘No Ordinary Love’ o la pegada de ‘Paradise’ con ‘Nothing Can Come Between Us’), pero la tela que usa es delgada y transparente: está hecha para dejar que se trasluzca la desnudez que envuelve.

Todas las miradas, por el resto del espectáculo, quedan fijas en la vocalista. Sade, la banda, llega a Chile en el marco de su primera gira en una década, motivada por su último disco, el exitoso “Soldier of Love” (2010). Como pocas veces ocurre, tenemos acá a un ícono de los ’80 que ha perdurado en el tiempo con la misma elegancia y distinción que proyectan sus canciones, a base de escasos álbumes (tres en 23 años); pocos, pero irresistibles acercamientos en un cortejo incesante, aunque prudente y apto para todo espectador.

La corporalidad en la música de Sade se experimenta visual y sensorialmente. También se traduce por esas vías. Aunque el recinto está dispuesto para que el público esté sentado, la gente en sus sillas siente el llamado a moverse mientras Adu hace lo propio sobre el escenario y fluye con el grupo en ‘Smooth Operator’ y ‘The Sweetest Taboo’. Se trata de cadencia. Desde las estupendas imágenes proyectadas en la pantalla gigante (‘Kiss of Life’), hasta los ensayadísimos pasos de baile (‘Love Is Found’), hay un claro llamado a no permanecer estático.

Los pasajes más lentos, como ‘Jezebel’ o ‘Pearls’ (en los que la voz gana en forma, textura y profundidad), dejan caer el velo y muestran a la completísima frontwoman en su esplendor. Finalmente, no es necesario tanto desplazamiento para entrar en su danza. Además, a la altura de los últimos temas –un tanto más lentos-, la británico-nigeriana ya tiene a la totalidad de la audiencia rendida a sus pies. Enamorada. Misión cumplida. Es que con esta banda, como dice ‘The Sweetest Taboo’, “todos los días son navidad y todas las noches son víspera de año nuevo”.

New Order - Movistar Arena (5 de diciembre, 2011)

2012-01-07T02:55:00.001-03:00

“¿Por qué no podemos ser nosotros mismos como lo éramos antes?” La pregunta que hace Bernard Sumner en ‘Bizarre Love Triangle’ tiene hoy, 25 años después de editado el tema, una nueva acepción, esta vez con los propios New Order como objeto de cuestionamiento. La vuelta del grupo sin el bajista Peter Hook, el alma de la fiesta en muchas de sus canciones emblemáticas, tiene sabor agridulce. Tom Chapman, el nuevo a bordo, está relegado a un papel secundario, igual que en Bad Lieutenant, el proyecto post New Order de Sumner que nunca despegó. La sombra encima suyo es demasiado grande para que el más joven de la agrupación consiga brillar. Aunque el cariño que despierta una banda tan importante dificulte admitirlo, y el abolengo de sus músicos impida notarlo con rapidez, la dolorosa realidad es que los de Mánchester son, en este momento, un reflejo palidecido de su época gloriosa.

El show, de todas maneras, parte muy bien. Tendría que pasar algo peor que el alejamiento de un integrante, por vital que su aporte sea, para que hermosuras del calibre de ‘Regret’, ‘Love Vigilantes’ o ‘Ceremony’ dejen de funcionar en vivo y de resonar en la memoria emotiva de la audiencia. Sólo unas 7 mil personas llegaron a ver a los ingleses, pero no hizo falta un lleno absoluto para encender los ánimos del Movistar Arena y también los de la reformada banda. Si New Order ha perdido fuerza, nunca ha sido por falta de ganas, sino porque el paso del tiempo y la ausencia de Hook pesan muchísimo en los hombros de un grupo que profesaba constante innovación, basada en las capacidades musicales de miembros muy distinguibles entre sí. No precisamente el mejor material para diseñar postales nostálgicas.

Dado que el show se basa en los grandes éxitos del actual quinteto, algunos de sus temas imprescindibles fueron los más damnificados por las inclemencias de la edad y la falta de un bajista que se equipare con el anterior. Así, una lentísima interpretación de ’1963′ y la deslucida ‘True Faith’ -guiada por el teclado de Gillian Gilbert- se convirtieron en los puntos bajos del concierto. Otras, como ‘Bizarre Love Triangle’ y ‘Blue Monday’, también perdieron terreno en sus versiones 2011, pero la respuesta del público -que esperó años por escucharlas y bailarlas sin entregarse al análisis- sirvió para amainar las falencias de una agrupación que, pese a estar venida a menos, tiene un gigantesco arsenal de glorias pasadas en las que apoyarse. El problema es que los cimientos se gastan. Sólo ‘586’, en una actualización demoledora, merece la categoría de gran acierto y constituye un aporte sustancioso al historial del grupo. La luz de New Order nunca se apaga, sólo parpadea más de la cuenta.

"Cállate, conchetumadre"

2012-01-07T02:54:00.001-03:00

“¿Desde cuándo uno tiene que andar con una cámara en el bolsillo todo el día? No era una conducta cultural ésa. Eso viene de un producto que agrega un marketing, que impulsa una conducta de consumo, que se hace cultura. ¿Y ahora? Son infaltables las cámaras. Encima que no ven nada de lo que filman, sólo unas lucecitas desde lejos, yo los miro a los ojos y les canto y se pierden ese momento. Es algo que me pregunto en el show”.

Adrián Dárgelos

Es como si ya no bastara con escuchar un tema, como si recibir sonidos no fuera suficiente estímulo y se necesitara todavía más información. Adrián Dárgelos de Babasónicos declaraba al diario Página 12 que no entendía la sobrepoblación de cámaras digitales, que él miraba a su público directo a los ojos cuando les cantaba y que ellos se perdían el momento por estar concentrados en registrar lo que ocurría, en vez de vivirlo. Dicho y hecho: En su show del pasado miércoles 7 de diciembre, en el Teatro Caupolicán, fueron varios los presentes en cancha que pasaron de ser cómplices del argentino, para preocuparse de enfocar, encuadrar, guardar y, tal vez, subir el archivo a una red social para jactarse de haber visto en vivo a la banda.

Un poco antes, y desde mucho más lejos, los noruegos Kings of Convenience vinieron a Chile por primera vez, el 2 de diciembre, para cumplir el deseo de todos los que llenaron el Teatro La Cúpula. Pero también para compartir un atinado recordatorio: la tecnología es asombrosa, pero más posibilidades ofrece el cerebro humano. Con esas palabras pidió el dúo que dejaran de tomar fotos y, por un momento, las mañas del quisquilloso Erlend Øye y su compañero, Eirik Glambek, tuvieron todo el sentido del mundo. La intención no era ordenarle a las personas qué hacer, sino remecer un poco sus memorias y hacer que se acordaran de que la música es lo más importante en un concierto.

Esa tremenda obviedad dejó de ser tan evidente en un mundo tan lleno de posibilidades, donde un placer tan simple como escuchar una canción durante un recital pierde atractivo si no es acompañado por un trago, una cámara o un smartphone en el que twittear. El tipo que le gritó a Jorge González en el Centro Cultural Amanda, sólo para recibir su merecido de parte del legendario cantautor, cayó en las garras de esta nueva visión de mundo, en la que la música cumple un rol tan secundario que, incluso en un concierto, puede ser ignorada. Error.

Por supuesto que la ubicación de Amanda (Vitacura) propicia la ocurrencia del problema, porque llegan personas que no tienen idea sobre el artista de turno, pero cuentan con el dinero para pagar una entrada, consumir y actuar como si un músico de pub cualquiera estuviese en el escenario (ese trato recibieron Cat Power y Coralie Clément, por ejemplo). Sin embargo, pasa lo mismo en varios puntos de Santiago, desde las juntas de vecinos en que se organizan tocatas de rap, hasta en las contadas veces en que el Liguria se transforma en espacio para shows en vivo.

“Cállate, conchetumadre”, espetó González, antes de largarse con una colorida diatriba. Varios en YouTube lo tomaron como el acto de un rockstar prepotente con su público; pero los que estaban la noche del 9 de diciembre en Amanda, y otros muchos que lo vieron en sus computadores, aplaudieron las palabras del ex Los Prisioneros. Todo lo que el cantautor estaba exigiendo era ser escuchado y que no lo vapulearan durante su propia presentación, o sea, lo mínimo; algo que un tipo que ha escrito himnos generacionales y discos imprescindibles ni siquiera debería estar pidiendo. “Cállate, conchetumadre”. Cállate y calla todas las voces que te hagan pensar que la música es el arroz del plato, que los artistas no merecen respeto y que su trabajo es una excusa para “tomar y echar el pelo”.

Nota: Gracias a los que graban los shows, con audio e imagen aceptables, para después compartirlos en la red. Los villanos son los otros.

Astro - Astro

2012-01-07T02:52:00.000-03:00

Como todo buen grupo con potencial de convertirse en algo grande, Astro ha sacado a relucir lo peor de las personas. Las críticas sobre su parecido con MGMT vienen del mismo público que valora a Nirvana o Los Tres, sin reparar en sus respectivas similitudes con Pixies o The Stray Cats, todo porque en este caso el antecedente está a la mano por su popularidad y cercanía temporal. El segundo dardo más recurrente contra el grupo tiene que ver con un factor ajeno a su control: el perfil del público que los sigue. Es cierto que el universitario burgués con delirios pachamámicos es un espécimen repulsivo, pero ninguna banda puede manejar qué clase de gente escuchará su música. Los mismísimos Prisioneros, al partir, fueron apreciados por los “pijes” del barrio alto a los que despreciaban, pero en su San Miguel natal eran unos incomprendidos.

Con “Astro” ya lanzado, luego de la expectación causada por el EP “Le Disc de Astrou” (2009), es hora de sincerarse. Por colorido, el primer álbum del quinteto se parece más a Florcita Motuda que a los cada vez más apagados MGMT. No es broma, la referencia más cercana estaba en la cultura pop chilena y no en la neosicodelia estadounidense. El vocalista Andrés Nusser armó un lúdico repertorio que aborda, desde un prisma similar al de las regresiones infantiles que provoca el consumo de ácido, la vida salvaje y el reino animal como ejes centrales. Sin pensarlo dos veces, Motuda cantaría mejor que Andrew VanWyngarden versos como “yo creía que era feliz, todavía no conocía la súper felicidad, hasta que me encontré comiendo todas las cerezas de la quinta, no se puede comer tantas cerezas en un día, te explota la guata y te nace un árbol si te tragas las pepas” (del tema ‘Pepa’).

El contenido lírico del debut homónimo de Astro no resiste al análisis capcioso, que sería una pérdida de tiempo en vista de que no hay metáforas, sino imágenes literales. Cuando ‘Colombo’ habla de conejos bailarines o ‘Manglares’ describe a elefantes surfistas, en ninguna parte se esconden manifiestos acerca de la cultura judeocristiana, ni críticas a la sociedad occidental. Lo que escuchas es lo que hay: conejos bailando y elefantes surfeando, nada más. Sin querer, y para sorpresa de la juventud pitillo que disfrutó con ‘Raifilter’ y ‘Maestro Distorsión’, Astro firmó un disco sin hits evidentes, pero con canciones que podrían gustarle a niñitos en edad preescolar; una aproximación al rock progresivo (Yes, Genesis) similar en calibre a la de Mazapán con la música medieval y renacentista. Si ‘La Chinita Margarita’ y ‘Francisca, una avispa’ ya eran un tanto lisérgicas, ¿por qué no llevar las cosas más allá y probar con ‘Panda’, ‘Ciervos’ o ‘Coco’? Las próximas generaciones, que ya están creciendo al ritmo de 31 Minutos, lo agradecerán.

Mixtape chileno

2011-12-01T20:31:00.001-03:00

Johou – Ay qué rico! (Armatoste)

“Ay qué rico cantar como Gepe, Nano Stern o Fernando Milagros”, dice la letra de este satírico tema, que sigue con “y ya volvió de su girita por Europa y ya volvió, y se cansó de tanto europeo culto y se devolvió”. Dardos con nombre y apellido. Parte del tercer disco de Johou, titulado “Todo se devuelve”, y –con suma tranquilidad- una de las canciones de rock chileno más adhesivas de la temporada.

Altazores – Dame una mano (Sello Azul)

¿Qué hacer cuando no queda marihuana? Escribir una canción es la respuesta de Altazores, trío que forma parte de la camada 2011 del Sello Azul y que en ‘Dame una mano’ hacen apología de la hermandad entre fumadores. “Yo sé cómo ir, sé cómo llegar, y a volar, y a volar”, cantan con amistoso espíritu quinceañero en este corte del disco “El secreto detrás del caos”, sucesor del debut “El silencio no es callar” (2008).

Corderolobo – Comino (Autoedición)

Beck se hizo famoso en los ’90, entre otras virtudes, por ser un gran sampleador. Corderolobo, el nombre tras el que opera Carlos Vargas (el ex cantante del disuelto y recordado grupo Yupisatam), no es famoso como Beck, pero le convida de su propia medicina al solista estadounidense. ‘Comino’ usa la base del célebre single ‘Que Onda Güero’, además de tener las guitarras más poderosas del debut homónimo del músico nacional, un disco liberado para descarga gratuita acá. (http://www.megaupload.com/?d=C9QO5PT3)

Felipe Palma – Menzel (Autoedición)

Guitarra eléctrica en mano, el cantautor Felipe Palma (parte del interesante colectivo Solistas Unidos) le canta al Menzel -uno de los mejores lugares de Valparaíso para comer pescados y mariscos-, pero también a la nostalgia y a los recuerdos que el puerto evoca. “Es un lugar donde el aire va hacia atrás”, describe el músico en esta pista del EP que también se llama “Menzel” y que fue producido por Nicolás Moreno, ex bajista de los disueltos Jirafa Ardiendo (tal como el debut de Corderolobo).

Mostro – E (Quemasucabeza)

Es uno de los cortes del disco “Libre para regurgitar la intemperie”, el tercer álbum del dúo de Los Andes, Mostro. Una vez más, los hermanos Reinoso le declaran la guerra al mercantilismo que empaña la creación sonora y definen esta nueva placa como "música de inspiración anticomercial para llegar al corazón del auditor honesto". El disco será editado a fin de mes en vinilo por el sello Quemasucabeza, pero está disponible desde ya como descarga gratuita en este link. (http://bit.ly/lPYrmv)

Watch Out! – Wish you know (BYM)

Del vinilo al MP3. Watch Out! prensó “Flashbacker”, su segundo disco, en el noble formato long-play, pero las copias en CD del álbum aparecerán el mes de septiembre. Esto es una muestra de cómo suena lo nuevo del grupo santiaguino para una gran mayoría: los que no tienen tornamesa. Revisa el video de la canción en este enlace. (http://vimeo.com/26026553)

Ramiroquijano – El velorio de Manuel Gardel (Autoedición)

Las buenas canciones siempre ganan. El productor de este disco, Lautaro Rodríguez, confiesa que este pegajoso tema no le gustaba cuando Ramiroquijano se lo mostró, pero que acabó convertido en uno de sus favoritos del álbum. Es la clase de historias que condimentan “El lenguaje del sonido”, primer lanzamiento oficial de este cantautor de San Antonio, disponible para libre descarga desde este enlace. (http://www.mediafire.com/?cy20bbd9cqldf1z)

Colombina Parra – Flores como gatos (Autoedición)

La vocalista de Los Ex sorprende con una ópera prima, en formato de cantautora solitaria, que fue germinando durante su embarazo. En “Flores como gatos”, Colombina Parra le canta a su vientre, acompañada por su guitarra y por la costa de nuestro país, donde residió mientras esperaba dar a luz. Pocas veces una transformación musical tan drástica –en este caso, de lo amargo a lo dulce- resulta así de bien.

Bahía Inútil – Horseback (Inédito)

Un estreno absoluto, cortesía de Adelante Estudios, el proyecto de Fernando Milagros que consiste en ir a lugares con personalidad para grabar canciones en su estudio portátil. Bahía Inútil es el emprendimiento de la dramaturga y directora teatral Manuela Infante, quien -junto al cantautor- registró su disco debut (tentativamente llamado “Stand Scared”) durante un par de semanas en Punta Arenas. Así suena el aislamiento magallánico.

The Paintings – Sands of the times (Autoedición)

Bajo el alias de Zuecokimonomagnético, Edmundo Veloso autogestionó ocho producciones a partir de 1996 y hoy el músico es parte de The Paintings, un dúo en el que se palpita la influencia de Billy Corgan en los momentos más inspirados de The Smashing Pumpkins. ‘Sands of the times’ está incluida en el CD número 2 del proyecto “Tea”.

Mixtape chileno #2

2011-12-01T20:27:00.000-03:00

All Tomorrows – Kismet (La Somba)

El nuevo grupo del productor Pepe Lastarria (Rama, Portugal, Humana) debuta con este sencillo, incluido en su venidero debut, “Opilion”. All Tomorrows (en la foto) es una de las novedades del sello La Somba, que también está presentando “In case of ear discomfort”, el tercer álbum de la siempre recomendable banda Humana. Atentos, fans de Messhuggah.

Vuelveteloca – Paramount (BYM)

Es el primer single de “Jinete Galáctico”, el segundo disco de los santiaguinos Vuelveteloca, disponible en vinilo a través de BYM Records (Watch Out!, Föllakzoid), uno de los puntales del revival del long play en Chile.

TV Femme – Veintiuno (Primate)

Parte del disco “La perdición”, el debut del dúo TV Femme (integrado por el cantante y guitarrista Diego Alorda y el batero Sebastián Díaz), grabado con la asesoría de Juan Méndez y Nicolás Moreno, ex miembros de Jirafa Ardiendo.

Intermitentes – La resistencia (Volodia)

Parte de la ópera prima homónima del grupo Intermitentes, recién presentada en vinilo por el sello Volodia (Los Chinches, Los Dolores) y liberada para descarga en este enlace: http://bit.ly/lpntmtns

Hijo de Padres Separados – Cascarrabia (Autoedición)

‘Cascarrabia’ pertenece al debut homónimo del novel grupo Hijo de Padres Separados, estrenado en vivo este año. El disco de la banda puede ser bajado desde: http://www.hijodepadresseparados.com/hijodepadresseparados.zip

Moreno – Pandeiro (Inédito)

Mientras Giancarlo Landini, alias Moreno, prepara la salida de su nuevo disco (aún sin título, grabado en los estudios de Algorecords bajo la producción de Pablo Giadach de The Ganjas), esta canción con toques de Dinosaur Jr. opera como primer adelanto.

Mar Rojo – Es sólo placer (Autoedición)

El trío rock-pop Mar Rojo muestra su lado furioso en esta canción, incluida en su álbum debut, titulado “Pulsación” y disponible gratuitamente a través de este link: http://www.marrojo.cl/descargas/Mar_Rojo-Pulsacion.rar

Nuevacosta – Uno (Casa Joven/Cellar)

Además de new wave y rock progresivo, Nuevacosta es una banda que asegura no olvidar entre sus influencias al pop chileno de los ’90. ¿Qué tal la mezcla? La respuesta se encuentra en Costabrava, su primer EP, disponible gratis en: http://nuevacosta.com/Nuevacosta%20-%20Costa%20Brava%20EP%20(2011).rar

Projimo Bil – Mundo acuático (Autoedición)

Recomendado por Felipe Ruz del dúo penquista Philipina Bitch, el disco de este músico residente en Valparaíso, titulado “El mundo es un trabajo sucio” refresca –en tono acústico y lánguido- el actual panorama de cantautores. Disponible para descarga en este enlace: http://www.mediafire.com/?q74aed69sz0of8t

Congelador con Damo Suzuki – Bloque 3 (Quemasucabeza)

Dos años después del concierto que unió a Damo Suzuki (Can) con el grupo Congelador, el sello Quemasucabeza presenta la edición del show, como disco en vivo, disponible a costo cero a través de este link: http://www.quemasucabeza.com/wp-content/plugins/download-monitor/download.php?id=4

Mixtape chileno #3

2011-12-01T20:23:00.000-03:00

Julia Smith – Hagan sonar sus joyas

Titulada en honor a la famosa frase de John Lennon, esta canción forma parte de “Hagamos las maletas y vámonos del planeta”, el primer álbum del grupo penquista Julia Smith. El disco fue producido por Mauricio Melo, ex miembro de Santos Dumont, quien además colabora con un solo de guitarra en este corte.

http://elcadaverexquisito.cl/JuliaSmith-Hagamoslasmaletasyvamonosdelplaneta(2011).zip (Enlace cortesía de El Cadáver Exquisito)

Jiminelson – We never kissed goodbye

El próximo disco de Jiminelson, después de haber editado en 2010 el álbum “Serendipity Vol. 1”, todavía no tiene nombre, pero ya cuenta con este adelanto y se planea que su edición ocurra en el mes de noviembre. ¿El productor? Nada menos que Pedropiedra, quien por primera vez colabora junto a Gustavo León.

Los Fetuchini – Space coctel club y cantina

Con un disco homónimo lleno de reminiscencias ítaloamericanas y latinas, disponible para libre descarga, el quinteto Los Fetuchini debuta con su colorida apuesta. La banda presentó su disco en vivo con un escuadrón de refuerzos venidos desde grupos tan distintos entre sí como Los Pata e Cumbia y Cómo Asesinar a Felipes.

http://www.megaupload.com/?d=P9VIN7TQ

Fiebre – Llévame al desierto

Eterna promesa de los años ’90, Cristián Fiebre se fue a México apadrinado por el productor Gustavo Santaolalla. Una relación que no rindió mayores frutos y que acabó con el músico autoexiliado, hasta que este año –ya de vuelta en Chile- editó “Antialias”, su tercer álbum, y el primero desde “Mujer elefante” de 1999.

http://www.cristianfiebre.com/songs4.html

Entrefuego – Caminaré

Además de sacar ediciones en vinilo de sus discos, el sello nacional Amendment Records tiene el gesto de liberar para descarga el material de su catálogo, consistente en hardcore de fina estirpe. Esta canción es parte del siete pulgadas “El espíritu intacto, la esperanza de pie”, el regreso discográfico de Entrefuego, disponible gratis en este enlace.

http://www.mediafire.com/?lyy45pq0cwa6cfy

Philipina Bitch – Ya se acerca el temblor

‘Aplasta tu generación’ es un tema del dúo penquista Philipina Bitch, originalmente incluido en su álbum “Vecindad maldita”, pero que en el disco de rarezas “Nadémonos” (liberado por el grupo este año) cobra nueva vida bajo el título ‘Ya se acerca el temblor’. Si de verdades se trata, la letra de esta canción dice claramente unas cuantas.

http://dl.dropbox.com/u/4206348/desnudemonos.zip

Mantarraya – Ciencia natural

El grupo penquista Mantarraya tiene apenas cuatro meses de funcionamiento como banda, tiempo suficiente para que decidieran grabar y liberar un EP homónimo, mediante el sello Beast Discos. Pese tener poco bagaje junto, el quinteto elucubra coherentes canciones de rock pop, gracias a la experiencia de sus miembros en otros empalmes penquistas.

http://www.mediafire.com/?n73zarl8yn8qk2v

Nueva Noventa – Between raindrops

Letras en inglés e influencia del indie sajón configuran la base de Nueva Noventa, un quinteto que inició actividades en 2010 y que este año debutó con el EP “Colors”, editado en formato físico, pero también digital y gratuito mediante este enlace.

http://www.nuevanoventa.com/Nuevanoventa_Colors.zip

Ladrones de las 12 – Estuve mal

Proveniente del circuito universitario y nocturno de Valparaíso, la cuna del rock chileno, Ladrones de las 12 debuta con el EP “La belleza de lo inútil” que habla sobre su primer año como banda. Mucho ritmo, mezclado con sampleos de El Chavo del 8 y 31 Minutos, es la tónica de este material, liberado en línea.

http://www.mediafire.com/?c0uv89008g3qezi (Enlace cortesía de La Última Papita)

Oh Margot – Interminable

Con el sintetizador en rol protagonista, Oh Margot es otra de las bandas que regalan su música a través de internet. Su primer trabajo es un epé homónimo que, además de canciones, ofrece uno de los mejores diseños vistos en Chile este año. El responsable es Fab Ciraolo, batero del grupo y encargado también del arte del disco “La perdición” de TV Femme.

http://www.ohmargot.com/ohmargot_ep.zip

Circus Rock 2011: Todos los nombres del festival

2011-12-01T20:20:00.000-03:00

Astro

Una de las sensaciones indie de la capital. Astro sólo cuenta con un EP, titulado “Le Disc de Astrou” (2009), pero su facilidad para ser adhesivos (de la que dan cuenta canciones como ‘Raifilter’ y ‘Maestro Distorsión’) y la efervescencia de sus tocatas ya tienen al grupo encumbrado como cabeza de cartel del evento. Eso y, claro, su comentadísima similitud con los fashionistas MGMT. Editada físicamente primero en México, donde fue muy bien recibida, y luego en Chile, la única obra de esta banda abrió la puerta para que su venidero larga duración, antecedido por el single ‘Ciervos’, sea uno de los discos más esperados del pop local de este año.

Intimate Stranger

Con un pie en Chile y otro en Estados Unidos, Intimate Stranger ha pasado este año dando conciertos entre los que destaca su show en la útima versión del importante festival South By Southwest (SXSW) de Austin, Texas, junto a una nutrida comitiva nacional. Y no sólo de un país a otro se mueve este cuarteto, cuya cantante (Tess) es de origen británico, sino que también en sus propias raíces musicales pasea por lugares distantes entre sí. Su guitarrista, Lautaro Vera, pasó por bandas históricas como Cucsifae, Disturbio Menor y Donfango, antes de fundar este proyecto, que se autodefine futuristamente como de avant-indie y que tiene dos discos: “Life Jacket” (2008) y “Under” (2010), además de un EP en vivo titulado “Moments o Riot” (2011).

Adrianigual

Entre su primer disco, “Baila baila canta” (2007)”, y el actual “Éxito Mundial” (2011), el grupo Adrianigual sufrió una pausa en la que su música evolucionó desde las guitarras bailables del recordado single ‘Mística Espiral’, hacia un pop electrónico en que se nota mucho la mano de Alex Anwandter (Teleradio Donoso, Odisea) en la producción. Ninguno de estos cambios ha hecho mella, en todo caso, en la creciente base de público que el grupo ha captado en siete interrumpidos años de carrera.

Mostro

“Ni lo uno, ni lo otro, sino todo lo contrario”, decía Cantinflas, sin imaginarse jamás que alguna vez ese juego de palabras tendría tanto sentido, que sería la mejor forma de referirse a un proyecto artístico. Mostro es la unión de dos hermanos (Carlos y Jaime Reinoso) que en ninguno de sus tres discos han tomado en cuenta los decálogos. El último de ellos, “Libre para regurgitar la intemperie”, fue editado por Quemasucabeza este año, para seguir alterando el orden de las cosas: el diablo los cría y dios los junta.

Protistas

Con un amplio camino recorrido en noches santiaguinas, Protistas ha pasado por todo el abanico de posibilidades que la capital ofrece a una banda independiente para tocar en vivo. En ese trayecto, han acumulado experiencia y seguidores, mientras su disco “Nortinas War” (2010) ha caído en gracia de medios digitales que han hecho lo propio por internet. A comienzos de año, la banda pidió dinero vía web a todos los que quisieran ayudarla a financiar su venidero álbum y la campaña fue todo un éxito.

Jiminelson

Asumido por completo en su rol de solista rockero, Gustavo León ha hecho de Jiminelson una iniciativa prolífica, en cuanto a la continuidad de su discografía, así como en el avance artístico. Siete años y tres discos, con un cuarto en camino (producido por Pedropiedra y con el avance, ‘We Never Kissed Goodbye’, recién salido del horno), convierten a este número en uno de los más seguros de Circus Rock.

The Holydrug Couple

Desde esa familia llamada BYM Records, formada por creyentes practicantes de la sicodelia y los vinilos, emerge The Holydrug Couple con Silver Apples (la banda a la que Portishead le copió tributaria y descaradamente en su disco “Third”) como principal influencia. Confeso amantes de la grabación análoga, este dúo tiene en “Awe” su último lanzamiento y en el fichaje con el prestigiado sello Sacred Bones (la casa del mejor ruido de los últimos años, como The Men y Human Eye), su mejor credencial.

Matías Cena & Los Fictions

Matías Cena pasó, como el viejo y querido Bob, de la guitarra de palo a la eléctrica. Sus primeras entregas como solista, hermanables con facilidad a decenas de cantautores, poco y nada tienen que ver con lo que hoy es su show en vivo con banda. Un grupo bautizado en honor a “Fictions” (1967), el único, hermoso e indispensable disco de Los Vidrios Quebrados.

La Reina Morsa

Además de Adrianigual y Protistas, La Reina Morsa también pertenece al Sello Cazador. Una discográfica independiente que, en este grupo (iniciado como un dúo, igual que Astro), tiene a uno de sus exponentes más azucarados, pero también engañosos. En “Dónde están las jugueterías?”, su primer disco, la banda cuenta -con voz femenina y masculina- historias que esconden el inevitable conflicto que produce crecer cuando se es demasiado sensible.

Portugal

Es la más reciente adición al cartel. Portugal apareció en 2010 con un disco digital gratuito, “Viajes de Memoria”, que ahora está editado en CD por Sello Azul, y además con un reciente video muy exitoso –en la red- bajo el brazo (‘Nuestro Momento’, uno de los virales del movimiento estudiantil). La banda de San Antonio recala en el festival, en el marco de una constante actividad en vivo, para seguir quemando etapas y celebrar que su trayectoria va en franco ascenso.

Blind Melon: Miel de Abeja

2011-08-09T02:11:00.001-04:00

Después de que Will.i.am de los Black Eyed Peas matara el revival de los ’80, sampleando el tema de “Dirty Dancing” para su grupo y ‘Video Killed The Radio Star’ de The Buggles para Nicki Minaj, lo que se avecina en el panorama es la nostalgia por los ’90. Probablemente, cuando llegue el vigésimo aniversario de la muerte de Cobain (el año 2014), el fenómeno estará en su máximo apogeo. Sin embargo, ahora, lo que tenemos como advertencia es la reacción que causa Blind Melon en Chile.

Es cierto que el grupo estadounidense no llenó el Teatro Caupolicán, como tampoco lo consiguieron George Clinton y Public Enemy la semana pasada, pero apenas empezó su primer concierto en nuestro país (con media hora de atraso y la canción ‘2 X 4’ del disco “Soup” de 1995) la banda fue acogida como si el tiempo se hubiese congelado en la época en que el vocalista Shannon Hoon aún estaba vivo.

Hoy en el lugar del fallecido cantante está Travis Warren, un tipo carismático cuyo paso por la banda no ha estado exento de problemas: llegó hace un lustro a la banda y poco después de grabar el disco de retorno “For My Friends” (2008) fue expulsado. “Dios le metió un Stradivarius en la garganta, pero la realidad es que él lo trata como un violín roto de una casa de empeños. Es muy difícil mantener una rigurosa agenda de gira mientras fuma como una chimenea”, afirmaron los miembros originales en el comunicado oficial tras la ruptura.

La intermitente carrera de Blind Melon fue retomada el año pasado, otra vez con Warren a la cabeza, luego de que el resto de sus compañeros terminara de convencerse de que sólo él podía hacerle el peso a Hoon. ¿Lo consigue? La verdad es que no, pero se esfuerza y logra emocionar, como cuando dedica el tema ‘Change’ (uno de los clásicos de la banda) a la memoria del extinguido vocalista -muerto a escasos 28 años de edad-, guitarra acústica en mano y con una audiencia satisfecha tras escuchar lo que esperaba, amansada por un quinteto complaciente en la elección de su setlist.

Fogueado en recitales y con su reputación clara, en la primera media hora de concierto Blind Melon juega a ganador y despacha sólo hits de sus tres álbumes de estudio editados en los ’90: ‘Toes Across The Floor’, ‘Soup’, ‘Paper Scracher’, ‘Drive’, ‘Skinned’, ‘I Wonder’ y ‘Wilt’; todos reconocidos y coreados –unos más y otros menos- por el público que ocupaba la cancha y los palcos del teatro. Rogers Stevens y Christopher Thorn hacen gala de su experticia y complicidad como guitarristas, sentando la atmósfera de una velada frontalmente nostálgica.

Del álbum “For My Friends” solo suena el corte homónimo, el resto del material lleva al menos 15 años en circulación y al momento del himno generacional ‘No Rain’ (tocado primero en versión ‘Ripped Away’ como aparece en la placa póstuma “Nico” y luego en su primera y archiconocida encarnación de single) el recinto de San Diego está convertido en un karaoke gigante. Si de postales se trata, ésa fue la –obvia y anunciada- foto de la noche, aunque ni siquiera lo previsible de aquel instante pudo deslavar el brillo de presenciar en vivo una de las canciones infaltables de la era grunge (más que nada por asociación: el grupo siempre estuvo más cerca de la neo-sicodelia que del imaginario Seattle).

Al momento de realizar el bis, la banda está contenta y demuestra auténtica sorpresa ante la recepción que Chile brinda a su música; ante eso, queda la duda sobre qué hubiera pasado si el quinteto privilegiase el material más fresco, pero la certeza de las fórmulas probadas pesó más y el grupo ejecutó ‘The Pusher’, ‘Mouthful of Cavities’, ‘Galaxie’ y ‘Walk’ (más repertorio de los ’90) para cerrar la fiesta. Una hora y 20 minutos en que Blind Melon manejó a su antojo los ánimos de los que llegaron al Teatro Caupolicán desafiando la lluvia y el frío, a cimentar las bases del venidero revival. Grito y plata para las productoras durante los próximos años. Miel de abeja para la melancolía. Que pasen los siguientes.

George Clinton & Parliament-Funkadelic: La medicina

2011-08-09T02:11:00.000-04:00

El sábado 23 de julio fue una jornada triste para la música de raíz negra, tras conocerse la noticia de la muerte de Amy Winehouse. Pero, el día anterior en Brasil, tuvo lugar la celebración de una fiesta: el cumpleaños número 70 de George Clinton. Todavía impregnado de ese ánimo festivo, el músico llegó a Chile por segunda vez junto a su multitudinaria banda, Parliament-Funkadelic, para colorear una fecha marcada por el luto y tocar, ahora sí, en las condiciones que un histórico del cancionero popular se merece.

Y es que el debut de Clinton en Santiago, ocurrido en mayo de 2009 en el galpón Industria Cultural, dejó un sabor agridulce por culpa del mal sonido y de una organización tan deficiente, que terminó con Carabineros aguando la noche al ingresar al local. Nada de eso pasó en esta ocasión, aunque si es por buscar puntos bajos, la escasa presencia de público evidenció el creciente problema de sobreoferta de espectáculos en vivo –y de alto precio- en nuestra capital.

Sin embargo, cuando partió la música en el Teatro Caupolicán, las complicaciones se fueron a buena parte. Como de costumbre, Clinton dejó que su experimentado grupo amenizara cerca de media hora antes de asomarse al escenario, así que en el momento de su llegada, la cancha del recinto de San Diego estaba servida en bandeja de plata para él. Aunque, a estas alturas, ladra y se desgarra la garganta más de lo que canta, el frontman estadounidense se sabe amo y señor de la velada, y así también lo hace sentir la cálida recepción que le brindan los asistentes apenas aparece.

Parliament-Funkadelic, en su calidad de colectivo musical y creativo más que de grupo establecido, hace despliegue de una libertad que podría resultar casi caótica para los menos iniciados: constantemente entran y salen personas, una corista puede ser también bailarina, un batero se transforma en guitarrista, el otro (hay dos) pasa a ser una suerte de animador que salta y va de un lado a otro de la tarima, mientras Sativa Clinton (la nieta de don George) sube a rapear y Sir Nose se contorsiona, para luego invitar a unas fanáticas a bailar con él.

Una a una, empiezan a sonar las imperecederas canciones de la banda, siempre a la antigua: en versiones larguísimas que son, a estas alturas, un ejercicio anacrónico entre tanta inmediatez, así como los disfraces, capas, colores y detalles usados por los miembros del grupo (el guitarrista Michael Hampton usa un casco parecido al de los clones de Star Wars, Sir Nose recrea el imaginario de los proxenetas con un abrigo de piel y una de las coristas usa patines, por ejemplo). Son ejecutadas ‘Flash Light’, ‘Free Your Mind and Your Ass Will Follow’, ‘One Nation Under A Groove’ (con la excepcional voz de Steve Boyd), ‘Undisco Kidd’, ‘Not Just Knee Deep’, ‘Atomic Dog’, ‘Give Up The Funk (Tear the Roof off the Sucker)’ (la más celebrada, por supuesto) y cómo no, la siempre impactante ‘Maggot Brain’. Podrán pasar los años, las modas y hasta las vidas de los músicos –porque así como resultaba inevitable pensar en Amy Winehouse, también lo era acordarse del fallecido guitarrista del grupo, Garry Shider-, pero George Clinton y Parliament-Funkadelic tienen la receta para hacer que nada sea más importante que el jolgorio funk que representan. Ellos son los auténticos dueños de la medicina.